« Tristan de Nanteuil est une chanson de geste anonyme en vers dodécasyllabes, écrite au début du XIVe siècle. Son contenu la rattache à la geste de Nanteuil, à son tour une branche du cycle de Doon de Mayence. » (Tristan de Nanteuil sur Wikipédia)
La chanson de geste est citée comme étant incontournable dans l’histoire de la figure de la sirène.
La figure de la sirène apparait dans maintes œuvres musicales de genres variés (opéra, classique, pop, etc.) depuis l’épopée de l’Odyssée (Delaveau, 2024). Ses représentations prennent de multiples formes : choeurs féminins incarnant les chants des sirènes, titres de pièces et de chansons, paroles, personnages de vidéoclips…
Voir aussi la fiche « Sirènes dans l’opéra ».
« Le diable est la figure la plus charismatique et la plus importante de la tradition blues. Il n’est pas seulement celui qui a donné son nom à ce genre musical (“la musique du diable”), mais aussi une présence ténébreuse qui hante un carrefour imaginaire du Mississippi où, selon la légende, le bluesman du Delta, Robert Johnson, aurait vendu son âme en échange d’une virtuosité extraordinaire à la guitare. Pourtant, comme le soutient l’universitaire et musicien Adam Gussow, l’histoire du diable et du blues est bien plus riche que ces clichés. »
Dans Beyond the Crossroads : The Devil and the Blues Traditions, Gussow examine les diverses manières dont les musiciens de blues du Sud ont interprété la figure du diable, « à la fois perturbatrice, destructrice d’amours et source d’inspiration », dans plus d’une centaine de chansons. (Gussow, 2017).
Dans les années 1950, l’avénement du rock’n’roll et sa rapide montée en popularité chez les adolescents et les jeunes adultes, soulèvent les critiques des institutions religieuses et des personnes aux valeurs conservatrices. De nombreux artistes du rock revendiquent la figure de Satan et jouent avec les codes de l’occultisme et du satanisme pour ériger une esthétique marquée par la provocation, la rébellion et la libération des mœurs. La filiation entre le genre musical et le diable – qui prend racine dans la légende entourant le bluesman Robert Johnson (voir la fiche « Le diable dans le blues » et la fiche « Robert Johnson ») – est mise de l’avant par les rockers à travers leurs paroles, leurs titres de chansons et d’albums, leurs conceptions de spectacles, leurs vidéoclips et plus encore. À la fin des années 1960, le chanteur du groupe Coven fait le signe des cornes sur scène, celui-ci deviendra rapidement un signe de main rassembleur fait par les fans de rock.
« La musique classique ou plus précisément la musique classique occidentale est la musique occidentale “savante” et de tradition écrite, de la musique médiévale européenne (chants grégoriens ou système écrit de Guido d’Arezzo) à la musique contemporaine (avant-gardes expérimentales en cours depuis le second XXe siècle). » (Musique classique sur Wikipédia).
Le diable apparaît assez tôt dans la musique classique, puisque celle-ci a de nombreuses inspirations bibliques.
En musique classique, un diabolus en musica correspond au triton, « un intervalle musical de trois tons […] [qui] correspond soit à une quarte augmentée, soit à une quinte diminuée. La dissonance qui le caractérise lui a valu le surnom d’intervalle du diable […] » (Triton (musique) sur Wikipédia)
« Un opéra est, dans la musique classique occidentale, une œuvre musicale et théâtrale pour un orchestre et des chanteurs. L’opéra est l’une des formes de l’art lyrique du théâtre musical occidental. […] L’opéra occidental est né en Italie à Florence au XVIIe siècle. Parmi les ancêtres de l’opéra figurent les madrigaux italiens, qui mirent en musique des situations avec des dialogues mais sans jeu de scène. » (Opéra sur Wikipédia)
Le diable est une figure classique à l’opéra. Cette forme d’art est souvent inspirée d’autres formes, telles que le théâtre, le roman ou, plus modernement, le cinéma. Ainsi, les mythes et figures habituels s’y retrouvent, parfois inchangés.
« La witch house (également connue sous le nom de drag) est un sous-genre sombre et occulte de la house, ayant émergé à la fin des années 2000. Le sous-genre musical d’électronique s’inspire largement du hip-hop chopped and screwed, du dark ambient, de la musique industrielle, de l’expérimentation bruitiste et de la musique dance populaire des années 1990 (eurodance, techno, etc.), et fait notamment usage de synthétiseurs, de boîte à rythmes, d’échantillons sonores à l’aspect souvent kitsch et lo-fi ainsi que de voix indiscernables, vaporeuses. L’aspect visuel de la witch house se base sur les thèmes de l’occulte, de la sorcellerie, du chamanisme, la terreur, et des films d’horreur, et fait souvent usage de messages cachés et d’éléments typographiques comme les symboles Unicode sur les couvertures d’albums. » (Witch house sur Wikipedia)
Cette fiche apparait dans la figure de la Sorcière et du Diable.
Le poème symphonique, orchestré pour la première fois en 1886, soit cinq ans après la mort de Moussorgski, « est inspirée d’une nouvelle de Nicolas Gogol, La Nuit de la Saint-Jean, qui met en scène le sabbat des sorcières » (Une nuit sur le mont chauve sur Wikipedia).
« L’œuvre a été retravaillée plusieurs fois par le compositeur, avec une version chorale en 1872, puis comme interlude orchestral de l’un de ses opéras en 1873. Nikolaï Rimski-Korsakov fait une réorchestration de cette troisième version en 1908 et c’est cette dernière qui reste la plus jouée. Fantasia, le dessin animé de Walt Disney sorti en 1940, utilise encore une autre version où le final se mêle à l’Ave Maria de Franz Schubert (orchestration de Leopold Stokowski, qui publia également une version indépendante et légèrement différente) » (Une nuit sur le mont chauve sur Wikipedia).
Dans le film, le sommet d’une montagne se transforme en un démon nommé « Chernabog » dont l’apparence rappelle fortement celle du Diable, et accueille les sorcières et autres revenants pour un sabbat, en réalité une cérémonie pour la Nuit de Walpurgis.
Beaucoup de chansons populaires utilisent la figure de la sorcière pour véhiculer des messages variés. Certaines chansons en font une figure féminine puissante, d’autres une enchanteresse, et d’autres un monstre. Voici quelques exemples :
The Wizard of Oz – Ding-Dong! The Witch Is Dead (1939) : « Les personnages de Glinda et Dorothy Gale, qui interprètent les chansons, se réjouissent de la mort de la Méchante sorcière de l’Est après que Dorothy aurait “lâché une maison sur elle”— en réalité, la sorcière est tuée par une tornade. La chanson a été utilisée en 2013 pour célébrer la mort de Margaret Thatcher, 71e Premier ministre du Royaume-Uni. » (Ding-Dong! The Witch Is Dead sur Wikipedia)
Radiohead – Burn the Witch (2016): Par la thématique de la chasse aux sorcières, les paroles dénoncent l’autorité de la pensée de groupe. Le vidéoclip en stop-motion fait hommage au film The Wicker Man (1973) de Robin Hardy.
L’oeuvre de Taylor Swift (2017-2021): L’autrice, compositrice et interprète américaine fait de nombreuses références à la sorcellerie dans ses chansons et ses vidéoclips. Depuis son album Reputation (2017), la sorcellerie est une thématique qui représente la marginalisation féminine et son traitement médiatique.
Plusieurs chansons comme I Put a Spell on You ou Witchcraft sont des devenus des classiques du jazz notamment grâce à leurs nombreuses réinterprétation; l’une des plus connue est probablement la version de I Put a Spell on You de Nina Simone.
« Zombie est une chanson contestataire du groupe irlandais Cranberries, apparue sur l’album No Need to Argue en 1942. Elle évoque le conflit nord-irlandais, appelé aussi The Troubles, et contient des références à l’insurrection de Pâques de 1916. Zombie rend également hommage aux victimes de l’attentat de l’IRA, le 20 mars 1993. » (Zombie (chanson des Cranberries) sur Wikipédia)