Dans cet épisode de la série Pop-en-stock transatlantique, Elaine Després (animation), Hélène Machinal (co-animation), Stéfany Boisvert, Jean-François Chassay, Anaïs Lefevre-Berthelot et Anne-Martine Parent discutent de la mini-série Netflix, The Queen’s Gambit (2020) de Scott Frank et Allan Scott, adaptée du roman éponyme de Walter Tevis. Ils abordent la représentation des échecs, de la dépendance, mais aussi du positionnement féministe (ou non) de la série, sa structure classique, son traitement des couleurs, de l’histoire et de la culture populaire, etc.
Mot-clé: Esthétique
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Le savant fou tel qu’en ses oeuvres
Personnage emblématique de la fiction anglaise du 19e siècle –de Frankenstein à Moreau, en passant par Jekyll–, le savant fou est le creuset des tendances contrastées de la science en pleine métamorphose, sous l’impulsion de Darwin, Lavoisier et autre Pasteur. Il en incarne les fantasmes les plus délirants, mais aussi les dangers à travers ses projets radicalement inédits et transgressifs, qu’il mène en dehors de l’institution et de ses règles, œuvrant dans des lieux généralement isolés (laboratoire, villa ou château), en retrait de la société, au propre comme au figuré.
Dans la plupart des cas, ses connaissances poussées en biologie et en chimie lui permettent de créer des êtres nouveaux, hybrides, se posant ainsi en véritable Prométhée plasticator, remodelant la matière, qu’elle soit humaine, animale ou technologique. Or, les conséquences sont souvent désastreuses: pour lui, puisqu’il est le plus souvent rattrapé par la nature qu’il tente de déjouer; pour la société, qui n’est pas en mesure d’intégrer un Autre aussi radical; et pour l’humanité, dont la définition même est mise en danger par ce miroir déformant. Alors, pourquoi s’entêter si les conséquences sont aussi immanquablement funestes? Là se situe justement la folie du savant fou: dans sa libido sciendi, cette pulsion incontrôlable et dévorante de la quête du savoir et de la technique, cette pulsion épistémique évoquée par les créateurs de la bombe nucléaire: «lorsque vous voyez quelque chose de techniquement réjouissant, vous allez de l’avant et vous l’accomplissez et vous vous demandez quoi en faire seulement après avoir obtenu votre succès technique» (J. Robert Oppenheimer).
On peut d’ailleurs constater à cette époque un changement radical dans la représentation du savant fou: l’ombre de Frankenstein plane toujours, mais, d’une part, la physique, la génétique et la cybernétique ont remplacé la biologie et la chimie, et, d’autre part, la big science et le complexe militaro-industriel ont absorbé les savants fous solitaires pour en exploiter les talents de créateurs. Si l’on se concentre souvent sur la folie de ces personnages ou sur les questionnements éthiques résultant de leurs œuvres, il ne faudrait pas négliger les méandres d’une créativité si tortueuse qu’elle rapproche le scientifique de l’artiste et le laboratoire de l’atelier. Comme l’artiste, le savant fou souhaite laisser des traces et refuse d’accepter le monde tel qu’il est pour l’imaginer d’une manière radicalement différente; ce faisant, il dépasse de nombreuses limites. À la différence de l’artiste, le savant fou refuse d’être limité par l’imagination, il agit concrètement (et parfois brutalement) avec les outils qui sont les siens. Si le scientifique est en quête de connaissances, le savant fou et l’artiste sont des créateurs; comme les alchimistes d’autrefois, ils n’ambitionnent qu’à réaliser leur Grand Œuvre.
C’est cette créativité des savants fous –qui peut également prendre une forme destructrice et prolixe, en particulier lorsqu’il s’agit de s’opposer à des superhéros– que le présent dossier entend aborder.
Podcast associé: Frankenstein, du Prométhée moderne au phallus indestructible
Billet de blogue associé: Frankenstein, ou le cauchemar d’une jeune fille en fleur
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Frontières et conquêtes
Ce dossier thématique englobe les actes des colloques étudiants Interstices: la richesse des frontières (2014) et Transgressions: métamorphoses et changements d’allégeances (2015), organisé par Mathieu Villeneuve, Paul Kawczak et Samuel Archibald, dans le cadre du Congrès Boréal 2014. Il reste, comme tous les autre du site, ouvert à des nouvelles collaborations.
Dans le cadre du Congrès Boréal 2015 – le rassemblement des amateurs et des spécialistes des littératures de l’imaginaire depuis 1981 – qui a eu lieu à Montréal les 8, 9 et 10 mai 2015, et à l’occasion du centième anniversaire de La Métamorphose de Kafka, les chercheur.e.s du colloque Transgression: Métamorphoses et changements d’allégeances se sont penché sur la question de la métamorphose sous l’angle de ses implications littéraires ainsi que de ses diverses allégeances.
«Certes, écrit Pierre Brunel, on aura bien souvent, en lisant des récits de métamorphoses, l’impression de quitter le domaine de la logique, mais pour mieux retrouver celui de la littérature.» En effet, la métamorphose partage avec la littérature bien des similitudes: elle joue de la même dialectique de l’identique et du différent, qui, comme la métaphore, feint de décrire l’autre pour décrire le même; elle invite à penser l’idée de changement, relatif ou radical, et sa signification.
La métamorphose peut aussi être perçue comme la transgression d’une forme vers une autre. Thématiquement, elle accompagne le franchissement de l’interdit: chez Ovide, elle suit souvent la transgression d’une règle, la rupture d’un ordre. La métamorphose crée des monstres, des mondes au-delà d’un ordre initial. Ce nouvel ordre semble être celui que raconte le mythe, l’histoire originelle et symbolique, tant le thème de la métamorphose est partagé par de nombreux récits mythiques. Ici encore se rejoignent métamorphose et littérature.
Les littératures de l’imaginaire ne peuvent être que des littératures de la transformation, de la métamorphose du monde par une imagination qui la transcende. Une littérature qui offre de nouveaux espace-temps, de nouvelles créatures, de nouveaux genres et sous-genres… Or si la métamorphose est une dialectique du même et du différent, quelles fidélités conservent les identités métamorphosées? Que reste-t-il de Twilight dans Fifty Shade of Grey? Que reste-t-il d’un homme dans un loup-garou? Que reste-t-il de La Métamorphose de Kafka dans La Mouche de Cronenberg? Quelles nouvelles allégeances se créent à l’issue des mutations, qui sont les nouveaux maîtres, les nouveaux ordres, les nouveaux impératifs?
Que ce soit d’un point de vue générique – les genres, les sous-genres, les médias et leurs croisements, l’évolution de leurs rapports et de leurs identités, etc. –, d’un point de vue thématique – les monstres, les freaks, les univers évolués, évolutifs, etc. –, d’un point de vue philosophique – la métamorphose dans ses rapports avec le bien et le mal, la transgression –, d’un point de vue d’histoire des idées – métamorphoses historiques des imaginations –, la métamorphose, ses transgressions et ses changements d’allégeance offrent au chercheur de nombreuses approches de la littérature et des arts de l’imaginaire.
L’idée de frontière implique un double espace: celui des territoires qu’elle sépare, et le lieu de la séparation lui-même. Dans le contexte de la postmodernité, la séparation tend à s’élimer, à «s’élider1»; elle laisse place à un «entre», un interstice habitable, où le mélange est non seulement possible, mais reconnu et travaillé. Les plus étranges mutations deviennent possibles, dont l’une des plus impressionnantes demeure le roman Abraham Lincoln, chasseur de vampires. Devant quoi nous trouvons-nous? Une blague politique ou esthétique? Ou, plus fondamentalement, devant une transgression générique? La réponse varie d’un théoricien à l’autre. La question mérite néanmoins d’être posée: la notion de genre littéraire sous-entend un ensemble de codes qui modulent à la fois l’horizon d’attente d’un genre donné ainsi que ses modes de lecture, de telle sorte que tout franchissement des limites instaurées par ces codes contient la possibilité d’une nouvelle «carte» des genres.
Évidemment, les mélanges littéraires ne datent pas d’hier, que l’on pense aux comédies en cinq actes et en alexandrin du dix-septième siècle, au mariage du roman et des mémoires au dix-huitième, à l’avènement du roman d’aventures phagocytant les autres genres de la littérature d’imagination au dix-neuvième, aux jeux de la prose et de la poésie au vingtième… Il semble cependant que la modernité, puis la «post-modernité» aient favorisé davantage la transgression des frontières génériques. La liste des oeuvres «multigénériques» est nombreuse et leurs formes multiples: roman policier anticipatif, roman d’énigme dans un monde exotique, roman d’énigme fantastique, etc. Il est désormais acquis qu’un genre est variable, change avec le temps. Pour Tzvetan Todorov, «toute oeuvre modifie l’ensemble des possibles, chaque nouvel exemple change l’espèce» (Introduction à la littérature fantastique, 10). Richard Saint-Gelais va encore plus loin: pour lui, la compréhension du phénomène générique passe nécessairement par l’abandon d’une «conception essentialiste [l’espèce de Todorov] qui aboutirait à une hypostase des genres, en y voyant une matrice ou un ensemble de propriétés plutôt qu’un domaine de pratiques» (L’empire du pseudo: Modernités de la science-fiction, 13). Dans un tel contexte, quelles sont les nouvelles avenues pour les littératures de l’imaginaire? C’est à cette question que le dossier thématique Interstices: la richesse des frontières tente d’apporter des réponses.
1. On peut considérer avec Michel Freitag que l’une des particularités de la postmodernité est de dépasser l’opposition dialectique telle que pratiquée par la modernité. Freitag, Michel, L’oubli de la société. Pour une critique de la postmodernité, Québec, Les Presses de l’Université Laval, 2002.
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La greffe
Il est temps de sortir vos excroissances, protubérances et appendices de toute sorte car cette semaine nous parlons des greffes dans la culture pop.
En mythologie, la greffe était signe du divin. Nous discuterons des évocations de la greffe dans la science-fiction, le fantastique et le jeu vidéo pour ensuite voir comment elle nous est présentée aujourd’hui, maintenant que les miracles de la science se font de plus en plus nombreux.
Joignez-vous à nous, ça va prendre trois oreilles pour écouter tout notre beau contenu.
Nos chroniqueurs: Philippe St-Germain, Guillaume Couture et Myriam Daguzan Bernier
Animation: Jean-Michel Berthiaume
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Dennis O’Neil
La première édition d’une nouvelle série Portraits de bédéistes proposée par Mathieu Li-Goyette.
Cette semaine nous parlons du légendaire et influent Dennis O’Neil, de son travail chez DC et celui chez Marvel nous observons des fortes réflexions sur l’état du politique.
On passe aussi par Batman, Robin, de son travail d’éditeur et de sa valeur innombrable comme initiateur et guide d’une nouvelle vague.
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L’invisibilité dans la culture pop
Pour la 66e émission de Pop-en-stock, on parle d’un thème VISIBLEMENT omniprésent dans la culture: l’invisibilité.
Avec Philippe St-Germain, nous parlerons des époques, des genres, des enjeux éthiques associés (agir sans être vu, etc.), des applications au monde contemporain (caméras/écrans, anonymat, etc.). De Platon à Potter, vous n’en croirez pas vos oreilles ce qui échappe à nos yeux.
Vous êtes curieux? Allez lire le billet de Philippe St-Germain sur le blogue Les expériences de pensée du professeur S.
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Les sculpteurs de chair
En s’inspirant du qualificatif que réservait Gustave Le Rouge à son docteur Cornélius, on peut soutenir que les greffeurs sont régulièrement de véritables sculpteurs de chair, dans la littérature et au cinéma. Humaine ou animale, cette chair provient d’un corps considéré comme une marchandise, une matière première dans laquelle le chirurgien-artiste s’apprête à puiser afin d’engendrer de nouvelles créatures.
La greffe a une double nature. C’est une chirurgie que l’on ne pratique pas gratuitement puisqu’elle est censée vaincre un danger ou améliorer une situation; elle devrait donc conférer au greffé un état plus souhaitable et «normal». Elle traduit aussi une volonté de repousser les limites du savoir, ce qui peut amener son praticien à reconsidérer la nature telle qu’on l’envisage habituellement tout en soulevant d’importants enjeux éthiques. Tandis qu’on met surtout l’accent sur l’aspect restaurateur des greffes réelles (la médecine qui guérit, la chirurgie esthétique qui répare ou embellit, etc.), les greffes imaginaires comportent fréquemment une forte composante instauratrice, étant souvent effectuées par des chirurgiens correspondant à l’archétype du savant fou. Comme le montrent des personnages aussi célèbres que les docteurs Frankenstein et Moreau, entre autres exemples, il s’agit moins, alors, de régler un problème que de s’abandonner à l’enthousiasme d’inventer des créatures, qu’elles soient humaines ou hybrides. D’autres greffeurs et greffés sont apparus dans la littérature et au cinéma à partir du XXe siècle, leurs aventures évoluant selon les contextes et les genres (science-fiction hard, fantastique, gore, etc.).
Aussi fantastique puisse-t-elle paraitre, cette activité des sculpteurs de chair dans la fiction influence progressivement la perception de chirurgies bien réelles. Il est en effet de plus en plus difficile d’opposer sommairement les greffes imaginaires aux greffes effectives, ces dernières atteignant un niveau de complexité remarquable, à notre époque. À titre d’exemple, les tentatives visant à greffer une tête défraient couramment les manchettes; or, dans bien des articles évoquant ces développements, les chirurgiens sont comparés à Frankenstein et à Moreau, comme si la réalité rejoignait enfin la fiction.
C’est à l’étude de ces greffes imaginaires que se consacre le présent dossier. Une telle étude a le bonheur de nous plonger dans l’actualité tout en nous orientant vers des thèmes dotés d’une longue et riche histoire: les questionnements identitaires et métaphysiques côtoient des interrogations sur le corps, la science et la technologie, la psychologie et la médecine.
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«To Pop Or Not To Pop»: Les classiques «popifiés»
De tout temps, les adaptations (théâtrales puis cinématographiques, mais aussi bédéiques, etc.) ont joué sur la possibilité d’élargir le public des œuvres originales, transférant la légitimité institutionnelle de certains textes canoniques de la culture savante dans des productions populaires, fut-ce au moyen de transformations majeures en vue de satisfaire d’autres goûts (et autres habitus). Mais notre ère néobaroque, empreinte de réflexivité et de métamorphoses, connaît ce que Peter Brooker désigne comme «l’émergence d’une culture de l’adaptation plus intensément palimpsestique, ironique et autoréflexive», comme le prouvent des œuvres telles que le Dracula de Coppola (1992), le Romeo + Juliet de Baz Luhrmann (1996), le Mansfield Park de Patricia Rozema’s (1999) ou le Vanity Fair télévisuel de Andrew Daviess (1998). À cela s’ajoute désormais la pratique des «réimaginations» modernisantes (Easy A, 10 Things I Hate About You, Clueless Crime and Punishment in Suburbia,etc) ainsi que toutes les modalités d’expansion métapop que l’on connaît (séquelles, préquelles, reboots, visions alternatives, spin-offs), qui vont du Pride & Prejudice & Zombies de Seth Grahame-Smith (2009) à la cohorte de «mashups littéraires» qu’il a déversé sur les étaux virtuels d’Amazon.
Dans Film Adaptation and Its Discontents, Thomas Leitch proclame que la seule façon de sauver l’adaptation d’un «futur sombre et servile» est d’adopter une vision «scripturale» (“writerly”) et non plus servilement «lectrice» (“readerly”), les «textes ne restant vivants que dans la mesure où ils peuvent être réécrits». De l’acculturation passive (basée sur le respect béat de la canonisation traditionnelle), on passerait, dès lors, à un nouveau regard qui privilégie «l’engagement, l’analyse et le débat raisonné» (id). Ces belles paroles recouvrent, comme toujours dans les industries culturelles, une pratique bien plus pragmatique à l’œuvre: ouvrir des nouvelles niches de marché en visant des jeunes de moins en moins cultivés en humanités classiques, tout en gardant l’«appeal» pour des catégories plus âgées ou dotées de «capital culturel». Pour cela, selon la distinction bourdieusienne, force est de passer de la «distanciation esthétique» et du «formalisme impeccable» chers aux élites à la demande de participation et le «désir d’entrer dans le jeu» des classes populaires.
D’où les «guerres culturelles» autour de ces opérations. S’agit-il d’un pur abêtissement pour les masses des classiques en vue d’un «dumbing down» généralisé (que celui-ci soit vu comme la cause ou la conséquence du premier), comme aurait tendance à le prouver, par exemple, l’«harlequinisation» de Jane Austen? Peut-on, sous prétexte d’aggiornamento et de «coolification», allègrement affirmer qu’Austen écrivit le «Sex and the City de son temps»? Et qu’affirme-t-on véritablement par là? À trop vouloir manipuler les textes pour les rendre «séduisants» au public contemporain (notamment à travers les lectures politiquement correctes) ne risque-t-on pas de commettre le «péché entre tous irrémissibles» contre l’histoire, le «péché d’anachronisme» selon les termes de Lucien Febvre?
Plutôt que réactiver une nouvelle querelle des Anciens et des Modernes, nous nous attacherons ici à analyser les différentes voies de la «popification» des classiques, leurs modalités de transformation et le(s) sens profond de ce qu’il en advient.
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Du cut-up au sampling
Polyvalente, mutante et omniprésente, la pratique du sampling pourrait bien être l’emblème ultime de l’«ère néobaroque» définie par le sémiologue italien O. Calabrese dans son ouvrage homonyme de 1987, l’année même de fabrication du mythique E-mu SP-1200. L’auteur définissait alors la nouvelle iconosphère (mais on peut facilement étendre ces notions à la sonosphère) par une série de catégories esthétiques repartie autour de binômes complémentaires: la répétition et le rythme frénétique, l’excentricité et le risque, le détail et le fragment, l’instabilité et la métamorphose, le désordre et le chaos, le noeud et le labyrinthe, la complexité et la dissipation, le plus-ou-moins et le je-ne-sais-quoi et enfin la distorsion et la perversion. Ces binômes, se décomposant à la fois en une série de figures, semblent tous peu ou prou (à commencer par la Répétition déclinée selon Calabrese en variations organisées, polycentrisme et irrégularité réglée) caractériser la technique du sampling et l’esthétique qui en découle dans ses différentes manifestations, du hip-hop à la musique électronique en passant par quantité de styles.
Nous nous intéresserons ici à toutes les dimensions transmédiatiques du sampling, que ce soit dans ses ancêtres littéraires mêmes (notamment les «Cut-ups» de W. Burroughs et B. Gysin mais aussi la tradition des assemblages qui va de Lautreámont au Reality Hunger Manifesto de D. Shields), dans ses multiples incarnations plastiques (dans la lignée du collage, de l’appropriation et du détournement) ou, bien entendu, dans ses différentes expressions sonores, des tape loops de la musique concrète, minimaliste ou électroacoustique, voire du jazz fusion et du rock psychédélique à l’explosion des samples qui articule l’émergence du hip-hop et la prolifération de la musique électronique dans toutes ses constellations avant d’être diffusée dans l’ensemble de la sonosphère contemporaine, de la musique industrielle au indie rock voire la pop la plus mainstream.
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Écrire sous influence
Baudelaire, William S. Burroughs, Hunter S. Thompson, Denis Vanier: ils ont tous écrit sous l’influence de l’alcool ou des drogues. Selon plusieurs auteurs, pour décloisonner la pensée et soumettre l’esprit à des perspectives inattendues, la prise de stupéfiants est d’une redoutable efficacité. Regards sur la poétique de l’hallucinatoire.
«L’écriture des drogues, explique Antonio Dominguez Leiva, est à envisager dans le sillon du romantisme au 19e siècle, alors que se développe une écriture de l’hallucination, qui passe par la fiction, mais qui fait aussi l’objet de traités. On peut aussi analyser ce courant à la lumière de la “poétique du cauchemar”. Le roman Confessions d’un mangeur d’opium anglais, de Thomas Quincy, est emblématique de ces deux tendances.»
«Parfois, raconte Jean-Paul Daoust, je ne conserve que trois ou quatre lignes d’un texte écrit sous influence, car tout n’est pas utilisable dans un délire poétique écrit en état d’ivresse. Mais souvent, je conserve tout de même des traces de ces délires-là, car ils peuvent me servir de combustible pour des écrits futurs, me donnant du matériel d’exploration auquel je n’aurais pas osé penser sans l’aide des drogues.»
Shawn Cotton, qui a récemment fait paraître le recueil Jonquière LSD aux éditions de L’Écrou, explique qu’il est difficile de théoriser sur l’écriture des drogues, tant les drogues sont variées, et suggèrent des expériences de création diversifiées. Entre les stimulants et les hallucinogènes, il y a un monde. «Quoi qu’il en soit, dit-il, les drogues causent toujours une ouverture des portes de la perception.»
Retrouvez l’émission ici à «Plus on est de fous plus on lit» sur les ondes de ICI Radio-Canada Première et retrouvez le dossier «Écritures sous influence» de nos confrères de Salon Double ici.
