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  • «Dans une galaxie près de chez vous»

    «Dans une galaxie près de chez vous»

    Créé par Claude Legault et Pierre-Yves Bernard, Dans une galaxie près de chez vous est une série télévisée et de films de science-fiction humoristique québécoise devenue culte avec un immense fandom surnommé les « Duggies ». Très librement inspiré de Star Trek, avec des échos de Hitchhiker’s Guide to the Galaxy, Red Dwarf et Doctor Who, DUGPDCV se distingue par son humour engagé, ses jeux de mots et son absurdité. Pendant près de dix ans, de la première diffusion de la série en 1999 jusqu’au second film sorti en 2008, les spectateur·rices ont pu suivre l’équipage du Romano Fafard en quête d’une nouvelle planète pour les Terriens.

    Dans ce nouvel épisode du balado Pop-en-stock. Imaginaire et culture pop animé par Elaine Després et consacré à DUGPDCV, Megan Bedard, Audrey Boutin, Catherine Côté, Christine Hébert, André-Philippe Lapointe et Élisabeth Simpson discutent de crise climatique, colonialisme spatiale, communauté, science-fiction, culture québécoise et plus encore. Bonne écoute!

    Bio-bibliographie des participant·es

    Megan Bédard est doctorante en sémiologie à l’Université du Québec à Montréal. Elle a publié plusieurs essais sur la culture populaire dont Xénomorphe : alien et les mutations d’une franchise aux éditions De ta mère et est codirectrice de la collection « Cultures vives » chez Somme toute.

    Audrey Boutin est chroniqueuse chez URBANIA et co-animatrice d’Un peu de crime dans ton café, un balado consacré aux crimes et aux faits divers, depuis 2020.

    Catherine Côté est autrice de plusieurs romans policiers, dont Femmes de désordres publié aux éditions VLB, ainsi que co-animatrice du balado Un peu de crime dans ton café.

    Elaine Després est professeure associée et coordonnatrice au Centre Figura de l’Université du Québec à Montréal. Ses recherches portent sur les représentations imaginaires de la science, la science-fiction et les dystopies, autant en littérature qu’en séries télé.

    Grande fan de DUGPDCV, Christine Hébert est l’autrice de l’ouvrage Les Duggies et Internet. Étude d’une communauté virtuelle d’admirateurs publié aux Presses de l’Université Laval. Avec son blogue Porte épique, elle s’intéresse à la construction de mondes fictifs (“worldbuilding”).

    André-Philippe Lapointe est doctorant en études littéraires à l’Université du Québec à Montréal et s’intéresse aux représentations issues de la culture populaire. DUGPDCV est son objet culturel québécois préféré.

    Élisabeth Simpson est animatrice du balado féministe sur la culture populaire Les Amazones.

    Fiction télévisuelle et cinématographique à l’étude

    • Bernard, Pierre-Yves, et Claude Legault (création), Dans une galaxie près de chez vous, Canal Famille/Vrak.TV, 1999-2001, 4 saisons.
    • Bernard, Pierre-Yves, et Claude Legault (scénaristes), Dans une galaxie près de chez vous, Canada, 2004, 109min.
    • Bernard, Pierre-Yves, et Claude Legault (scénaristes), Dans une galaxie près de chez vous 2, Canada, 2008, 100min.

    Ouvrages et œuvres sur le corpus

    • Hébert, Christine, Les Duggies et Internet. Étude d’une communauté virtuelle d’admirateurs, Québec, Presses de l’Université Laval, coll. « Autour de l’événement », 2014.
    • Fournier, Étienne (réalisation), Dans une galaxie près de chez vous : 25 ans de mission, Crave, 2024, 1 saison.
  • L’écriture historienne et la médiagénie de la bande dessinée

    En France, de 1970 à 2010, le marché de l’édition en histoire, théoriquement investi en majorité par le public universitaire, a été plus que divisé par deux. Un tel constat est à la fois inattendu – puisque l’histoire se présentait comme le secteur le plus vaillant des sciences humaines et sociales – et surprenant – car l’histoire fut longtemps emblématique du succès de l’édition des sciences sociales (Barluet: 81-89). Paradoxalement, l’histoire n’a jamais été aussi visible, protéiforme, et polyglotte qu’aujourd’hui. Qu’elle soit l’objet d’une fiction, réappropriée par des vidéastes sur YouTube ou instrumentalisée par des politiques, force est de constater que celle-ci n’est pas souvent le fruit de l’historien, relativement peu présent et donc, peu visible dans l’espace public.

    C’est dans ce contexte, dès 2013, que naît au sein des éditions La Découverte et de La Revue Dessinée le projet d’une collection de bandes dessinées, l’Histoire dessinée de la France. Si l’initiative historienne de s’essayer à l’écriture dessinée n’est pas nouvelle – Victor Duruy, François Guizot, Henri Martin ou encore Ernest Lavisse ont proposé des livres d’histoire illustrés (Ory: 90-95; Venayre, 2021: 174-187; Lesage, 2019: 47-65) – l’ambition de cette nouvelle collection est de séduire un large public grâce à un projet de vulgarisation de grande ampleur, et d’expérimenter par l’image l’écriture historienne pour interroger la construction des imaginaires historiques. C’est cette écriture historienne confrontée à la médiagénie[1] de la bande dessinée que nous souhaitons analyser ici, pour montrer l’originalité de la démarche et les potentialités qu’elle offre. L’article qui suit n’a pas pour but d’être exhaustif mais de présenter quelques pistes de réflexion à partir d’une enquête en cours[2].

    Renouveler l’écriture visuelle de l’histoire

    Les historiens en ont conscience, les débats épistémologiques et historiographiques actuels nous confrontent à de multiples formes d’appropriation et d’écriture de l’histoire dans l’espace public. Celles-ci privilégient le plus souvent les médiums visuels et audiovisuels, et peuvent conditionner bon nombre de nos perceptions sur le passé.

    Toutefois, l’image n’a pas valeur de preuve, et la plupart des images représentant le passé découlent de différentes cultures visuelles. Leurs usages et leurs multiples itérations peuvent alors impacter l’imaginaire du regardeur, créant ainsi la visualité d’une période et participant à une écriture visuelle du temps. Tel est le constat des historiens, qui se dresse comme un point de rupture avec leur pratique de l’histoire et des images. Walter Benjamin ne s’y trompe pas:

    La véritable image du passé se faufile devant nous. Le passé peut seulement être retenu comme une image qui brille tel un éclair, pour ne plus jamais revenir, à l’instant précis où elle devient reconnaissable. (…) Car c’est une image irrattrapable du passé qui menace de disparaître avec chaque présent qui ne s’est pas reconnu comme désigné par elle. (Benjamin: 59).

    Du point de vue de l’historien, les images re-mettant en scène un passé qui n’est plus sont des sources pour appréhender les cultures visuelles du passé. Elles ne sont pas employées pour montrer l’histoire dans le cadre d’une économie générale de l’image-illustration. La «bonne» image doit être authentifiée en tant qu’image-document, et temporalisée – c’est-à-dire replacée dans son mouvement généalogique – pour faire apparaître sa lisibilité historique (Didi-Huberman, 2000: 13).

    Pourtant, quelques initiatives sont à noter, notamment l’appel d’Ivan Jablonka en 2014 à moderniser les sciences sociales en réconciliant recherche et création. Il invite à une expérimentation sur la forme pour renouveler les sciences sociales (Jablonka, 2014a: 278). Avec ce renouveau qu’il appelle de ses vœux, il encourage l’historien à s’essayer à l’histoire en bande dessinée dans un article dédié (Jablonka, 2014b). Conscient que les images dessinées possèdent un ressort narratif et mémoriel, il en reconnaît les possibilités pédagogiques. Ivan Jablonka présente une série d’initiatives «d’enquêtes en bande dessinée» (Jablonka, 2014b) aussi bien dans le roman graphique From Hell d’Eddie Campbell et Alan Moore, dont il loue l’appareil critique présenté en fin de volume, ou encore dans les œuvres de Tardi et Art Spiegelman s’inspirant du témoignage de leur père respectif pour mettre en scène l’histoire, avant d’ajouter:

    Un historien ou un sociologue qui voudrait incarner son raisonnement dans d’autres formes qu’un article de revue pourrait se rapprocher de ces dessinateurs-enquêteurs, ces chercheurs partis sur les traces de ce qu’ils ont perdu, de ce qui est méconnu ou de ce qui a sombré corps et biens. (…) Il en naîtrait une bande dessinée véritablement historique (ou sociologique, ou anthropologique), c’est-à-dire une enquête dessinée ou des sciences sociales graphiques. (Jablonka, 2014b)

    La conception de l’Histoire dessinée de la France découle directement d’une démarche engagée: répondre à la «nécessité de lutter contre l’instrumentalisation de l’histoire et le roman national » (Venayre, 2022) et ses multiples performances[3], tout en visant à «séduire le public dès le lycée» (Bartholeyns et Golsenne: 18).

    C’est dès 2013 que les éditions La Découverte (LD) et La Revue Dessinée (LRD) font part du projet à l’historien Sylvain Venayre et l’invitent à diriger la collection Histoire dessinée de la France, pensée comme une expérimentation épistémologique et une réponse aux partisans du roman national. Sylvain Venayre est tout indiqué car il vient de publier la même année Les origines de la France, quand les historiens racontaient la nation (2013). De plus, il a une certaine expérience de l’image et de la bande dessinée. Il a notamment participé à une édition illustrée et commentée d’Au cœur des ténèbres de Joseph Conrad en 2006, et a contribué à l’Art de la bande dessiné en 2012. La tâche n’est pas simple et l’originalité de la démarche représente un défi de taille. Un dispositif se met en place, fait de duos où un historien est invité à travailler avec un dessinateur professionnel de la bande dessinée.

    Le projet met une année à se concrétiser, puis Sylvain Venayre «découpe l’histoire en tranches» (Venayre, 2022), chacune d’entre elles faisant l’objet d’un volume. Pour concrétiser la collection Histoire dessinée de la France, les historiens sont contactés en fonction de leurs travaux, que les éditeurs leur proposent d’adapter en bande dessinée. Certains dessinateurs comme Étienne Davodeau et Jeff Pourquié sont contactés dans la continuité de leurs précédents travaux pour La Revue Dessinée (Davodeau et Pourquié, 2022). Sylvain Venayre exhorte alors historiens et dessinateurs à «ouvrir leur esprit» et à «faire preuve d’humilité» (Davodeau et Pourquié, 2022). Il déclare notamment: «Le défi était que nous demandions aux historiens de lâcher un peu de lest et de collaborer avec les dessinateurs à l’élaboration du récit pour apprendre, ensemble, à dessiner l’histoire» (Venayre, 2022).

    L’attention est portée sur la dynamique de la narration et sa pertinence, dans le but de renouveler l’écriture visuelle de l’histoire afin de transmettre non seulement des savoirs, mais leur intelligibilité: l’évolution des représentations du passé et des pratiques des sciences historiques.

    La balade nationale (Venayre et Davodeau, 2017)

    L’enquête gauloise (Brunaux et Nicoby, 2017)

    Pax Romana! (Pichon et Pourquié, 2018)

    Dispositif visuel et didactique: une écriture en images et sur les images

    La collaboration entre historiens et dessinateurs est fructueuse et le processus d’écriture est un véritable apprentissage pour tous, chacun ayant sa propre méthode de travail[4] et étant encouragé à prendre des initiatives (Venayre, 2022). Lors des premières réunions entre les éditeurs, chaque volume est d’abord pensé sur le modèle de La Revue Dessinée, soit un récit en bande dessinée d’environ une centaine de pages divisé en parties, chacune entrecoupée d’un texte explicatif complémentaire, d’une soixantaine de pages. Puis, à force d’expérimentation, la plupart des bédéistes privilégient le développement d’un récit long. À l’exception de L’enquête gauloise (Brunaux et Nicoby, 2017), chaque volume reporte l’appareillage (textuel) théorique et la critique à la fin.

    Déjà expérimenté dans la narration de la bande dessinée, l’historien Sylvain Venayre collabore avec le dessinateur Etienne Davodeau. Bien que le premier laisse le second effectuer le découpage complet, c’est ensemble qu’ils établissent le scénario. A contrario, la production du 3ème tome, Pax Romana! (Pichon et Pourquié, 2018) voit l’historien Blaise Pichon envoyer au dessinateur Jeff Pourquié «un texte plus ou moins long sur l’époque, le contexte et les croyances» (Pichon, 2022), à partir duquel il effectue lui-même «d’autres recherches historiques et iconographiques» (Pourquié, 2022). Ce dernier déclare notamment: «J’ai reçu un texte à mille lieux d’un scénario. (…) J’ai eu l’idée du Dieu Taranis, puis de mettre en scène Blaise; bref j’ai écrit le scénario» (Pourquié, 2022).

    Toutefois, bien que parfois déséquilibrés, les duos établis fonctionnent[5]. De plus, le travail n’est jamais strictement divisé et la production de chaque volume est le fruit de nombreux échanges au sein de chaque binôme et avec l’éditeur (Venayre, 2022). De nombreuses discussions ont notamment lieu à propos du découpage, de la narration, de l’esthétique. Celle-ci est rapidement établie comme «non réaliste» pour pallier les «contraintes» de représentations de l’histoire et du médium bande dessinée (Venayre, 2022). Comme le rappelle Sylvain Lesage, spécialiste de la bande dessinée qui encourage l’initiative:

    Contraint à la brièveté, l’historien élague, simplifie – c’est le cœur même de la vulgarisation historique. Pourtant, dans cet espace doublement contraint où il doit s’exprimer en images autant qu’en mots, il trouve aussi une liberté nouvelle par rapport aux contraintes de l’écriture académique classique, justement par la part qu’occupe l’image. (Lesage: 54)

    Les duos historien-dessinateur exploitent ainsi les ressources didactiques du dessin pour interroger les performances des images et inscrire celles-ci dans un discours sur leurs usages successifs.

    De ce fait, dans le tome 3, Pax Romana! le dessinateur Jeff Pourquié introduit l’historien Blaise Pichon en tant que personnage intégré au récit et le fait jouer avec des figurines très stylisées pour illustrer l’armée romaine et les raids alamans (Pichon et Pourquié, 2018: 87-90). Il souligne ainsi l’artificialité de la représentation (Pourquié, 2022).

    Pax Romana! (Pichon et Pourquié, 2018: 87)

    Pax Romana! (Pichon et Pourquié, 2018: 90)

    Le personnage Blaise Pichon, lors d’un voyage dans le temps, se retrouve également face au sanctuaire des Trois Gaules à Lugdunum (Lyon) qui, du point de vue du dessin, dénote complètement avec le reste et est représenté volontairement dans un style rudimentaire proche de l’esquisse (Pichon et Pourquié, 2018: 24). Jeff Pourquié fait alors référence à la seule source iconographique qui nous soit parvenue, une pièce de monnaie, que commente le personnage Blaise Pichon: «Tout ce qu’il reste du sanctuaire des Trois Gaules, c’est une représentation sur une pièce de monnaie (…) il y a bien eu des tentatives de restitutions. Dans ce genre-là… Mais était-ce vraiment comme ça?» (Pichon et Pourquié, 2018: 28).

    Pax Romana! (Pichon et Pourquié, 2018: 24)

    Pax Romana! (Pichon et Pourquié, 2018: 28)

    Le duo historien-dessinateur propose une écriture visuelle de l’histoire, critique envers les représentations partagées, où l’image est employée en tant que ressource didactique. C’est là un procédé commun à la majorité des volumes de la collection Histoire dessinée de la France. Il apparait dans le 1er tome, La balade nationale, dans lequel le personnage Jeanne d’Arc se regarde dans une glace et interroge sa propre représentation à travers une mise en abîme, «Tout de même… je ne ressemblais pas vraiment à ça» (Venayre et Davodeau, 2017: 9), tandis que Vercingétorix refuse tout simplement de se montrer, laissant le personnage Jules Michelet perplexe, et rappelant au passage que les représentations partagées du chef arverne lui prêtent les traits de Napoléon III (Venayre et Davodeau, 2017: 103). Le dispositif va parfois plus loin et met en scène directement les personnages, échangeant sur la manière dont les images peuvent conditionner notre perception du passé (Venayre et Davodeau, 2017: 33).

    Dans la collection Histoire dessinée de la France où, de par la nature du médium bande dessinée, la narration est figurative, l’écriture historienne présente un récit en images et sur les images.

    La balade nationale (Venayre et Davodeau, 2017: 9, 103 et 33)

    Bande dessinée et fiction de méthode

    Par ailleurs, dans le but de séduire un large public, et en accord avec le choix d’un dessin «non réaliste», l’humour est aussi souvent employé par les différents duos historien-dessinateur. «Ce n’était pas une exigence éditoriale, mais c’est le meilleur moyen de mettre de la distance» (Venayre, 2022). Une distance qui permet d’assoir une réflexivité de l’histoire sous la forme d’une fiction: pour chaque volume, des personnages parcourent des lieux, commentent des œuvres d’art, des représentations de l’histoire ou des événements historiques, le plus souvent avec humour.

    Pour le 1er tome, La balade nationale (Venayre et Davodeau, 2017), Sylvain Venayre développe notamment très vite l’idée d’un «tour de France» opéré par plusieurs personnages historiques catapultés dans notre présent:

    Je choisissais mes personnages. Théoricien de la résurrection du passé intégral, Michelet serait du voyage; il tiendrait notamment le rôle du professeur. Jeanne d’Arc, icône disputée de la patrie, et Molière, figure tutélaire de la langue française, pourraient être utiles au récit. Le général Dumas, père d’Alexandre, permettrait des développements sur la Révolution, le premier empire colonial et les regrettables débats liés à la couleur de peau. Marie Curie serait l’occasion de parler des étrangers devenus français et de leur place dans l’histoire. (Venayre, 2021: 180)

    Sylvain Venayre et Etienne Davodeau se rendent, le plus possible, dans les lieux qu’ils mettent en scène dans leur récit, afin de trouver l’inspiration. C’est à cette occasion qu’Etienne Davodeau propose l’idée d’intégrer le Maréchal Pétain à l’équipe:

    Je voulais un moteur au récit (…) c’est pourquoi les personnages déterrent le cercueil du maréchal Pétain sur l’île d’Yeu. Ça permet d’introduire des tensions et des dynamiques. (Davodeau, 2022)

    Ces mêmes dynamiques entre les personnages sont au service d’un «choc des époques» auquel le duo tenait particulièrement – ils échangeaient notamment sur la « pertinence et la qualité des blagues » – mais aussi, et surtout, d’une mise en récit de l’enquête historique et de la généalogie du questionnaire des historiens: «Nous voulions faire de l’historiographie en bande dessinée» (Davodeau, 2022).

    Un exemple pertinent concerne le 3e tome, Pax Romana! (Pichon et Pourquié, 2018) dans lequel le ressort fictionnel du voyage dans le temps permet un bref échange entre les deux personnages et historiens Blaise Pichon et Camille Jullian (1859-1933)[6].

    C. JULLIAN: «L’histoire doit être nationale sinon la France serait restée l’éternelle proie de l’impérialisme germanique!»

    B. PICHON: «Depuis un siècle, les historiens se sont efforcés d’écrire une histoire la plus objective possible, et de ne plus composer un «roman national» à finalité politique. Nous regardons donc autrement et sans passion irrationnelle, les populations des provinces romaines des Gaules!» (Pichon et Pourquié, 2018: 33)

    L’échange fonctionne comme un procédé narratif pour mettre en avant le débat historiographique sur la notion de « gallo-romain », l’évolution des sciences historiques et leurs fonctions sociales, y compris la lutte contre leurs instrumentalisations.

    Pax Romana! (Pichon et Pourquié, 2018: 32 – 33)

    On peut noter un ressort fictionnel similaire dans le 2e tome, L’enquête gauloise! (Brunaux et Nicoby, 2017). Cette fois, ce sont Poséidonios d’Apamée et Jules César – deux auteurs ayant rapporté leur voyage dans les Gaules à un demi-siècle d’écart – qui se rencontrent et expriment leurs désaccords sur les peuples des Gaules. Il ne s’agit plus seulement de personnages historiens qui débattent, mais d’une personnification des sources historiques elles-mêmes.

    L’enquête Gauloise, (Brunaux et Nicoby, 2017: 13, 31 et 37)

    Ainsi, les historiens et dessinateurs collaborent et tentent de renouveler l’écriture de l’histoire en bande dessinée, en mettant au point ce que nous pourrions appeler, à la manière d’Ivan Jablonka, des «fictions de méthode»:

    Constitutives du raisonnement, les fictions de méthode sont à la fois plus fictionnelles, plus conceptuelles et plus indispensables que l’imagination. Elles diffèrent de la fiction romanesque sur trois points: elles se présentent comme telles, c’est-à-dire qu’elles se dénoncent elles-mêmes; elles ne s’éloignent du réel que pour y retourner avec force; elles ne sont ni ludiques ni arbitraires, mais commandées par le raisonnement. (Jablonka 2014a: 196)

    Ces fictions de méthode ne sont pas mobilisées dans le cadre d’une reconfiguration mimétique plus ou moins libre de la réalité, mais pour leur potentialité cognitive. Elles servent à problématiser des hypothèses et invoquer des concepts. Activées au sein des sciences historiques graphiques, elles deviennent un mode de connaissance:

    Replacée au sein d’un raisonnement historique, fécondée au contact d’un problème, encadrée par une enquête, la fictionnalisation du monde devient un écart productif, une prise de distance qui a pour but de comprendre. Si les fictions de méthode contribuent à élargir les énoncés de vérité, on peut dire réciproquement que l’histoire est une forme de littérature qui, à l’aide d’une méthode, active la fiction pour produire de la connaissance. (Jablonka 2014a: 210)

    La fiction et les personnages sont invoqués comme procédé narratif et contribuent ainsi à une mise en récit et en image de l’historiographie, qui s’articule autour d’une personnification des chroniqueurs de l’histoire.

    Conclusion: ouvrir les yeux sur l’histoire

    Prenant acte du fait que la manière de faire de l’histoire, de l’écrire et de la raconter, conditionne un grand nombre de nos perceptions du passé, le projet éditorial de l’Histoire dessinée de la France se présente comme une réponse aux formes d’instrumentalisation de l’histoire. Il affiche ainsi une volonté d’éduquer à l’image et aux sources historiques le public le plus large possible, à travers une narration vulgarisatrice et légère. Ces quelques exemples donnent à penser les potentialités offertes par le langage scriptovisuel de la bande dessinée et la manière dont il peut être saisi par l’historien pour rendre visible l’histoire et inviter à «ouvrir les yeux» sur celle-ci. Comme le rappelle Georges Didi-Huberman:

    Ouvrir les yeux sur un événement historique, ce n’est pas plus saisir un aspect visible qui le résumerait comme un photogramme – still, frozen picture, comme on dirait en anglais – que choisir une signification qui le schématiserait une fois pour toutes. Ouvrir les yeux sur l’histoire, c’est commencer par temporaliser les images qui nous en restent. (Didi-Huberman, 2010: 27)

    Les contraintes de représentation et de véracité obligent alors les historiens à revoir leur questionnaire et, en collaboration avec les dessinateurs, à le convertir en outil. Ensemble, ils mobilisent des fictions de méthode, à partir desquelles ils mettent en récit une autre enquête – la question de l’écriture de l’histoire elle-même – pour interroger, par la bande dessinée, les lacunes des sources iconographiques et historiques. Les duos historien-dessinateur tentent ainsi de restituer la généalogie des images et leurs transformations, mais aussi l’évolution des sciences historiques et les interactions sociales qui en sont à la fois l’objet et l’enjeu.

    Notes

    [1] Pour reprendre le concept développé par Philippe Marion: «Toute forme de représentation implique une négociation avec la force d’inertie propre au système d’expression choisi. Cette opacité du matériau expressif constitue une contrainte pour que s’épanouisse la transparence relative de la représentation. (…) Le récit s’épanouit au diapason de l’interaction de la médiativité et de la narrativité. Mais il est des rencontres plus intenses que d’autres. Chaque projet narratif peut donc être considéré dans sa médiagénie» (Marion: 86).

    [2] Tout le matériel visuel (planches de Bandes Dessinées) est reproduit avec l’aimable permission des auteurs, à des fins de documentation et d’analyse

    [3] Pour reprendre le concept développé par Gil Bartholeyns et Thomas Golsenne: «Quant à la représentation, nous avons pris conscience, et il y a plusieurs raisons à cela, que les images ne se contentent pas de représenter passivement des faits, des idées, des personnes. Les images circulent, jouent, trompent, choquent, plaisent ou convainquent: en un mot elles “performent”» (Bartholeyns et Golsenne: 18).

    [4] Le Storyboard est par exemple quasi inexistant chez Étienne Davodeau, alors qu’il est très présent chez Jeff Pourquié.

    [5] Tous n’ont pas l’expérience de Sylvain Venayre en matière de bande dessinée qui, malgré cela, a laissé le dessinateur Étienne Davodeau se charger du découpage complet. On peut noter le 3e tome qui a connu une refonte conséquente et a vu son binôme remplacé par un autre (Venayre, 2022).

    [6] C’est Jeff Pourquié qui propose l’idée d’intégrer directement au récit Blaise Pichon, et de lui faire rencontrer Camille Jullian, un historien du début du 20ème siècle (Pichon et Pourquié, 2022).

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    Dans le cadre du festival Juste pour Rire, on a discuté avec Sandrine Galand pour jaser des enjeux populaires en humour et jouer à des jeux comme Jimmy Fallon.

    😀

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    Quelques mois avant de célébrer officiellement le 50e anniversaire des Monty Python (on n’était pas capable d’attendre!), c’est tout en silliness que Catherine Côté, André-Philippe Lapointe et vos animateurs Jean-Michel Berthiaume et Megan Bédard analysent ce monument de l’humour britannique (et mondial!). C’est en décortiquant les rouages de la folle machine de ceux qui ont fait le Flying Circus qu’on découvre l’intemporalité de leur œuvre.

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    Trey Stone et Matt Parker

    Cette semaine à l’émission on aborde les deux papes de l’irrévérence, duo d’auteurs connus massivement pour leur télésérie SOUTH PARK ainsi que la comédie musicale CANNIBAL! THE MUSICAL et BOOK OF MORMON. Vous aurez le plaisir d’entendre Élisabeth Simpson, Boris Nonveiller et Rachel Hyppolite analyser l’oeuvre ainsi que le message politique et sociologique de l’œuvre. Le tout animé par Jean-Michel Berthiaume.

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    «Rick and Morty»

    Rick and Morty, émission d’animation créée par Justin Roiland et Dan Harmon est un lieu de grands débats et de grandes exclamations. Suivez Megan Bedard, Maxime Robin, Roxanne Janeway, Boris Nonveiller, Élisabeth Simpson et Jean-Michel Berthiaume naviguer les mondes possibles et incompossibles de la série.

    PICKLE RIIIIIIICK!

  • Stratégies d’écriture humoristique et constructions d’identités dissidentes

    Stratégies d’écriture humoristique et constructions d’identités dissidentes

    Il y a une croyance tenace selon laquelle il existerait un «sens de l’humour», une essence de l’humour plus ou moins universelle, plus ou moins reconnaissable. Certaines personnes «posséderaient» ce sens, d’autres moins, ou pas du tout. Cette croyance est d’autant plus difficile à déconstruire qu’elle s’accompagne d’un impératif moral qui éteint bien des discussions: celui de rire de tout. Un impératif qui, comme le souligne Jérôme Cotte, est bien souvent «un appel à peine voilé à maintenir une tradition réactionnaire consistant à faire des gorges chaudes des plus faibles» (Cotte, 2015: 69).

    J’ai voulu mettre en valeur des humoristes d’un autre genre, qui privilégient des blagues libérées de stéréotypes et critiques des structures de pouvoir (patriarcat, suprémacisme blanc, nationalisme, etc.). Les trois humoristes que j’ai retenu.es sont Margaret Cho, Chelsea Peretti et Hari Kondabolu. À travers leurs stratégies d’écriture, ces humoristes stand-up parviennent à créer un espace de résistance et de transformation politiques. Voici un condensé de leurs approches et de leurs procédés originaux qui, bien qu’ayant été traités dans certains essais politiques, ne figurent pas dans les manuels sur l’humour et le stand-up.

    Politiser le quotidien

    La perspective de départ que partagent ces trois humoristes est celle de politiser le quotidien, c’est-à-dire de faire apparaître les fils souvent invisibles des systèmes de pouvoir qui façonnent nos interactions et nos mentalités. À travers une expérience personnelle ou une anecdote, les trois humoristes discutent de représentations, normes, privilèges et excuses qui participent à exclure et à discriminer des groupes sociaux de façon systémique. Le terme «repolitiser» décrirait peut-être de façon plus adéquate leur processus, car ce quotidien apparaît souvent dépolitisé en raison des structures sociales qui favorisent certaines formes d’ignorance, d’indifférence, de résignation et d’intériorisation de normes.

    Des menstruations au chocolat blanc en passant par le maquillage et les remarques badines, les trois humoristes font la démonstration suivant le principe que nul n’a besoin de s’appuyer sur une posture explicitement «revendicatrice» ou «à message» pour pratiquer un art féministe et émancipateur: il suffit de refuser de reproduire les systèmes d’oppression et de choisir de bâtir son œuvre avec d’autres outils et matériaux.

    Choisir ses cibles

    À cet égard, le premier choix des humoristes est celui du matériel: les cibles qui feront l’objet des rires. L’humour de Margaret Cho, Chelsea Peretti et Hari Kondabolu est rarement dirigé contre les personnes exclues: il s’oriente plutôt –pour reprendre l’expression de bell hooks– vers le système capitaliste patriarcal impérialiste suprémaciste blanc (George Yancy et bell hooks, 2015). Le refus des humoristes de reproduire ce système se déploie à travers des modes humoristiques différents, mais dont la visée est similaire.

    Ainsi, Margaret Cho privilégie un mode humoristique confessionnel qui se situe en majeure partie dans la valorisation des identités et des pratiques de groupes sociaux discriminés. Son humour s’ancre davantage dans la neutralisation des peurs et la consolidation des convictions. Chelsea Peretti occupe quant à elle un terrain un peu plus offensif: par son mode humoristique absurde, elle critique et ridiculise plusieurs mécanismes des systèmes d’oppression, mais offre rarement des pistes pour les subvertir ou les transgresser. Hari Kondabolu attaque quant à lui le cœur des systèmes d’oppression: par son humour d’observation méticuleux, il fait ressortir les ancrages sociohistoriques, les mécanismes et les impacts du patriarcat, de l’hétéronormativité et de la suprématie blanche. Son humour incite ainsi davantage à l’action en orientant le regard vers les cibles où frapper pour miner les systèmes d’oppression.

    Cette différence dans le choix des cibles et la radicalité de la critique se manifeste également dans le regard porté sur soi par les humoristes. Alors que Margaret Cho privilégie l’autodérision et parfois l’autodénigrement, Chelsea Peretti et Hari Kondabolu se dégagent nettement de ces formes de repli humoristique. Peretti fait ainsi suivre sa seule blague d’autodénigrement par un aparté où une jeune Chelsea Peretti lui donne un conseil éloquent: «Chelsea! You don’t have to do this. You don’t have to turn yourself into a punchline. You don’t have to turn all your feelings into jokes.»

    Mettre à niveau à l’aide de longues prémisses

    Comme ils offrent un regard nouveau sur des réalités normées et des perceptions intériorisées, les trois humoristes font face à des difficultés de compréhension chez l’auditoire. Comme le souligne l’humoriste Aamer Rahman à propos des numéros politiques: «Even if people know where you are coming from, if you’re talking about an idea that has got a few steps to it, in terms of building the bit, or building the idea, you have to pace it out so that people can get to the ending with you» (Stuart Goldsmith, 2016).

    Pour éviter les écueils d’incompréhension, les trois humoristes privilégient de longues prémisses dans leur écriture. Ces prémisses comprennent tout au plus quelques gags (parfois aucun) et ont pour fonction de partager les référents nécessaires à la compréhension du punchline. Le rythme de leur écriture humoristique se fait ainsi plus lent et diverge d’un certain impératif pour les humoristes stand-up de générer des rires à un rythme fréquent. Autrement dit, les humoristes s’offrent le droit –ou le luxe– de ne pas être drôles pendant un temps, ce qui représente en soi une position de résistance.

    Cette stratégie d’écriture leur permet de contourner une contrainte omniprésente en humour: celle de devoir construire un gag à partir de référents déjà acquis par l’ensemble de l’auditoire. Ne pas utiliser les plus grands dénominateurs communs apparaît pour plusieurs comme un pari risqué ou, au mieux, une performance réservée à une élite. Les trois humoristes vont ainsi à l’encontre du principe selon lequel «Si tu dois expliquer ta blague, c’est que tu l’as ratée» en révélant les éléments nécessaires à la compréhension du punchline. Les longues prémisses permettent de bonifier considérablement les référents que partage l’auditoire, c’est-à-dire bien souvent ceux des hommes blancs, cisgenres et hétérosexuels.

    Hari Kondabolu aborde ainsi la dépossession et la désidentification vécues par les esclaves africain.es-américain.es en évoquant un passage du roman Roots d’Alex Haley:

    For the rest of you who are like «this is interesting, hum»… There is a book/mini-series by Alex Haley called Roots. And in Roots, a slave, Kunta Kinte, is brought to America, and is told his name is Toby. And he refused to be called Toby, so he is whipped repeatedly.

    – Your name is Toby.

    – Kunta Kinte.

    Whip!

    – Toby.

    – Kunta Kinte.

    Whip!

    Cette anecdote romanesque n’a en elle-même rien de drôle. Kondabolu s’en sert plutôt pour contextualiser une autre blague: sa surprise à entendre une femme noire répéter –de façon joyeuse– la phrase «Your name is Toby» à un jeune bébé blanc dont elle semble être la gardienne. Kondabolu sous-entend que cette phrase anodine est une revanche historique de la femme noire sur l’esclavage: elle chercherait ainsi à désidentifier le prénom original du bébé blanc pour lui assigner celui de «Toby», un esclave noir.

    Kondabolu explicite par ce numéro le fait qu’une simple phrase entendue au quotidien a des échos et des significations différentes selon les cultures et les connaissances, et que conséquemment les sens de l’humour et la compréhension d’une blague ou d’une situation absurde sont modulés par ces cultures. Kondabolu rappelle de plus que le sens de l’humour n’est pas universel en soulignant, au tout début du passage cité («For the rest of you who are like ‘This is interesting, hum’»), l’absence de rires chez plusieurs personnes dans la salle. L’humoriste ne cherche pas à s’appuyer sur des référents supposés «universels» pour construire ses gags; il choisit plutôt d’expliquer les prémisses nécessaires à la compréhension de la blague et de critiquer la notion même d’universalité.

    Recadrer

    Une autre stratégie d’écriture largement utilisée est celle du recadrage. Associé bien souvent à l’humour d’observation, ce procédé repose sur la présentation d’une réalité sous une perspective nouvelle, perspective qui rend absurde ou inacceptable ce qui –dans l’ordre social– est légitime et n’est jamais remis en question. Ce procédé est particulier en ce qu’il mobilise peu ou pas d’effets humoristiques: l’humoriste énonce son propos sans punchline et laisse le choix à l’auditoire de rire aux endroits qu’il veut.

    Le pacte humoristique entre l’humoriste et l’auditoire est transformé: loin d’une formule setup-punchline «fermée» dans laquelle l’humoriste dicte le moment où l’auditoire doit rire, la stratégie du recadrage offre une formule plus «ouverte», qui donne à l’auditoire une certaine agentivité. Dans le numéro «2042 & The White Minority», consacré aux changements démographiques aux États-Unis, Kondabolu ne privilégie pas un modèle setup-punchline où le punchline serait suivi d’un silence indiquant le moment de rire. Il choisit plutôt de partager et de commenter –avec un rythme rapide et pratiquement sans silences appuyés– des réflexions entendues dans les médias. Différentes personnes dans le public réagissent alors par moments en riant ou avec des applaudissements approbateurs.

    Cinq «nouveaux» procédés humoristiques

    En plus de ces quatre approches dans leur travail d’écriture, les trois humoristes ont utilisé cinq procédés humoristiques qui ne figurent pas dans les répertoires usuels de procédés humoristiques. Ces cinq procédés, qui ont en commun une volonté de poursuivre un dialogue avec les personnes participant à reproduire les systèmes d’oppression, évitent ainsi les formes d’humour discriminatoires ainsi que les escalades d’injures et de moqueries.

    Le premier procédé est celui de la transposition inversée. Il s’agit d’un renversement de la transposition telle que définie par Luc Boily, enseignant à l’École nationale de l’humour. Plutôt que d’ajouter un élément étranger ou absurde à un environnement considéré «naturel», la transposition inversée souligne l’aliénation du quotidien en présentant l’environnement «naturel» comme absurde et l’élément étranger comme allant de soi.

    Ainsi, l’affirmation sexiste «Vous êtes une femme et vous faites de l’humour. C’est surprenant!» est présentée comme absurde par Chelsea Peretti. Kondabolu attaque ainsi de front l’une des accusations portées contre ses numéros d’humour sur les relations racisées:

    I get accused a lot about being OBSESSED with talking about race. People say:

    – You’re obsessed with talking about race, you’re obsessed with talking about race!

    Really, in America? I’m obsessed with talking about race in America? Do you know who disagrees? […] I think ANYBODY WHO IS A VICTIM OF RACISM EVERY SINGLE DAY in America…would agree that I’m not obsessed with talking about racism in America.

    Accusing me of being obsessed with talking about racism in America is like accusing me of being obsessed with swimming when I’m drowning.

    Cette accusation d’obsession, qui n’est pas sans rappeler les stratégies de discréditation à l’égard des féministes à travers l’excuse qu’elles sont trop sensibles, émotives, hystériques ou agressives, est pleinement revendiquée par Kondabolu. Dans cet extrait, Kondabolu utilise une transposition inversée pour souligner qu’il est tout à fait légitime d’être obsédé par les relations de pouvoir racisées aux États-Unis: c’est plutôt le contraire qui apparaîtrait aberrant. Kondabolu pousse plus loin la réappropriation de l’accusation d’«obsession» à travers son analogie. Celle-ci fait valoir de façon frappante que les questions raciales ne sont pas à aborder à l’occasion: elles s’imposent dans les discussions, au quotidien, y compris en humour. Kondabolu présente ainsi les relations racisées –et plus largement les relations de pouvoir– comme des enjeux dans lesquels tout le monde baigne. Ne pas discuter de ces enjeux équivaut à vivre dans un certain déni.

    Un second procédé est celui de la subjectivation. Ce procédé consiste à se désidentifier d’une identité restreinte dans laquelle nous sommes enfermé.es ou dans laquelle des groupes sociaux sont confinés. Ce procédé travaille l’aliénation de ce confinement en refusant d’abord l’identité imposée, puis en la remplaçant par d’autres identités. Margaret Cho combat par exemple la mésestime et la honte dans cette anecdote sur deux amis drag queens:

    – They call me “faggot”, they call me “sissy”. I said: “Oh yeah, you forgot I’m also a model and an actress, so FUCK YOU TOO”.

    Allan and Jeremy believed in themselves when nobody else did. And I found that… extraordinary. They were big stars to me.

    La subjectivation offre ainsi une résistance aux normes sociales, mais aussi une possibilité de les transgresser.

    Un troisième procédé est celui du retournement des stigmates. Contrairement à la subjectivation, le retournement des stigmates propose de revendiquer haut et fort non seulement des identités, mais également des insultes, des traits ou des qualificatifs péjoratifs utilisés pour discriminer structurellement des groupes sociaux. Chelsea Peretti souligne ainsi que les menstruations constituent un sujet tabou en stand-up, notamment en raison de l’humiliation genrée:

    It is weird being a female comedian ‘cause you do hear people talking shit all the time. Like [voix grave] “Fucking female comedians, dude, they fucking suck. All they do is talk about their fucking period, man. Fuck that shit. I have discerning taste”.

    Dans cette prémisse, Peretti met d’emblée de l’avant le statut aliéné de la femme humoriste. Cette aliénation a pour source les propos moralisateurs prononcés par des hommes, propos qu’elle se fait un plaisir de caricaturer par le biais d’une imitation. Peretti enchaîne ensuite en affirmant qu’elle a volontairement choisi de ne jamais parler de ses menstruations dans ses numéros pour ne pas conforter le préjugé selon lequel «les femmes parlent toujours de leurs menstruations». Elle souligne ainsi que les hommes dictent en partie les sujets que les femmes humoristes peuvent ou ne peuvent pas aborder. Peretti se réapproprie toutefois cette discrimination en évoquant un scénario où les humoristes masculins auraient des menstruations:

    But what annoys me is just on principle, because I GUARANTEE YOU, if guys got their period, all right? Like just make that jump.

    If guys got their period, there’s NO WAY a male comedian would be standing on stage right now bleeding out of his dick, okay?

    Just like bleeding, and he’s just like, [voix grave] “I’m not gonna talk about it. I’m not gonna do it. It would be déclassé. I don’t want to disrespect comedy like that. I said no.”

    You know? If guys got their period, 90% of stand-up comedy would just be people running around like, “I was bleeding out of my diiiiiiiiiiiick! What the fuck?! Drip, drop, drip, drop, drip, drop, drip, drop!”

    Si les hommes avaient des menstruations, le sujet ne serait plus tabou et honteux, mais omniprésent et source de fierté pour les hommes, qui en parleraient de façon abusive. Au final, Peretti procède à une prétérition, c’est-à-dire qu’elle dit qu’elle ne va pas aborder un sujet pour mieux attirer son attention sur lui.

    Le quatrième procédé est la confirmation ironique. Moins directe et plus subtile que le retournement de stigmates, cette stratégie d’écriture conduit l’humoriste à épouser une croyance problématique de façon totale, jusqu’à un point faisant ressortir son côté absurde. Chelsea Peretti, dont le mode humoristique prédominant est l’absurde, feint par exemple son appui à la condition de «femme au foyer».

    I’ll watch the “housewives” reality shows, um… just looking for a morsel of inspiration. I remember when those shows first started airing, like 18 years ago, I remember being like “Oh, my God. I forgot being a housewife was still an option for women”.

    I was like “Fuck, I should have done that!” I took a wrong turn. That is so awesome. Someone else works and then you do not work? Like, why did women ever stop doing that on any level? Why did we phase that out? Just out of dignity?

    I’m not trying to be rude. If any of you guys are housewives, “I’m sure it’s a lot of work” but, YOU SHOULD BE PAID A WAGE!

    La prémisse de Peretti dans cet extrait est que le modèle de femme au foyer valorisé par les téléréalités est rétrograde. L’exagération est ici utilisée pour faire valoir que ce modèle est tellement réactionnaire que Peretti avait oublié qu’il pouvait constituer une option. La confirmation ironique qu’elle utilise lui permet de formuler le préjugé selon lequel le travail ménager n’est pas un vrai travail et que les femmes devraient pratiquement s’estimer chanceuses de réaliser ce type de travail non rémunéré. Si le retournement des stigmates permet de désamorcer les insultes, la confirmation ironique a pour force de révéler les préjugés racistes, sexistes et homophobes.

    Le cinquième procédé est la maïeutique humoristique. Alors que la confirmation ironique se déploie davantage à partir des pensées intérieures partagées par l’humoriste, la maïeutique humoristique émerge d’un dialogue mis en scène. Le dialogue offre alors à l’humoriste l’occasion d’épouser –en simulant l’ignorance ou l’incompréhension– une croyance problématique jusqu’à un point d’incohérence ou de ridicule. Ce procédé est propice au mode humoristique d’observation. Hari Kondabolu se fait d’ailleurs le champion de ce procédé lorsqu’il discute de la représentation de Jésus avec un spectateur.

    – I don’t agree with you. I think Jesus was White.

    – That’s fine. You can believe whatever you want to believe. […] But the facts are the facts: both Jesus’ parents are from the Middle East, for all instances and purposes they were Brown. Two Brown people cannot create… a fucking Swedish tennis player. […]

    And I explained this to him. And he’s like:

    – Look, I’m not an idiot. […] I understand what you’re saying. But here’s the thing: Jesus’ mother Mary, she’s from the Middle East, she can be Brown; but his father, his father wasn’t Joseph, right, his father was God, and God as we all know… is White. […]

    And I said:

    – You do realize what you’re saying is absurd, right? Mixing Brown and White doesn’t create White. Any child… or racist can tell you that. I mean… that’s the way this country has historically worked. But let’s say I was to agree with you that somehow a Brown woman and a White man were able to create a White Jesus. I would only agree that Jesus Christ is White, if you agree that Barack Obama is as White as Jesus Christ.

    And after presenting this man with is own logic, I think it’s pretty fair to assume that this man was so racist… that he no longer believed in God.

    Mission accomplished.

    Ce long extrait est éloquent à plusieurs égards. Il ne contient, à l’exception d’une insulte envers l’homme («Any child… or racist can tell you that») et d’un rapprochement entre la figure occidentale de Jésus et la figure du joueur de tennis Bjorn Börg, aucun procédé humoristique: la blague réside plutôt dans la maïeutique humoristique, dans l’échange où la croyance du spectateur est explicitée, puis déconstruite. Alors que le postulat raciste sur lequel s’appuie la croyance de l’homme est considéré comme suffisamment offensant pour que Kondabolu quitte la pièce sans discuter, celui-ci choisit de poursuivre la conversation «parce qu’il souhaite connaître la fin de cette blague.» Kondabolu considère ainsi que les croyances racistes sont en elles-mêmes des absurdités qui méritent d’être écoutées pour être mieux déconstruites. Kondabolu applique ici la «Humane Humor Rule» d’Emily Toth en attaquant non pas une caractéristique que l’homme ne peut changer, mais une croyance qu’il peut transformer. La chute de la blague est d’ailleurs que la croyance suprémaciste blanche de l’homme est si forte qu’elle le conduit non pas à transformer son racisme, mais à renier ses croyances religieuses. Le procédé de la maïeutique humoristique a ainsi le mérite de travailler les croyances racistes, sexistes et homophobes reconnues et légitimées par des justifications et des excuses.

    Comme le soulignait Nancy Walker il y a déjà plus de 25 ans, la tradition d’un humour féministe et émancipateur reste largement méconnue et a pour conséquence «the misconception that feminist humor is a recent phenomenon» (Nancy Walker, 1998). Les humoristes qui ont retenu mon intérêt viennent enrichir cette tradition. J’ai cherché, à travers ma recherche, à identifier et à rendre accessibles les principes et les stratégies d’écriture de leur démarche artistique.

    Nancy Walker remarquait, à la fin de son essai, que l’humour féministe avait fait ses plus belles percées au sein de deux modes d’expression: le stand-up et la bande dessinée. Peut-être la raison se trouve-t-elle dans les espaces communs créés par ces deux médias qui, étant propices au ton confessionnel et observationnel, cheminent du personnel vers le structurel, de l’individuel vers le collectif. S’appuyant sur des cas précis, leur réflexion humoristique suit la trajectoire d’un entonnoir inversé s’élargissant vers des réflexions politiques. Peu importe le mode dans lequel il est déployé, cet humour émancipateur gagnerait à être pratiqué, partagé et enseigné au Québec.

  • Drag et Drag Race

    Drag et Drag Race

    POP 145: DRAG ET DRAG RACE

    En prévision de la grande soirée de Drag Superstar dans le cadre de Fierté Montréal / Montréal Pride 2017, nous invitons les plus dévouées et intelligentes panelistes pour venir observer le phénomène incomparable qu’est la pratique du Drag. Sandrine Galand, Roxanne Janeway, Megan Bedard, Rachel Hyppolite et Maude Nepveu-Villeneuve parlent des idéaux de communauté, de liberté et la vocation artistique du Drag. WERK IT HONEY!

  • Femmes et humour

    Femmes et humour

    Alors que certains se demandent toujours si une femme peut vraiment faire rire, de plus en plus de femmes humoristes sont en train de prendre la parole (drôle) en Europe, au Québec et en Amérique du Nord.

    Sandrine Galand et Joyce Baker nous entretiennent sur les différents enjeux de l’humour au féminin, comme la réappropriation du corps par l’humour, l’ingouvernabilité des femmes qui font rire, ou le rire féminin comme outil de libération.

    Joanie Bérubé revient sur la controverse qui a éclaté lors du dévoilement du prochain festival Juste Pour Rire, alors qu’un gala 100% femmes était à l’honneur (malgré que les femmes sont un gender, pas un genre). Le tout animé avec des tites jokes par Hélène Laurin!

  • «9gag.com», société du spectacle et discours social

    «9gag.com», société du spectacle et discours social

    Une communauté est un «[g]roupe social ayant des caractères, des intérêts communs [ou encore l’]ensemble des habitants d’un même lieu, d’un même État1», ce qui implique alors une proximité physique entre les individus d’une même communauté une langue commune ainsi que des références culturelles communes. L’avènement des Réseaux et d’Internet dans les années 1990 engendre un nouveau type de communauté, ce qu’Howard Rheingold a identifié comme étant des «communautés virtuelles». Il les définit déjà en 1995 comme «des regroupements socioculturels qui émergent du réseau lorsqu’un nombre suffisant d’individus participent à ces discussions publiques pendant assez de temps en y mettant suffisamment de cœur pour que des réseaux de relations humaines se tissent au sein du cyberespace2.» Cette tendance se développe d’abord avec les forums, puis les blogues et se poursuit avec la multiplication des réseaux sociaux dans les années 2000, dont Facebook et Twitter en sont les plus notables exemples aujourd’hui, pour enfin inclure les communautés de partage de produits audiovisuels comme YouTube ou encore 9gag.com, plateforme de partage de «mèmes Internet».

    Ce dernier exemple de communauté virtuelle, par sa forme, son contenu ainsi que par la forme de son contenu, le mème, problématise les échanges socioculturels tels qu’Howard Rheingold les pensait en 1995: «L’idée d’un réseau de communication mondial conçu et contrôlé par les citoyens participe d’une utopie technologique qu’on pourrait appeler “l’agora électronique”. Dans l’Athènes de la première démocratie, l’agora était […] l’endroit où les citoyens se réunissaient pour discuter; se mesurer; se disputer; échanger des potins; débattre de leurs idées politiques3.» Or, 9gag.com semble au contraire être une plateforme fondamentalement aliénante, par sa forme et son contenu, tout en étant, par son organisation, essentiellement démocratique. Après avoir défini ce qu’est la mémétique et exposé le fonctionnement du site web 9gag.com, nous verrons, en prenant comme point d’appui la théorie de Guy Debord sur La société du spectacle ainsi que sur de l’étude du discours social de Marc Angenot, comment la critique de la culture populaire peut s’appliquer à notre sujet d’étude.

    Définition et organisation: mémétique et communauté virtuelle

    Nous commencerons d’abord par comprendre comment, aux origines des communautés virtuelles telles qu’elles sont décrites par Howard Rheingold dès 1995, les Réseaux sont d’abord des «lieux» d’échanges. Il écrit que «[l]es forums électroniques naquirent, de manière inattendue, parce qu’ils permettaient d’utiliser les possibilités de communication des réseaux pour établir des relations de type social sans contraintes de temps et d’espace3.» Or, ces «relations» sont essentiellement virtuelles puisque les échanges ne sont pas physiques, mais purement «intellectuels». Howard Rheingold fait mention de ses expériences personnelles sur des réseaux comme Well («Whole Earth ‘Lectronic Link, service électronique de la Terre entière3») dès 1985 où il arrivait fréquemment que les membres d’une même communauté virtuelle se rencontrent dans le monde physique. Il explique alors que «[p]ar-delà l’aspect abstrait des rapports télématiques, cette question de communauté est fondamentale. Certains observateurs, comme Bellah (Habits of the Heart, The Good Society), ont noté ce besoin -face à la perte du sens de la chose commune en Amérique- de redonner un sens à la notion de communauté3.» Si nous considérons alors que 9gag.com est une communauté virtuelle, c’est essentiellement parce que le fonctionnement de cette plateforme est basé sur l’idée d’échange, à la fois par l’échange d’images que sont les mèmes Internet et par l’échange d’opinion dans la section des commentaires. Les utilisateurs sont alors partie intégrante de cette communauté d’une façon virtuelle, mais aussi par l’essence même de son contenu qu’est le mème.

    Dans Les Communautés virtuelles, l’auteur rappelle que

    [m]ême si les métaphores spatiales sont plus susceptibles de véhiculer ce concept de “lieu” partagé par les communautés virtuelles, c’est souvent la métaphore biologique qui est plus adéquate pour marquer la manière dont la cyberculture évolue. On peut voir le cyberespace comme une espèce de bouillon de culture social, le Réseau étant le milieu nourricier de cette culture et les communautés virtuelles, dans toute leur diversité, les colonies de micro-organismes qui s’y développent3.

    Cette définition organique du cyberespace se rapproche de la définition du mème, puisque le «mot “mémétique” est construit sur le modèle du mot “génétique”, en utilisant le radical “mème” proposé par Dawkins, lui-même inspiré de “gène”, du grec mimesis (imitation) et du français “même” pour représenter l’idée d’un code culturel élémentaire reproductible et imitable4.» Le mème dans la communauté virtuelle 9gag.com devient alors un élément organique contagieux qui se transforme, qui évolue par les échanges puisqu’il est

    un morceau d’information, stocké temporairement dans le cerveau humain, qui influence le comportement (pensée, parole, ou action) et se transmet d’une personne à une autre par imitation (imitation est ici prise au sens large, c’est-à-dire consciente ou non, voulue ou non, immédiate ou différée). (Définition formulée par P.Jouxtel d’après les travaux du Dr S. Blackmore.)5

    La manifestation du mème Internet sur 9gag.com possède son propre corpus «d’informations», son propre corpus d’image à imiter. Le «processus mémétique» se produit essentiellement par le partage certes, mais aussi par l’accumulation de ces mèmes, leur répétition compulsive qui produit ce «stockage temporaire» dans le cerveau. Le site web knowyourmeme.com y recense tous les mèmes Internet et constitue ainsi une base de données qui se définit elle-même comme

    a site that researches and documents Internet memes and viral phenomena. […] Much like wikis, any registered user can submit a meme or viral phenomena for research at knowyourmeme.com. Other users and staff researchers can contribute to the research of the topic and discussion about a meme. The research staff then confirms the meme or invalidates the meme by putting it in the “Deadpool6.”

    On y mentionne notamment que les «Internet memes have risen in popularity with the rise of Internet Culture as more and more people identify with and participate on the Web as their primary method of expression and content consumption3.» Cependant, il est important de différencier le mème Internet («piece of content or an idea that’s passed from person to person, changing and evolving along the way3.») de ce qui peut être qualifié de «viral»: «A piece of content that is passed from person to person, but does not evolve or change during the transmission process3».

    Donc, l’utilisation d’un corpus de base comprenant par exemple les rage faces (catalogue d’images représentants différentes émotions) afin de créer les rage comics ou encore des structures d’images qui encadrent une idée en imposant sa syntaxe composent le type de mèmes que l’on partage sur 9gag.com.

    9gag.com et la société du spectacle

    Lorsque Guy Debord publie La Société du spectacle en 1967, il écrit sur la société qu’il connait, celle qu’il a vu se former dans les années 1950-1960, ce qui implique évidemment qu’il n’y avait pas alors de réseaux sociaux ni Internet. Or, certains passages de son ouvrage semblent bien décrire le phénomène 9gag.com. Guy Debord écrit d’abord que «[l]e spectacle n’est pas un ensemble d’images, mais un rapport social entre des personnes, médiatisé par des images7.» Cet extrait peut rappeler au lecteur d’aujourd’hui (plus de 40 ans après!) les nouveaux rapports humains virtuels qu’on peut entretenir avec des sites web comme Facebook et, évidemment, 9gag.com dans lesquels la vie est «médiatisée par des images», où les nouvelles communautés virtuelles ne communiquent majoritairement que par ces «images» que sont les mèmes: c’est par cette syntaxe qui s’impose à l’esprit que l’on exprime le réel. Dans le même ordre d’idée, Guy Debord ajoute que «[t]oute la vie des sociétés dans lesquelles règnent les conditions modernes de production s’annonce comme une immense accumulation de spectacles. Tout ce qui était directement vécu s’est éloigné dans une représentation8.» Le phénomène semble s’être amplifié avec l’avènement d’Internet puisqu’avec la création d’un monde interactif virtuel, celui-ci acquiert une plus grande complexité que la télévision et le cinéma avec lesquels le spectateur entretient un rapport essentiellement passif. Or, dans ce monde interactif virtuel, les répétitions sont exponentielles puisqu’il y a accumulation des représentations du réel. La nouvelle réalité devient alors virtuelle (et ainsi, plus «complète», d’une certaine façon, parce que figée dans le temps); Guy Debord écrit sur la réalité que

    là où le monde réel se change en simples images, les simples images deviennent des êtres réels, et les motivations efficientes d’un comportement hypnotique. Le spectacle, comme tendance à faire voir par différentes médiations spécialisées le monde qui n’est plus directement saisissable, trouve normalement dans la vue le sens humain privilégié qui fut à d’autres époques le toucher; le sens le plus abstrait, et le plus mystifiable, correspond à l’abstraction généralisée de la société actuelle9.

    Nous pouvons actualiser ses propos en mentionnant alors que ce n’est plus simplement une «abstraction généralisée», mais bien une «virtualisation» généralisée de la société, puisque le réseau Internet se conçoit alors comme un univers parallèle de la réalité physique, où se forment des communautés qui se regroupent autour d’échanges particuliers.

    La plateforme 9gag.com et les mèmes Internet qu’on y partage peuvent se rapporter à cet extrait de La Société du spectacle dans lequel Guy Debord écrit que «[l]e spectacle moderne exprime au contraire ce que la société peut faire, mais dans cette expression le permis s’oppose absolument au possible. Le spectacle est la conservation de l’inconscience dans le changement pratique des conditions d’existence. Il est son propre produit, et c’est lui-même qui a posé ses règles: c’est un pseudo-sacré10.» Dans ce que nous avons identifié comme la «syntaxe imposée par le mème», nous pouvons y voir cette «permission» s’opposant au «possible». Sur 9gag.com, si l’on veut entrer dans la logique du mème, il faut alors imiter ce qui a été fait et ce qui continue à être publié. Ainsi, le culte du corpus initial devient une religion, fondamentalement aliénante par sa répétition tout comme par les restrictions syntaxiques qu’elle impose11. La mauvaise utilisation du corpus est alors rejetée par le processus démocratique de la plateforme, tout comme la mauvaise utilisation d’un culte religieux puisque sur 9gag.com, la publication des mèmes Internet se divise en trois «pages» distinctes. Dans la première «page», la vote page, se retrouvent toutes les publications, quelque soit leur contenu, des mèmes Internet aux photographies de chats et chiens ou encore des recueils imagés de citations diverses (vraies ou fausses), paysages impressionnants, etc.12

    Les utilisateurs votent pour faire accéder ces publications à la «page» suivante qui est la trending page dans laquelle s’opère un processus de sélection semblable, par vote, qui amènera les publications choisies à la hot page. Ce processus démocratique, basé sur le vote populaire de la communauté, reste tout de même hiérarchisant, recréant de nouvelles sortes de «classes sociales» basées sur le goût populaire des utilisateurs.

    Guy Debord écrit: «Dans le spectacle, une partie du monde se représente devant le monde, et lui est supérieure. Le spectacle n’est que le langage commun de cette séparation. Ce qui relie les spectateurs n’est qu’un rapport irréversible au centre même qui maintient leur isolement. Le spectacle réunit le séparé, mais il le réunit en tant que séparé13.» Sur la plateforme 9gag.com, il semble y avoir une double séparation dont la première est, comme nous l’avons dit, une division hiérarchique des publications et la deuxième est, comme le dit Guy Debord, la division entre ceux qui publient et ceux qui regardent. Or, cette séparation est problématique sur 9gag.com puisque ce n’est plus comme à l’époque de La Société du spectacle où ceux qui produisent ne sont pas les consommateurs de leurs produits: la plateforme interactive transforme les producteurs en spectateurs tout comme la production que sont les mèmes, de par leur essence, transforment les spectateurs en producteurs. Howard Rheingold écrit déjà en 1995 qu’«[à] observer une communauté virtuelle donnée, son évolution, on éprouve l’excitation intellectuelle que peut procurer une recherche anthropologique en chambre ainsi qu’un certain sentiment de voyeurisme; on a un peu l’impression de regarder un feuilleton américain pour lequel il n’y aurait pas de séparation nette entre les acteurs et les spectateurs14.» La communauté virtuelle n’est donc peut-être pas seulement qu’une «société du spectacle» comme le définit Guy Debord, mais quelque chose d’un peut plus complexe de par son statut interactif et virtuel.

    9gag.com: une manifestation du discours social

    La théorie développée par Marc Angenot dans son étude sur ce qu’il appelle le «discours social» semble s’appliquer à la communauté que forment les utilisateurs de 9gag.com. Beaucoup plus que de simples spectateurs, ceux-ci sont, comme nous l’avons dit, aussi les producteurs des publications de ce site. Les échanges qui y ont lieu sont alors discours sur la société. Même si, comme le dit Guy Debord, il ne s’agit que de la représentation du réel, la traduction imposée par le cadre du mème est tout aussi révélatrice que son contenu. Nous pourrions alors appliquer cette vaste théorie à la plateforme 9gag.com à partir de trois points. Dans un premier temps, nous verrons que la définition que Marc Angenot fait du discours social s’apparente au mode de fonctionnement du mème Internet et de 9gag.com pour ensuite voir comment la publication de mèmes, par la façon dont elle est partagée par la communauté virtuelle, est révélatrice de certaines idéologies. Enfin, il nous faudra définir comment le mème Internet, par sa forme, son contenu et son mode de publication en communauté, est aliénant. Évidemment, le corpus de Marc Angenot est immensément vaste et nous n’avons pas ici l’ambition d’en faire autant, bien qu’il soit possible de faire des rapprochements afin de mieux comprendre l’importance de 9gag.com et des mèmes Internet.

    Marc Angenot explique dans Théorie du discours social qu’elle est sa démarche pour dégager d’un certain corpus ce qu’il nomme le discours social: il tente alors de «prendre “à bras le corps” […] l’énorme masse discordante des langages qui viennent à l’oreille de l’homme-en-société, voir si une figure quelconque se dégage de leur amoncellement et reconquérir ainsi une perspective totalisatrice15.» La plateforme 9gag.com, par son statut de communauté virtuelle, rassemble déjà un corpus certes beaucoup plus restreint que celui de Marc Angenot, mais qui est essentiellement «totalisant». Le discours est unifié de lui-même par le contenu de la plateforme que sont les mèmes. Bien qu’il ne reflète pas le discours social d’une société donnée, comme Marc Angenot le fait avec le corpus francophone de 1889, 9gag.com expose le discours social d’une communauté virtuelle qui n’est pas rassemblée autour d’intérêts communs, mais bien autour d’une culture populaire commune16 dont l’iconographie sert au renouvellement des mèmes. Tout en continuant à expliquer sa démarche pour l’étude du discours social, Marc Angenot précise qu’il a «cherché à faire voir les contraintes et les entropies, non pour décrire un système statique, mais une hégémonie, ensemble complexe de règles prescriptives de diversification des dicibles et de cohésion, de coalescence, d’intégration. [Il retient] toutefois de Bakhtine l’idée d’une interaction généralisée, d’une interdiscursivité globale8.» L’interaction dans une communauté réduite comme 9gag.com est beaucoup plus évidente que dans un corpus comme celui de l’année 1889. De plus, la notion de mème de par sa nature implique nécessairement cette «interdiscursivité globale». Marc Angenot écrit: «ils ne se suffisent pas à eux-mêmes, ils sont les reflets les uns des autres, ils sont pleins d’échos et de rappels, pénétrés des visions du monde, tendances et théories de l’époque8.» Le partage de mèmes fait alors cette opération de liaison entre les publications puisqu’en plus de s’imiter les uns les autres, il arrive souvent que les mèmes reprennent des publications telles quelles pour y faire un ajout, par exemple.

    Pour Marc Angenot,

    l’effet de “masse synchronique” du discours social surdétermine la lisibilité (le mode de lecture) des textes particuliers qui forment cette masse. À la lecture d’un texte donné, se surimposent vaguement d’autres textes occupant le même espace, par un phénomène analogue à celui de la rémanence rétinienne. Cette surimposition s’appelle dans les discours sociaux et antiques allégorèse (notion reprise jadis par Paul Zumthor) -rabattement centripète des textes du réseau sur un texte-tuteur, un corpus fétichisé17.

    Si avec Guy Debord nous avions un culte du corpus de référence, ici il s’agit d’une fétichisation. La notion d’allégorèse s’applique d’une certaine façon à la notion de mème, puisque dans ce dernier, comme nous l’avons dit précédemment, le message, le discours est filtré non pas par un «texte-tuteur», mais bien une «image-tutrice» qui lui donne sa forme syntaxique. La production de mèmes Internet devient donc un exercice de composition sous la contrainte alors qu’en même temps, sa lecture au sein d’une communauté crée cet effet de «masse» qui se lie comme un tout hégémonique. Selon Marc Angenot,

    le concept d’hégémonie, compris comme la résultante synergique d’un ensemble de mécanismes unificateurs et régulateurs qui assurent à la fois la division du travail discursif et l’homogénéisation des rhétoriques, des topiques et des doxaï. Ces mécanismes procurent à ce qui se dit et s’écrit des quanta d’acceptabilité, ils stratifient des degrés de légitimité. L’hégémonie se compose des règles canoniques des genres et des discours […] des formes acceptables […] de la cognition discursive; d’un répertoire de thèmes qui “s’imposent” à tous les esprits […], de telle sorte que leur traitement ouvre le champ de débats et de dissensions, eux-mêmes réglés par des contraintes de forme et de contenu18.

    De cette longue citation ressort la définition du mème Internet tel qu’il apparaît sur 9gag.com: le mème qui se construit à partir d’un corpus référentiel «homogénéisant» le discours par des «contraintes de forme et de contenu», qui «s’imposent» à l’esprit, puisqu’on les imite et qui, enfin, «stratifie les degrés de légitimité» par le processus de sélection démocratique hiérarchisant (tout ce qui s’éloigne trop d’une utilisation conventionnelle du mème est rejeté). Nous pouvons donc affirmer que la plateforme web 9gag.com étant essentiellement hégémonique peut être une manifestation du discours social, ce qui implique qu’il y a, à travers ses thèmes récurrents, la présence de certaines idéologies (comme le dit Bakhtine: «Tout ce qui s’analyse comme signe, langage et discours est idéologique19») telles que la misogynie20 ou l’homophobie. Ce type de discours nous ramène toujours, malgré le fait qu’il s’agisse d’une communauté internationale, à une certaine forme d’ethnocentrisme de l’homme blanc hétérosexuel, majoritairement américain (puisque la langue d’usage est l’anglais américain).

    Aliénation: 9gag.com et le mème

    Ce qui nous amène à essayer de voir comment le mème Internet et sa publication sur 9gag.com est un élément de la culture populaire essentiellement aliénant. D’abord, comme nous venons de le voir, certaines idéologies se cachent derrière les mèmes sur 9gag.com et comme Marc Angenot l’écrit: «À celui qui reste immergé dans les discours de son époque, les arbres cachent la forêt21.» Donc, la répétition des mèmes et surtout, le fait que cette idéologie se cache derrière une certaine normalité de la rigolade, permettent conséquemment la répétition de comportements misogynes ou homophobes pour ne nommer que ceux-là. Angenot précise notamment que «[l]’approche socio-discursive qu[‘il] prône a pour axiome […] de ne pas dissocier le “contenu” de la “forme”, ce qui se dit et la manière de le dire. Le discours social en tout temps unit des “idées” et des “façons de parler”, de sorte qu’il suffit souvent de s’abandonner à une phraséologie pour se laisser absorber par l’idéologique qui lui est immanente22.» Pour imiter sa démarche, nous verrons aussi que la forme du mème, tout comme son contenu, est en elle-même aliénante d’une part par l’imposition d’une syntaxe et d’un corpus d’image qui balisent le contenu et d’autre part, par la répétition et l’accumulation.

    Nous pouvons comparer la forme visuelle et narrative du mème Internet à ce que Marc Angenot nomme comme étant la gnoséologie:

    Si tout acte de discours est aussi nécessairement acte de connaissance, il faut poursuivre au-delà d’un répertoire topique pour aborder la gnoséologie, c’est-à-dire, un ensemble de règles fondamentales qui décident de la fonction cognitive des discours, qui modèlent les discours comme opérations cognitives. […] Cette gnoséologie correspond aux manières dont le “monde” peut être schématisé sur un support langagier23.

    Or, le problème c’est que «[l]e langage serait, par nature, “totalitaire”, l’imposition des dicibles sous l’apparence trompeuse de la “liberté de penser” ne produirait que de la servitude plus ou moins volontaire; elle mettrait dans la bouche des individus les mots par lesquels ceux-ci croient échapper à leur conditionnement24.» Dans le cas des mèmes Internet, nous avons affaire à un corpus langagier préexistant à l’idée, ce qui est beaucoup plus totalitaire que le langage en général: il s’agirait là d’une illusion de la liberté puisqu’à l’endroit où les individus peuvent avoir le droit de parole, au sein de leur communauté virtuelle, ils ne font que répéter (volontairement?) ce que les autres ont dit avant eux. On n’y cherche plus à être contre la doxa, mais au contraire, à aller le plus possible en son sens afin d’atteindre la hot page, la «classe» la plus distinguée de la plateforme 9gag.com. Marc Angenot écrit que «la censure n’est pas seulement prohibition, mais surtout compulsion, contrainte à parler selon la doxa: la langue “est tout simplement fasciste; car le fascisme, ce n’est pas d’empêcher de dire, c’est d’obliger à dire”24.» Le mème Internet et toute l’organisation de 9gag.com parleraient alors une langue essentiellement «fasciste».

    Enfin, la définition donnée en 2001 par Jean-Paul Basquiat et Christophe Jacquemin résume bien toute cette étude:

    Les mèmes sont des unités réplicatives et mutantes se développant sur le mode darwinien dans les réseaux constitués par les cerveaux des hommes et par les divers médias, traditionnels (parole, écrit) ou modernes (radio, TV, Internet) les reliant. Les mèmes apparaissent, se reproduisent et se diversifient là où ils trouvent l’opportunité d’acquérir de nouveaux espaces de vie et de nouvelles sources d’énergie. Leur action est déterminante dans la formation des opinions humaines et, consécutivement, dans les comportements individuels et collectifs se traduisant finalement par des structurations sociales plus ou moins lourdes, générant à leur tour de nouveaux mèmes. Dans cette optique, évidemment discutable, ce ne sont plus les organismes et structures qui créent des mèmes, mais les mèmes qui créent les structures et les organismes. Les mèmes structurants émergent évidemment d’un terrain préexistant, mais celui-ci n’est pas différencié, pas organisé, et ce sont les mèmes qui lui donnent vie25.

    Si à partir des écrits de Guy Debord sur La Société du spectacle nous pouvons tirer comme conclusion partielle que le mème Internet et 9gag.com sont aliénants par leur statut de «spectacle» qui éloigne du réel au profit de la représentation, ils le sont aussi en tant que discours social d’une communauté autant par sa forme que par son contenu. Sous des aspects de démocratie et de liberté d’expression, la plateforme web 9gag.com semble au contraire totalitaire par sa forme et idéologique par son contenu. L’imitation, la répétition et l’accumulation sont tout autant des éléments qui renforcent la doxa et l’idéologie populaire qui, dans leur réitération, plongent le spectateur dans cette idéologie sans lui offrir apparemment la possibilité de prendre un recul critique.

    Or, survient un phénomène intéressant dans le fil incessant des mèmes publiés sur 9gag.com et il s’agit de publication au contenu autoréflexif, dans lesquels on commente, on réfléchit dans la mesure du possible sur cette communauté virtuelle. Les utilisateurs, producteurs et spectateurs, se servant de la plateforme comme d’une échappatoire, imaginaire ou simplement «procrastinatoire», tentent de réfléchir, en se servant de la contrainte des mèmes, entre autres sur leurs impacts dans le monde réel et sur l’utilisation qui peut être faite de la plateforme.

    Notes

    1. S/A, Le Petit Larousse illustré 2013, Paris, Larousse, 2013, p. 241.

    2. Rheingold, Howard, Les Communautés Virtuelles, [en ligne] URL: http://www.well.com/~hlr/texts/VCFRIntro.html, (page consultée le 15 avril 2013).

    3. a. b. c. d. e. f. g. h. Idem.

    4. Jouxtel, Pascal, Mémétique, tentative de définition par un méméticien, [En ligne] URL: http://www.memetique.org/2009/01/memetique-tentative-de-definition-par-un-memeticien/#more-336, page consultée le 15 avril 2013).

    5. Jouxtel, Pascal, Qu’appelle-t-on un mème, [En ligne] URL: http://www.memetique.org/2007/02/quappelle-t-on-un-meme/#more-76, (page consultée le 15 avril 2013).

    6. S/A, About Know your meme, [En ligne] URL: http://knowyourmeme.com/about, (page consultée le 15 avril 2013).

    7. Debord, Guy, La Société du spectacle, [En ligne] URL: http://classiques.uqac.ca/contemporains/debord_guy/societe_du_spectacle/societe_du_spectacle.pdf, (page consultée le 15 avril 2013), p. 10.

    8. a. b. c. Ibid., p. 10.

    9. Ibid., p. 15.

    10. Ibid., p. 18.

    11. Guy Debord écrit: «L’aliénation du spectateur au profit de l’objet contemplé (qui est le résultat de sa propre activité inconsciente) s’exprime ainsi: plus il contemple, moins il vit». (Ibid., p. 20) La plateforme provoque en effet, comme il est possible de le remarquer dans le discours autoréflexif qui se déploie à travers les mèmes, une dépendance compulsive tout comme le site web est utilisé comme objet servant à la procrastination, qui nous éloigne du travail.

    12. La plateforme étant essentiellement composée de mèmes Internet, il serait intéressant de voir comment la prolifération de photographies de chats, chiens et autres animaux tout comme ce corpus visuel de «paysages impressionnants» peuvent constituer des mèmes puisque leur répétition, même si elle ne se base pas sur un corpus d’image, est du même ordre: la répétition est présente dans le contenu et non dans la forme.

    13. Ibid., p. 20.

    14. Rheingold, op. cit.

    15. Angenot, Marc, Théorie du discours social: Notions de topographie des discours et de coupures cognitives, Montréal, Chaire James McGill d’étude du discours social de l’Université McGill, 2006, p. 9.

    16. Les références à la culture populaire ainsi qu’aux contenus viraux du web sont multiples et éphémères: les films présentement à l’affiche, les séries télévisuelles présentement diffusées ou encore des images d’événements télévisuels qui sont devenus viraux (souvenons-nous de la photographie de Beyoncé aux lendemains du Superbowl 2013) et qui disparaissent par la suite, alors que certains éléments référentiels deviennent eux aussi des mèmes Internet (des images tirées du film The Hobbit ou encore de Lord of the Ring en sont des exemples).

    17. Ibid., p. 11.

    18. Ibid., p. 13.

    19. Bakhtine cité par Angenot, op. cit., p. 18.

    20. Sans faire une analyse exhaustive de son contenu, nous pouvons noter la présence, par exemple par la répétition d’un sujet en particulier tel que l’idée du Friendzoning dans les Rage comics, d’une certaine misogynie. L’idée de la friendzone serait l’existence d’une zone dans l’amitié entre homme et femme où l’un (le plus souvent il s’agit d’un homme) des protagonistes a envie d’une relation amoureuse alors que l’autre (généralement la femme) ne désire qu’un ami. À travers le sujet apparemment insignifiant, relatant une situation quotidienne, nous pouvons y voir le présupposé masculin qui implique que la femme doit toujours dire «oui», créature qui doit se soumettre à la volonté du mâle dominant sous peine de se voir métamorphosée en un monstre sans cœur.

    21. Angenot, op. cit., 17.

    22. Ibid., p. 8.

    23. Ibid., p. 28.

    24. a. b. Ibid., p. 24.

    25. Jouxtel, Pascal, Qu’appelle-t-on un mème, op. cit.