Mot-clé: Histoire culturelle

  • Umberto Eco

    Umberto Eco

    Nous rendons aujourd’hui hommage à Il Professore qui a tant marqué, depuis le début, le projet POP-En-STOCK. Digne héritier du “serio ludere” érasmien, Umberto Eco nous aura appris à (re)lire Superman, Charlie Brown, James Bond, Steve Canyon, les Mystères de Paris, Tarzan ou Columbo, sans oublier les Schtroumpfs ou les chansons yéyé italiennes (et oui!).

    Il nous aura aussi reconcilié avec la littérature postmoderne et les best-sellers avec les aventures de Guillaume de Baskerville et les conspiranoïas si prémonitoires de Casaubon et ses joyeux compères des éditions Garamond.

    Enfin, il nous aura appris à ne pas désespérer de ce triste manège qu’est l’université.

  • L’étude de l’objet pop?

    L’étude de l’objet pop?

    Puisque c’est la semaine de l’Acfas et que le colloque du Popular Culture Association of Canada est à Montréal également cette semaine, Hélène, Jean-Michel, Megan et Fanie consacrerons l’heure aux études en culture populaire. Qu’est-ce que c’est pour nous, les joies, les problèmes, nos histoires, etc.?

  • Barbie

    Barbie

    Life in plastic, it’s fantastic! Cette semaine, nous parlons de Barbie, la poupée la plus connue au monde dont un exemplaire se vendrait à chaque trois secondes. Alors qu’Hélène Laurin retrace l’histoire de la création de Barbie et quelques controverses qui ont jonché son parcours, Rachel Hyppolite revient sur les enjeux de diversité raciale représentés par la poupée. Martin Sasseville nous entretient sur le hit planétaire Barbie Girl du groupe danois Aqua.

    Nous entonnons même un petit ♪ ♫ Barbie’s Resto Bar Grill! ♪ ♫

  • Les seins (1)

    Les seins (1)

    Les Seins Pour la St-Valentin, Pop-en-Stock vous parle de cet organe si nécessaire à toutes les facettes de la reproduction humaine, les seins! Petits, gros, rebondis, en cornet, allaitants, découverts, recouverts de dentelle, les seins constituent un puissant symbole tout en contradictions. Hélène Laurin et Rachel Hyppolite discutent de deux sujets reliés aux seins : l’histoire du soutien-gorge et le pinkwashing. Mettez vos jogbras, on va vous shaker ça.

  • Chats

    Chats

    Felis silvestris catus de son petit nom, cette semaine nous parlons de all-things minou. Avec Megan Bédard et Stéphanie Roussel nous explorons l’histoire du chat dans tout ce qu’il a de plus duveté. Les égyptiens, les grecs, les féministes et les cosmonautes tout le monde craque pour ces adorables compagnons.

    On miaule en ondes!

  • Aux origines de la popification cinématographique

    Aux origines de la popification cinématographique

    Depuis le promontoire de notre postmodernisme recycleur, la «popification» semble bien la moindre des choses. Outre l’appel des œuvres à l’érudition pop du public et la pertinence du strabisme interprétatif lors de l’acte de réception (un œil sur l’œuvre recycleuse et un autre sur son modèle recyclé reconnu), cet air du temps incite aussi le discours critique à rivaliser d’audacieux courts-circuits historico-esthétiques, de sagaces reconnaissances. Du coup, la mise en garde d’Antonio Dominguez Leiva contre l’anachronisme s’avère bien nécessaire, sinon au moment de la réception du moins dans la phase ultérieure du discours critique. L’urbanisme des villes très anciennes suggère une intéressante représentation du rapport entre présent et passé: tel état historique de la ville phagocyte en partie tel autre état plus ancien, détruit des quartiers, mais en maintient l’axe des rues, détruit des bâtiments, mais en réutilise les matériaux, change le nom des lieux quitte à ce qu’ils ressurgissent plus tard, ou ailleurs, ou sous une forme décalée… La cyberculture est en train de phagocyter la culture médiatique qui elle-même avait partiellement phagocyté une culture lettrée antérieure…

    En guise de garde-fou contre l’omniprésente tentation nominaliste des études culturelles, proposons qu’une bonne protection méthodologique consisterait à tenter d’apprécier toute «popification» particulière (justiciable de son analyse de détail) en regard de son contexte culturel spécifique (c’est-à-dire en ne ringardisant pas l’érudition historique), et en commençant par le concept de «classique» lui-même. On se propose de le faire ici non pas à partir d’une œuvre unique, mais d’un corpus fini (pièces et feuilletons issus de genres populaires adaptés à l’écran à l’époque du muet) qui, sans être terriblement abondant, permet d’éviter de se contenter du particulier; non pas à partir d’une définition essentialiste du concept de «classique» (un dualisme hérité de l’institution littéraire opposant de manière frontale pop et classique), mais de la configuration propre complexifiée par chaque époque (par exemple, ce qui paraissait classique dans l’esprit de l’adaptateur, de son public ou de l’industrie culturelle les ajointant); non pas à partir de l’air du temps considérant la «popification» comme la moindre des choses, mais à partir d’un épisode ancien de l’histoire française de l’adaptation du récit de fiction populaire, censément plus naïf.

    Une modélisation théâtrale?

    Si l’on résume, aux origines de la culture médiatique, une innovation de format, le roman-feuilleton, a conduit à l’hégémonie de l’imprimé (et de la lecture) dans la fiction populaire. Cette hégémonie a redistribué le théâtre et le roman dans une nouvelle configuration culturelle, instauré une logique du produit dérivé, institué un autre type de narrativité et permis au dramaturge et au romancier thématisant le pathétique et la mort violente, chacun avec ses ressources, selon les polarisations spécifiques du jeu et de l’immersion, d’explorer d’autres pratiques discursives valorisées par la presse: l’enquête et le sensationnel. Or, cette configuration, à son tour, va se voir bousculée par l’arrivée d’un nouveau joueur médiatique, le cinéma.

    Ce dernier semble partir de loin puisque pendant plus d’une décennie, quoique technologiquement révolutionnaire, le cinéma commence son intégration dans la culture commune au bas de l’échelle de la distinction, comme attraction foraine, en ça comparable au mélodrame. Sa complexification sémiotique s’effectue par couches successives. Dès les films constitués de plusieurs plans, vers 1902, les vues animées se tressent à la parole du bonimenteur héritée des spectacles de lanterne magique. Et dès les premiers trucages de cinéma, qu’emblématise Georges Méliès, la fiction cinématographique est modélisée par un genre issu du théâtre populaire, la féerie, narrativisation souple des trucs, métamorphoses, subtilisations et autres transmutations1,– modélisation qui lui vaut des invitations dans des lieux plus prestigieux que la foire, comme l’Olympia, le Châtelet, la Cigale… Modélisation? Entendons par là une gestalt technique ou artistique permettant au public de métaboliser la nouveauté radicale du cinéma: pour lui, tel film des Lumière, c’est comme une photographie, mais une vue animée; tel film de Méliès, comme une féerie de théâtre, mais projetée. La modélisation semble s’imposer tout aussi bien à l’esprit des cinéastes; à partir de 1905-1908, en allongeant la durée de ses films, en s’étant un peu lassé des illusions à la Georges  Méliès et du moralisme à la Léon Gaumont, et en voulant élargir du côté de la bourgeoisie le public de cette attraction foraine, le cinéma a recours à des scénaristes, initialement surtout venus du théâtre.

    Avec le théâtre, le cinéma partage la performance, l’«effacement» du narrateur, une diégésis mimétique, et l’incarnation– ou plutôt, la personnification: si l’action est directement prise en charge par des personnages incarnés par des comédiens, la mutité du cinéma jusqu’au début des années 1930 ne permet que de pauvres approximations de la «citation», autre dimension déterminante de l’incarnation. Ce qui pointe en direction de ce que cet appariement théâtre-cinéma a de désynchronisé et de paradoxal. À cette époque, le prestige et les revenus du théâtre empêchent les dramaturges de discerner le potentiel du cinéma, même chez ceux qui y contribuent; et il faut dire que pour des virtuoses du dialogue, une sorte de théâtre sans paroles ne pouvait résulter que d’un appauvrissement2.

    Malgré tout, cette proximité conduirait à prédire l’existence de nombreuses pièces populaires adaptées. Or, il ne semble pas que ce soit le cas.

    Il y a bien le théâtre filmé, avec qui il s’agit d’accroître le public du cinéma et de lui rajouter du lustre culturel– le contraire de la «popification». Tel serait le projet des films de la société Le Film d’Art, fondée en 1908 par les secrétaires et des sociétaires de la Comédie-Française, anoblir un média populaire et mettre l’art noble à la portée des masses. Conception vulgarisatrice qui, fermement, s’appuie sur le prestige, non seulement des acteurs, mais aussi des grands sujets que des grands noms de la culture légitime tentent de transformer en sujets populaires. L’Assassinat du duc de Guise (1908) d’André Calmettes et du comédien Charles Le Bargy sert de déclencheur et de parangon3; la critique cinématographique française d’ailleurs semble naître à l’occasion de ce film4. Quoiqu’apparentée à ce que, parfois, le mélodrame et le feuilleton imaginaient être leur fonction, cette conception vulgarisatrice et trop directement asservie à la scène empèse des films. Du coup, ces derniers ne réussissent pas à détourner le populaire de son «mauvais» goût façonné par la foire, ni à servir de véhicule promotionnel convainquant pour les comédiens français, ni à nous permettre de suivre la fortune médiatique de la littérature populaire exclue par principe en tant que source possible de sujets5.

    On comprend que commencer à évoquer des «classiques» en ces circonstances risque de nous aveugler. On pourrait plutôt suggérer de ne pas trop tôt recourir au paradigme dualiste classique/pop, prestige/vulgarisation et de plutôt considérer les adaptations: c’est le média cinéma lui-même qui manque alors de dignité culturelle et qui pourrait bien en chercher dans l’art théâtral– ce qui est bien plus général que le paradigme classique/pop.

    Pour se faire une idée de qu’on va examiner, voici un premier échantillon. Il s’agit plutôt de comédies cinématographiques comme La Petite chocolatière de Paul Gavault ou Le Ruisseau de Pierre Wolff, autrefois montées au Théâtre de la Renaissance et au Théâtre du Vaudeville, et toutes deux adaptées à l’écran par René Hervil, en 1927 et 1929. Ou, mieux encore, des pièces policières. Ainsi, sans doute grâce à une pièce de William Gillett6, Sherlock Holmes, le personnage le plus souvent porté à l’écran, commence sa carrière cinématographique par un (très) court métrage américain d’Arthur Marvin, Sherlock Holmes Baffled (1900). Toujours aux États-Unis, The Thirteenth Chair de Bayard Veiller est adapté au cinéma par Léonce Perret en 1919 (un remake parlant de George B. Seitz sera filmé en 1937); le même Veiller adapte lui-même à l’écran sa pièce The Trial of Mary Dugan, en tant que réalisateur en 1929 et en tant que scénariste pour Norman Z. McLeod en 19417. Quant aux pièces françaises, parfois, leur situation est relativement simple. Gabriel Trarieux fait jouer L’Alibi, une pièce en 3 actes à l’Odéon, à partir du 25 avril 1908, la fait paraître chez Fasquelle la même année et la scénarise pour un film réalisé en 1914 par Henri Pouctal. Mais elles n’en tendent pas moins à plus souvent se présenter dans un imbroglio médiatique agrémenté de quelque flou et pimenté de cosmopolitisme. Cinéaste prolifique et vaudevilliste, Roger Lion adapte la pièce de Jean Guitton Jim la Houlette, roi des voleurs (1926), film aussitôt novellisé par Jean-Jacques Rika pour la collection Cinéma-bibliothèque. Lion avait d’ailleurs non seulement novellisé, mais aussi présenté lui-même son film L’Éternel féminin (1921) dans Ciné-Collection en 1922 et explicitement annoncé que son ciné-roman Le Fantôme d’amour (1923) était tiré du scénario de son film. Le cas de son film J’ai tué (1924) est singulier puisque le film précède la pièce que Léopold Marchand en tire pour le Théâtre Antoine où elle débute le 6 octobre 1928 et qu’au lieu d’un film raconté doublant le film, c’est le texte de la pièce qui, classiquement, paraît dans La Petite Illustration. Mon cœur au ralenti (1929) de Marco de Gastyne doit-il plus au roman homonyme de Maurice Dekobra paru en 1924 ou à la pièce en 3 actes et 5 tableaux que Dekobra avait tirée de son roman en 1927? L’Autre (1930) film franco-allemand de Robert Wiene, histoire de dédoublement de personnalité puisque le procureur intransigeant se transforme la nuit malgré lui en voleur et en maquereau, est tiré d’une pièce en 4 actes de l’acteur et dramaturge Paul Lindau, Le Procureur Hallers, elle-même adaptée du roman Der Andere de Lindau et adaptée pour la scène française par Henry de Gorsse et Louis Forest…

    On le voit, si le paradigme classique/pop a peut-être un registre de pertinence ici, il s’avère ténu. Bien plus évidents en cette matière seraient non seulement l’adaptation (la pratique qui sert à fonder cet ensemble), mais aussi son élargissement à non plus deux, mais trois véhicules (la scène, l’écran, le ciné-roman: la convergence?) et le naturel de sa dimension transnationale, bien antérieure à l’actuel air du temps de la mondialisation.

    Crime et pathétique entre les mains des recycleurs: feuilleton, scène, écran, novellisation

    Il faut bien avouer que, quoique sommaire, un premier survol des adaptations cinématographiques de pièces qui relèvent de genres populaires ne semble pas conduire très loin. L’ensemble n’est-il pas un peu trop court et, surtout, un peu trop emberlificoté pour permettre de dégager un modèle? Dès les débuts du cinéma, le roman-feuilleton compliquait déjà cette relation entre lui et le théâtre; bien des pièces étaient elles-mêmes déjà adaptées de romans-feuilletons. Par ailleurs, qu’un Gaston Leroux ait fait jouer quelques pièces, dont deux adaptations de ses récits8, voire qu’Alsace (1913) sa pièce patriotique9 ait été adaptée dès 1915 par Henri Pouctal ou que sa pièce cosignée par Pierre Wolff Le Lys (1909) ait été adaptée à l’écran en 192610, rien ne l’aura empêché de passer à la postérité pour ses romans-feuilletons, souvent adaptés (à l’écran, à la scène dramatique, lyrique et chorégraphique, en téléfilms, en BD), pas pour de tels essais destinés à la scène. Pour évoquer le théâtre populaire porté à l’écran, gardons à l’esprit ce bruit dans le fond: c’est justement la présence parasite de l’imprimé, en amont, sous les espèces du roman-feuilleton et en aval sous celle du ciné-roman qui permet de mieux comprendre la nécessité de ne pas tout réduire à un modèle dualiste.

    Observer la fortune des familles génériques du pathétique et du crime (mystère-et-transgression) permet de nuancer, de mieux discriminer les traitements que le cinéma leur réserve, après sa phase primitive d’attraction foraine, c’est-à-dire à partir du moment où les films ne sont plus vendus, mais loués11. Globalement en augmentation tout au long des XIXe et XXe siècles jusqu’à la fin des années 1920, avec des moments de fortes croissances (sous la monarchie de Juillet et le Second Empire, entre 1880 et la Guerre de 14), les recettes12 et la fréquentation théâtrale s’étaient doublées d’une spécialisation des publics (déclin du mélodrame; longue faveur du vaudeville, du Second Empire à la crise économique des années 1930) et d’un déplacement du public populaire vers d’autres activités de loisir (bals et cirques, puis cafés-concerts depuis le Second Empire et music-halls depuis les débuts de la Troisième République). Au tournant du siècle, le théâtre en général et le vieux répertoire du théâtre populaire à machine, mélodrame, cape et épée en particulier, avaient dû composer avec le théâtre d’éducation populaire13, avec l’organisation de tournées nationales de spectacles parisiens (où le théâtre policier occupe une place significative) et avec les revues de music-hall. C’est dans ce contexte que, en 1909, Pierre Decourcelles et Eugène Gugenheim, les fondateurs de la Société cinématographique des auteurs et gens de lettres (scagl) achètent les premiers et à bon prix les droits d’adaptation et puisent dans ce répertoire alors de plus en plus délaissé. Ainsi, le cinéma redonne-t-il un second souffle à l’increvable mélo d’Adolphe d’Ennery Les Deux orphelines; avant même la version de David Wark Griffith avec les sœurs Dorothy et Lilian Gish, Orphans of the Storm (1922), Georges Monca (1910) et André Capellani (1911) l’avaient porté à l’écran. Tout un pan d’une culture théâtrale déjà vétuste, certes, mais pourvue d’une sorte de respectabilité par tradition survit grâce à la transmédiatisation14.

    Repris et développé par le roman-feuilleton, le pathétique a déjà connu une mutation en roman-de-la-victime, qui transmet bien le mélodrame en l’ajustant: conservateur, le pathétique se décline plus facilement en différentes formes médiatiques tout en préservant l’horizon d’attente du public populaire, l’Innocence persécutée, l’inquiétude empathique pour son sort, la juste rétribution des mérites…Le mélodrame se transmet tout d’abord par des adaptations comme Victor, ou l’Enfant de la forêt, le vieux succès de Pixerécourt, tiré lui-même de Ducray-Duminil, qui reprend du service dans un film de Pathé de 1912 sur un scénario de Pierre Caussade15 ou comme Trente ans ou la Vie d’un joueur de Victor Ducange, resservi par Georges Monca en 1912. Pour une bande de 815 mètres produite par un anonyme pour l’Association cinématographique des auteurs dramatiques (acad), l’interminable Chiffonnier de Paris de Félix Pyat doit subir une drastique cure d’amaigrissement en 1913. Non seulement La Closerie des genêts (1913) d’après le best-seller de Frédéric Soulié, déjà  novellisé par Edmond Lepelletier (1895) permet-elle d’observer la tactique de la scagl– assise de la conception (vieux drames à succès, bien connus et pleins de saines valeurs morales) et assise de la distribution (par Pathé)–, mais aussi de souligner  l’inépuisable plasticité de ce fonds pour la culture médiatique puisque André Liabel adapte de nouveau la pièce à l’écran en 1925, film dont E.-M. Laumann tire un ciné-roman pour la collection fasciculaire Cinéma-bibliothèque en 1925, repris en 1933 dans une autre collection spécialisée, Les Drames du cœur. Quant au ciné-roman de Charles Cluny, Le Postillon du Mont-Cenis (1928), aussi paru dans Cinéma-bibliothèque, il ajoute le zeste de cosmopolitisme prévisible à cette prévalente conception de la littérature comme thésaurus dans lequel puiser puisque la pièce originale, Jean le cocher (1852) de Joseph Bouchardy, écho du Comte de Monte Cristo, a transité par les studios italiens (où il a pris le titre Il Vetturale del Moncenisio), par la réalisation de Leopoldo Carlucci en 1916 puis celle de Baldassarre Negroni en 192716.

    À côté de cette veine du mélodrame, par le truchement d’Auguste Anicet-Bourgeois, le cinéma se rattache aussi à celle du feuilleton de la monarchie de Juillet17. Ainsi, Les Mémoires du diable de Soulié dataient de 1837-1838; La Sonnette du diable qu’en avait tirée Anicet-Bourgeois, de dix ans plus tard; La Sonnette du diable (1913) d’un anonyme pour la sgadl, de 1913.  Le cinéma des origines devait d’ailleurs continuer à adapter Anicet-Bourgeois: L’Aveugle (1914) d’un anonyme pour l’acad, La Fille des chiffonniers (1911) d’Albert Capellani et Georges Monca, Le Médecin des enfants (1916) et Son Fils (1917) de Georges Denola…

    Outre dans ces vénérables ancêtres, le cinéma muet puise dans le mélodrame moins ancien d’Ennery, Richebourg et Montépin. Déjà novellisé par Adolphe d’Ennery en 1893, le mélodrame du mari ivrogne Marie-Jeanne ou la Femme du peuple est aussi adapté à l’écran pour Pathé en 1914 par un Georges Denola qui voudrait de nouveau faire pleurer le public sur son sort; déjà novellisée par d’Ennery en 1901-1902, son mélodrame Martyre! Co signé avec Edmond Tarbé (honneur bafoué, sentiments délicats et élevés) est en outre adapté à l’écran par Charles Burguet pour Vitagraph en 1926, mais c’est sous la signature d’Ennery pourtant mort en 1899 que le ciné-roman paraît en 1927, en 2 fascicules dans Cinéma-Bibliothèque; le best-seller d’Émile Richebourg, Andréa la charmeuse (1878), réédité avec Les Deux orphelines pour lancer la collection de ciné-romans le Livre illustré de Jules Rouff en 1908, est adapté à l’écran par André Heuzé, mais c’est sous  la signature de Richebourg pourtant mort en 1898 que le ciné-roman paraît, en 3 fascicules dans la collection Cinéma-Bibliothèque.

    C’est aussi de manière posthume que Xavier de Montépin, un autre auteur de cette génération, a bénéficié de l’intérêt du cinéma. Ainsi, après Adrien Caillard qui avait réalisé Sa Majesté l’argent (1913) pour la scagl à partir d’un roman de lui paru en 1878 et réédité  en 1908 par Le Livre populaire18, après Georges Denola qui avait réalisé Le Secret de la comtesse (1917) toujours pour la scagl à partir d’un roman de 1876, Burguet19 recycle Montépin. Captation d’héritage, enlèvement de la petite jumelle d’un bébé mort-né, amnésie de la mère cruellement affligée…sombre histoire, déjà déclinée à la scène, en feuilletons dans le Petit Journal, en volume dans Le Livre national de Tallandier et en fascicules illustrés chez Jules Rouff (en livraisons séparées ou réunies en un seul volume), La Mendiante de Saint-Sulpice donne corps à un film en deux époques en 192320– auquel Tallandier emboîte aussitôt le pas aussitôt dans Le Livre national, puis dans Les Meilleurs Romans de drame et d’amour: le roman sera même réédité jusqu’en 1950. Idem pour la morale et lacrymale Joueuse d’orgue  reprise en deux volumes (Caïn et La Petite Marthe) dans Le Livre illustré, une collection de Rouff qui tentait depuis 1908 de faire la compétition au Livre national de Tallandier, en puisant largement dans la veine pathétique, Dennery, Richebourg, Montépin, Mary, Paul Saunière, Henri Demesse21… Déjà adapté par Denola en 1916, ce roman connaît un premier remake par Burguet en  192422. Mais c’est son feuilleton best-seller La Porteuse de pain paru à partir de 1884 que le cinéma insiste pour immortaliser: Feuillade en 1906, Denola en 1912, René Le Somptier en 4 époques en 1923, puis dans des versions parlantes23.

    A fortiori, le mélodrame se transmet à travers des auteurs populaires de la génération suivante, eux aussi habitués à la logique du produit dérivé, au roman-feuilleton paraissant dans de multiples périodiques (journaux de Paris et de province, journaux-romans, revues de lecture), en livraisons, en volumes, adaptés pour la scène, mais en plus directement sollicités par le cinéma, comme Jules Mary. Spécialiste d’un pathétique où l’homme se voit tout aussi souvent victimisé que la femme, fondé sur des intrigues d’erreur judiciaire et le patriotique (mais ambigu) thème de la fragilité du militaire, il s’était déjà beaucoup enrichi grâce à ses feuilletons, mais aussi par le théâtre à partir du succès de l’adaptation de Roger-la-honte en 1887 pour la scène. Mary organisait soigneusement ses opérations. Même si l’ordre n’était pas toujours le même, généralement le feuilleton paraissait d’abord (dans Le Petit Journal de 1885 à la fin des années 1890, puis de retour dans Le Petit Parisien plus tard) avant la pièce de théâtre (dont le plus souvent Stock publiait le texte), suivie par la parution du roman en volume– assuré du succès, Tallandier ne se fit pas faute de largement lui ouvrir sa collection débutée en 1909, Livre National série rouge, voire, en 1913 de consacrer une trentaine de numéros consécutifs de la collection aux romans du seul Mary et de reprendre dans la même collection mais dans les années 30 des titres déjà parus du romancier disparu en 1922. Déclinaisons médiatiques appliquées notamment au Régiment (la pièce est présentée en 1890), à Roule-ta-Bosse (en 1906), à La Bête féroce (en 1908), à La Beauté du diable (en 1908), à La Gueuse (en 191124), à L’Avocat des gueux (en 1912), à Trompe-la-Mort (en 1913)… Dès 1909, plusieurs bandes sont tournées sur des scénarios de Mary pour la scagl, bandes anonymes comme Le Mariage d’un gueux (1909), ou bandes de Georges Monca, Le Mariage d’un gueux, Histoire d’un billet de banque en 1909 ou Une Nuit de noce au village (1910) et de Georges Denola, Le Grand-père (1911), Les feuilles tombent (1914), La Maison sans enfants (1916). Toujours pour la scagl, un anonyme tourne Le Boucher de Meudon (1909) d’après un roman de 1882 qui avait été inspiré à Mary par l’histoire crapuleuse d’Henri Pranzini le triple égorgeur de femmes, un autre La Bien-aimée (1912) d’après un roman de 1885; Les Damnées de Paris, un roman en trois parties de 1883-1884 est à l’origine de trois bandes anonymes de la scagl, Les Damnés de Paris (1914), L’Endormeuse (1914) et Blessée au cœur (1917). Pour le Film d’Art, en 1918, Henri Pouctal adapte En détresse, initialement paru en 1891. Inutile de préciser que, même un peu anciens, ses deux plus grands best-sellers, Roger-la-Honte et La Pocharde, déjà portés à la scène25, sont au programme des adaptateurs. Jacques de Baroncelli tourne le premier pour Le Film d’Art en 1924; Mary signe posthumément les quatre volumes du ciné-roman qu’en tire Cinéma-bibliothèque. Henry Etiévant filme le second en douze époques en 1921, fidèlement suivi par un ciné-roman en trois volumes dans la même collection, en 1925.

    Le producteur Joseph Ermolieff saisit cette vogue de Mary comme une opportunité; voulant s’adapter au public du pays d’accueil, il cherchait à produire des films avec des réalisateurs russes et français et des acteurs russes. Après leur fuite en France en 1920, s’était en effet reconstitué autour d’Ermolieff et de son ex-studio un noyau de professionnels russes blancs: des réalisateurs comme Alexandre Volkoff, des acteurs comme Nicolas Rimsky, Nathalie Lissenko et le célèbre Ivan Mosjoukine, l’amant slave passionné aux yeux magnétiques qui, justement, devait jouer Michel Strogoff et son aveuglement dans le film de Victor (Viatcheslav) Tourjansky tiré de Jules Verne en 1926. Outre La Pocharde, c’est aussi le cas de La Fille sauvage. Étiévant  adapte en 12 époques ce roman de 1905 et met en vedette Nathalie Lissenko et Nicolas Rimsky26. Alexandre Volkoff, qui avait travaillé pour Pathé en Russie avant la Révolution, adapte à son tour en 1923 un autre roman de Mary paru dans Le Petit Parisien, La Maison du mystère, qui, pour le cœur de la belle et touchante Hélène Darly, oppose pendant 6 heures et demi et en 10 époques le timide amoureux Mosjoukine à l’ami félon et jaloux Charles Vanel. Des ciné-romans, chacun en 4 fascicules, chacun signé Mary paraissent l’année de sortie de leurs films respectifs, 1922 et 1923, dans Cinéma-bibliothèque. On comprend dès lors que Mary se soit intéressé au statut du roman-cinéma à la Société des Gens de Lettres.

    Dérivations multiples

    Cela dit, force est de constater que, du point de vue de l’adaptation de la fiction populaire à l’écran, l’empreinte du théâtre est indirecte, qu’elle passe peut-être par des truchements, des médiations. Ainsi le cinéma criminel a une dette à l’endroit d’une hybridation, d’une confluence des intrigues d’action, relevant de l’aventure, et du mélodrame pleurnichard. Marc Mario ou Pierre Decourcelle pourraient emblématiser cette articulation, ainsi que le glissement de l’hégémonie de la scène à celle de l’imprimé.

    Marc Mario27 a à la fois été nègre de Xavier de Montépin, coauteur du feuilleton Vidocq (1890-92) dont il tire un court-métrage pour Pathé (La Jeunesse de Vidocq, 1909), mais aussi adaptateur (de L’Affaire du courrier de Lyon, 1923, de Léon Poirier, une tragique affaire d’erreur judiciaire durant la Révolution qui a souvent inspiré), acteur28 et même un des premiers critiques de cinéma (il tient une rubrique dans Kinéma et Cinéma et l’Écho du cinéma réunis). La carrière de Pierre Decourcelle s’ajointe elle aussi étroitement au cinéma, assez différemment. Directeur artistique de la scagl, son nom apparaît aussi bien en place de  scénariste (notamment de Cœur de femme de Ferdinand Zecca et René Leprince 1913 pour Pathé…) que de romancier adapté: Les Deux gosses passe deux fois à l’écran, sous la direction d’Adrien Caillard en 1912 et d’Albert Capellani en 1914. Gigolette, drame cosigné avec Edmond Tarbé des Sablons, pour la première fois présenté à l’Ambigu-Comique le 25 novembre 1893, est longuement novellisé par Tarbé en 1895 et porté à l’écran par Henri Pouctal en 1921, version novellisée par Decourcelle en 1922 pour ouvrir en 4 fascicules la nouvelle collection Cinéma-Bibliothèque de Tallandier. Quant à La Baillonnée, drame cosigné avec Paul Rouget en 1904 est non seulement paru en volume la même année, adapté à l’écran par Charles Burguet en 1922 avant que Decourcelle en novellise le film en trois fascicules pour la même collection Cinéma-Bibliothèque la même année.

    Mario et Decourcelle seront néanmoins passés à la postérité dans l’histoire du cinéma pour avoir novellisé un serial américain de Louis Gasnier, George B. Seitz et Leopold Wharton. L’auteur de l’œuvre originale d’où sortait ce serial, le journaliste Arthur B. Reeve29, publiait dans Cosmopolitan une série de 82 nouvelles policières inspirées de celles de Sherlock Holmes, le professeur Craig Kennedy y incarnant l’esprit scientifique, le journaliste Walter Jameson le truchement narratologique et vulgarisateur entre Kennedy et le public. 22 d’entre elles devaient former ce serial retitré Les Mystères de New York– réduction des 36 épisodes américains et familiarité titulaire visant à en apprivoiser l’exotisme en France, quitte à plagier William Cob30. Ces 22 époques ont un corrélat imprimé puisque Decourcelle allait parallèlement publier les 22 épisodes du film raconté dans Le Matin, du 27 novembre 1915 au 28 avril 1916.

    Ce cinéma criminel primitif dérive partiellement du mélodrame via le roman-feuilleton. En effet, non seulement le spectateur perçoit-il les événements surtout à travers la compréhension qu’en a l’héroïne, non seulement celle-ci est-elle la Victime, quelle que soit la nouvelle situation de chaque nouvelle bande, non seulement a-t-elle l’assistance indéfectible, mais pas toujours très efficace de son fiancé, mais elle est en butte aussi à un Méchant tapi dans l’ombre dont le spectateur a toutefois une bonne idée.

    Certes, le cinéma hérite bien des genres du roman et du théâtre populaires, mais ils y connaissent des fortunes très diverses. Entrouvert ici, le dossier mériterait d’être plus systématiquement alimenté et montrerait la porosité de la frontière entre littérature populaire et Belles-lettres pour les adaptateurs: en quoi la fortune transmédiatique de La Voleuse d’enfants, court-métrage tiré d’un conte cruel  d’Erckmann-Chatriand31 par Georges Denola en 1912 pour Pathé ou celle d’Anicet-Bourgeois se distinguerait-elle de celle de d’Ennery, Montépin ou Mary?

    Plus déterminante pour le cinéma s’avère, notamment, l’ampleur du budget de réalisation. Quoique bien différents par leurs sources, par leurs esthétiques, par la personnalité de leurs réalisateurs, la Madame Sans-Gêne (1921) de Léonce Perret et Les Trois mousquetaires (1920) d’Henri Diamant-Berger ont plus en commun entre eux qu’avec les films relevant pourtant aussi de la fiction historique produits par la plus populaire Société des ciné-romans. Madame Sans-Gêne vient d’une pièce de Victorien Sardou et Émile Moreau créée au Théâtre du Vaudeville en 1893. Perret, qui avait déjà travaillé pour Paramount, avait convaincu Adolph Zukor et Jesse L. Lasky de coproduire en France avec Gloria Swanson en vedette, ce qui avait poussé l’administration des Beaux-Arts à prêter Fontainebleau, ses châteaux, son parc. Déjà un opéra (d’Umberto Giordano) et trois versions filmiques en avaient déjà été tirées; le cinéma et la télévision devaient l’adapter plusieurs fois encore. Henri Diamant-Berger, fondateur de la revue Le Film dont Louis Delluc était le rédacteur en chef, fondateur de l’Association des Auteurs de Films, envoyé officiel du gouvernement en mission aux États-Unis en 1918 pour y organiser la distribution des actualités françaises, était un des piliers de Pathé; ses Trois mousquetaires (1920) adaptant Dumas en 12 époques et une suite prévisible, Vingt ans après (1922), dispose lui aussi d’un budget considérable, du château de Chenonceau, du village de Pérouges, de costumes de Paul Poiret et de décors de Robert Mallet-Stevens32… Un film avait déjà été tiré du célébrissime roman de Dumas et Maquet; mais le cinéma et la télévision n’allaient pas en rester à Diamant-Berger: presque une dizaine de versions américaines (dont un musical), trois parodies (dont celle de Max Linder en 1923, L’Étroit mousquetaire), quatre versions françaises (dont un remake parlant de Diamant-Berger), une version russe, des reprises des personnages sans les intrigues de Dumas (comme chez Bertrand Tavernier ou Peter Hyams), quatre versions télévisées, sans parler de nombreux dessins animés et des BD…

    Un René Leprince ou un Luitz-Morat ne sauraient prétendre à un tel luxe ou une telle notoriété. Populisme des thèmes de L’Enfant des Halles (1924) et de L’Empereur des pauvres (1922)? Certes; toutefois Leprince n’adapte pas Le Ventre de Paris (1873) d’Émile Zola, mais plutôt H. J. Magog (1921), qui, lui, édulcorait Zola. Quant à Félicien Champsaur, auteur de L’Empereur des pauvres (1921) et nom plus littérairement prestigieux que le tout-venant du ciné-roman, sa signature ne s’en retrouve pas moins dans la populaire collection de Ferenczi, Les Grands romans cinéma, à côté de Feuillade, Jean Petithuguenin, Georges Spitzmuller et Guy de Téramond. Même Théodora qui y paraît juste après n’est plus que très indirectement relié à la pièce historique que Victorien Sardou (de l’Académie française) avait écrite pour Sarah Bernhardt en 1884: ce titre y arrive médié par le roman de 1902 de Petros Botzarès et le film à grand déploiement qu’Arturo Ambrosio en avait tiré en 1919, et deviendra ciné-roman sous la plus modeste signature d’Ernest M. Laumann…En revanche, avant-gardisme du thème de La Cité foudroyée (1924) de Luitz-Morat? Certes; toutefois, comment filmer de façon crédible la destruction de Paris, même si un tour de passe-passe du scénario de Jean-Louis Bouquet renverse in fine la présupposition de réalité de cette histoire d’arme-terrifiante au profit d’un interprétant imaginaire– non, Richard l’ingénieur n’est pas un criminel mégalomane, mais plutôt un inventif romancier?

    Quels classiques?

    Dès l’origine d’un média comme le cinéma, alors même qu’il est à la recherche d’un statut d’art, l’embourgeoisement théâtral s’avère une impasse, sans pour autant qu’il recoure à son envers, la «popification». Bien plutôt, l’adaptation pour l’écran semble élire une stratégie non plus verticale haut/bas, mais transversale. Elle préfère s’inscrire dans une tradition de la fiction imprimée dont la longévité a consacré ses propres classiques– l’assurance du succès de classiques populaires, même vieillots, ne manque pas de charme. Elle préfère profiter d’assises génériques pour que le public s’acculture à une nouvelle narrativité par le truchement de proto genres familiers, pathétique et mystère-et-transgression– même si le cinéma français devait moins développer que Hollywood une propension aux genres. Elle préfère tirer à son bénéfice le meilleur parti moins de classiques individuels institutionnellement reconnus que de la proximité du théâtre– celle des scénaristes et des dramaturges, celle d’une partie du dispositif narratif, celle du recours aux comédiens. Elle naît autant comme une pratique que comme un carrefour sémiotique et médiatique; ses récits relèvent aussi bien du roman-feuilleton, de la scène, de l’écran que du ciné-roman. Enfin, elle devait se découvrir elle-même en contact avec la spécificité, notamment économique, du nouveau média. Tel ne serait-il pas le fond archéologique de la question de la «popification»?

    Notes

    1. Voir Jac et Pascale Remise et Régis Van de Valle (1979).

    2. Sur ce rendez-vous largement manqué, cf. Alain Carou (2008).

    3. Sur un texte d’Henri Lavedan, de l’Académie française, avec les prestations de Le Bargy, Albert Lambert, Robinne, Berthe Bovy (tous sociétaires de la Comédie-Française) et de Dieudonné (du Théâtre de la Renaissance).

    4. Selon Daniel Banda et José Moure (2008) qui reproduisent l’article d’Adolphe Brisson dans le Temps

    5. Pour en savoir plus sur le Film d’art, qu’on se reporte au numéro de 1895 qui lui est consacré (n°56, décembre 2008, sous la direction d’Alain Carou et Béatrice de Pastre-Robert), numéro qui présente aussi une filmographie de cette société préparée par Éric Le Roy, Noëlle Huard de Jorna, Éric Loné et Béatrice de Pastre-Robert.

    6. L’acteur américain qui aura marqué l’iconologie holmesienne en fumant la pipe courbe et en portant un macfarlane similaire à celui dessiné par Sydney Paget pour le Strand Magazine, et qui avait tiré un Sherlock Holmes (1899) de plusieurs des nouvelles d’Arthur Conan Doyle– avec une telle réussite qu’il sera invité en Angleterre et la jouera 1 300 fois. Incidemment, Gillette avait déjà adapté des deux Français, le dramaturge Henri Bernstein et le romancier Maurice Ordonneau.

    7. Si ces pièces ont bien été adaptées et jouées en français, les films ont-ils été exploités en France? Je l’ignore.

    8. L’homme qui a vu le diable (1911) d’après une nouvelle de 1908 et Le Mystère de la chambre jaune (1912) d‘après son roman de 1907.

    9. Co-signée par Lucien Camille [Camille Dreyfus].

    10. Par Victor Schertzinger, film distribué aux États-Unis seulement.

    11. Non pas que d’autres protos genres n’aient été réactivés par le cinéma muet, comme dans La Sonnette du Diable (1916), bande anonyme de Pathé mettant Jean Kemm [Jules Adolphe Félix Bécheret], Émilienne Dux et Louise Colliney en vedette, tirée d’un drame fantastique du même titre, de 1849, en 5 actes et 12 tableaux, œuvre d’Anicet-Bourgeois et Paul de Guerville avec son Satan en dandy moderne, inspirée elle-même par les Mémoires du Diable de Frédéric Soulié. Mais, comme dans le roman, le fantastique aura été beaucoup moins productif dans le cinéma français.

    12. En unité monétaire constante, Dominique Leroy (1990) évalue que les recettes réelles ont été multipliées par 6 en un siècle (1829-1928) dans les théâtres parisiens.

    13. Ainsi, étudiant les relations compliquées des socialistes avec la ville ouvrière de Saint-Étienne au début du siècle, Jean Lorcin (2005) montre que le socialisme municipal interventionniste avait un programme d’éducation populaire comprenant le théâtre. Il tenait à ce que le théâtre municipal, mis en régie par la mairie, exclût les tournées parisiennes de mélodrames, drames de cape et d’épée et pièces patriotiques au profit d’un effort pour mettre les chefs-d’œuvre de la littérature à la portée de tous. Faut-il préciser que le public, bourgeois et populaire, devait tout uniment bouder cet effort d’acculturation?

    14. Respectabilité bien analysée par Alain Carou (2004).

    15. Deuxième opérateur attitré de Pathé, après Charles Pathé lui-même.

    16. Dénoncé par un rival pour avoir fait passer de l’autre côté des Alpes un courrier à Napoléon, Jean-Claude Thibault est emprisonné; sa femme, Genoffeva se retire au couvent puis, le croyant mort, épouse le Méchant; mais le héros qui avait réussi à se faire une nouvelle vie et s’était couvert de gloire en servant l’empereur revient pour se venger. Chez Negroni, on note le retour de Bartolomeo Pagano, l’acteur vieillissant des Maciste le bon géant.

    17. Règne de Louis-Philippe (1830-1848), lui aussi terminé par une révolution et l’instauration d’une (brève) république.

    18. L’original datait de 1877.

    19. Avec Andrée Lionel, Paul Guidé. Le neveu adolescent de Pauline la modiste se met à fréquenter les enfants de la famille de Jean. Or, depuis la mort de ce dernier, cette famille riche qui n’avait jamais approuvé le mariage de Jean et Pauline a enlevé son fils à celle-ci…

    20. Il avait déjà puisé dans le fonds feuilletoniste pathétique: Eugène Sue pour ses Mystères de Paris (1922) en douze époques, Pierre Decourcelle pour La Bâillonnée (1922).

    21. Blessée et aveuglée en se portant au secours de son patron agressé par son propre frère et un complice, la pauvre musicienne à l’oreille; elle reconnaît la voix des agresseurs, les dénonce et recouvrera la vue.

    22. Avec la chanteuse réaliste Eugénie Buffet – elle devait tourner une scène de noyade dans l’eau glaciale de l’Oise qui faillit devenir authentique!

    23. On y retrouve l’essentiel: le contremaître félon et son amour pour la belle veuve, l’usine qui flambe et la mort de l’ingénieur, les identités changées, l’un en millionnaire revenu d’Amérique, l’autre en porteuse de pain, le court-circuit par leurs enfants qui s’aiment, la lettre d’aveu et le capital générant une fortune en intérêts composés cachés dans le petit cheval de carton, sans parler de la célèbre conclusion «J’ai bien souffert, dit-elle parfois. Mais aujourd’hui, c’est le paradis. Ah ! Dieu est bon !»…

    24. En l’occurrence, les deux volumes du Livre national (n° 208 et 209, sans doute de 1913) s’intitulent plutôt Zizi la gueuse et Les Malheurs de Zizi.

    25. À dix ans de distance à l’Ambigu tous les deux, en 1888 pour Roger-la-Honte et en 1898 pour La Pocharde.

    26. Son passé revient hanter Jacqueline Gervoise de retour en France des États-Unis lorsque l’ex-amant clandestin, qui l’avait abandonnée avec leur fille Liliane, veut la faire chanter: Jacqueline était en effet mariée à un ingénieur ignorant tout des origines de Liliane et de l’infidélité de son épouse.

    27. Frère aîné de Léo Taxil et père d’un autre romancier populaire, Maurice Mario.

    28. Notamment du Baiser du pâtre de Léonce Perret en 1910 et de L’Orage de Camille de Morlhon, en 1917.

    29. John Locke a procuré une édition commentée de ses œuvres en deux volumes, From Ghouls to Gangsters: The Career of Arthur B. Reeve (2007).

    30. Alias Jules Lermina; son roman de 1874 Les Mystères de New York n’a rien à voir avec les nouvelles de Reeve.

    31. Paru dans Les Contes du bord du Rhin (1862).

    32. Que le couturier mondain va justement commissionner pour construire son château moderniste à Mézy.

  • Le café

    Le café

    Aujourd’hui à Pop-en-stock, on vous parle de l’or noir du quotidien de tous, le café.

    Le café a permis tellement de choses:

    – Balzac qui buvait genre 50 cafés par jour;


    – Les cafés qui ont contribué à la vie intellectuelle européenne au XIXe siècle;


    – Le café qui a permis l’émergence du capitalisme colonial.

    

Aujourd’hui: 

    – Les guerres entre les Starbucks de ce monde et les indépendants (McDo qui se donne des airs de cafés branchés!);

    – Les cafés qui permettent de travailler dans le bruit (sérieux, je ne comprends pas ça);

    – Les machines Nespresso du diable!

  • Lancement de la première émission Pop-en-stock

    Lancement de la première émission Pop-en-stock

    Au menu de la toute première émission radio de Pop-en-stock : la genèse du projet et la relation symbiotique particulière qu’occupera ce podcast avec le portail web.

    Aussi, on vous présente nos chroniqueuses et chroniqueurs qui se sont prêté·es à un désuet exercice : parler d’elleux-mêmes par le biais d’un objet ou d’une œuvre fétiche (comme jadis, à la rentrée, mais de manière infiniment plus inquiétante).

  • De l’île aux femmes polynésienne à l’Alien américaine (2)

    De l’île aux femmes polynésienne à l’Alien américaine (2)

    Quand la grossesse vient aux hommes

    La scène qui ouvre le premier épisode des aventures d’Alien avec une femme lieutenant nommée Ripley, nous plonge dans l’espace clos d’un vaisseau spatial recelant des berceaux de verre où les personnages, deux femmes et cinq hommes, sont en “hypersommeil”. “Mère”, l’ordinateur qui commande le “vaisseau-mère”, les éveille et leur donne pour mission d’aller explorer une planète d’où vient d’émaner un message signalant la présence d’un organisme vivant. Leur délégué –un homme dénommé Kane- découvre à l’intérieur d’une grotte obscure et chaude des formes ovoïdes par milliers. De l’une d’elles éclôt une chose –sorte de scorpion géant avec des doigts en guise de pattes- qui lui saute au visage en enfonçant un dard buccal dans son œsophage et en enroulant sa queue autour de son cou. Peu après que Kane ait été réintégré dans le vaisseau, la chose chute, telle une mue, du visage de Kane. Quelque temps plus tard, alors que Kane apparemment rétabli est attablé avec les six autres membres de l’équipage, il est soudain pris de douleurs atroces. Une créature effrayante jaillit de sa poitrine et s’enfuit en criant tandis qu’il expire. La croissance de ce bébé parasite est extrêmement rapide et sa taille devient bien vite colossale. Ripley veut faire sauter le vaisseau, mais l’officier scientifique du bord, un androïde, s’y oppose. Il est à la solde de la compagnie commerciale qui les emploie et qui, par l’intermédiaire de “Mère”, l’ordinateur du bord, lui a donné l’ordre de ramener sur terre ce spécimen -Alien- à n’importe quel prix, fut-ce celui du sacrifice de l’équipage. L’adaptabilité de cet être en fait, aux yeux des autorités de la compagnie et des militaires avec lesquels ils sont en tractations, une arme d’une valeur inestimable. Il va, de fait, exterminer tous les passagers, à l’exception de Ripley et de son chaton. L’héroïne finira par faire exploser le vaisseau contenant “mère” et, à la suite d’un dernier combat avec Alien, elle l’expulse hors de sa capsule de sauvetage.

    Deuxième épisode, cinquante-sept ans plus tard: la capsule est récupérée par la compagnie qui, entre-temps, a envoyé des colons s’installer sur la planète maudite. Ripley, une fois éveillée de l’hypersommeil dans lequel elle était demeurée jusque-là, accepte de participer à l’expédition des fusiliers marins chargés d’y retourner pour déceler les raisons pour lesquelles ces colons ont cessé de communiquer avec la terre. Ces militaires au style adolescent, des hommes et des femmes musclés et à la gâchette facile, évoquent avec délectation leurs prouesses sexuelles. Ils confieront bien vite le commandement de leur troupe à Ripley après que leur chef, un macho ridicule, se soit fait éliminer par la bête qui a décimé la colonie en établissant sa ruche en son sein: les colons ont été capturés, immobilisés dans une toile où ils ont été transformés en cocons -chrysalides suspendues au plafond- à l’intérieur desquels se développe le contenu des oeufs d’Alien. Le nid, la pouponnière de la gigantesque reine pondeuse, est gardé par des guerriers de son espèce qui s’attaquent sans répit aux membres de l’expédition, les tuant un à un. Ripley découvre une survivante, une fillette d’une douzaine d’années, Newt, dont elle va s’occuper comme de son propre enfant et qui finira par l’appeler maman. Après bien des démêlées, toutes plus sanguinolentes les unes que les autres, Ripley aura raison de la reine qui tente à toute force de lui enlever la petite fille pour la féconder. Elle découvrira alors que l’officier scientifique du bord, Bourke, avait pour unique dessein de ramener la créature sur terre après qu’elle les ait ‘engrossées’, Newt et elle. Alien ne peut, en effet, se transformer en reine pondeuse que si elle est engendrée par une femme. Ripley aidée d’un nouveau robot dénommé Évêque (Bishop), doté d’une certaine sensibilité -il préfère au terme androïde celui d’homme artificiel-, vaincra son ennemie naturelle et l’allié de celle-ci, Bourke. Restent à bord, une femme adulte, Ripley, une femme enfant, Newt, un droïde incapacité, Évêque -il a été coupé en deux par la reine-, et un seul homme en fort mauvais état, l’officier Hicks.

    Lorsque le vaisseau est récupéré au cours du troisième épisode, Hicks et Newt sont morts. Ripley qui a voyagé, comme eux, dans un berceau de verre la maintenant en hypersommeil, est une fois de plus la seule survivante. Elle ressuscite le droïde qui, après lui avoir avoué les desseins de la compagnie, la prie de le déconnecter pour ne pas être contraint d’y participer. Ripley a échoué dans une raffinerie-pénitentier intergalactique dont la population est uniquement masculine: vingt-cinq prisonniers possédant un double chromosome Y qui sont des meurtriers et/ou des violeurs de femmes et de fillettes, le directeur, ridiculement autoritaire, et son adjoint doté d’un QI inférieur à la normale (quatre- vingt-cinq, son surnom), enfin un médecin, lui-même ex-prisonnier (il a autrefois été à l’origine de la mort de trente-cinq personnes). Les prisonniers ont fait voeu de chasteté et constituent une sorte de confrérie religieuse au sein de laquelle la présence d’une femme est censée porter malheur. Ils seront, de fait, massacrés par la puissance mortifère qui est dans le sillage de l’héroïne. Alien, l’insecte géant prolifique, l’a non seulement suivie, mais elle l’a aussi fécondée: la compagnie abattra jusqu’au dernier des rescapés de ces hommes déchus dans sa vaine tentative pour sauver Ripley devenue l’écrin du joyau le plus précieux, la reine Alien. Mais auparavant Ripley aura eu le temps d’organiser avec les prisonniers une battue qui précipite Alien vers la fonderie du centre où son sort sera scellé dans le métal en fusion. Parmi les hommes dépêchés par la compagnie se trouve Evêque, le créateur du droïde qui porte son nom. Il tente de convaincre Ripley de revenir sur terre avec eux: “Pourquoi renoncer à une vie normale, des enfants?” L’un des prisonniers lui avait fait la même suggestion: “Vous devriez vous marier, avoir un enfant.” Plutôt que de réintroduire une maternité monstrueuse et létale, Ripley préfère se sacrifier: elle s’élance dans le métal en fusion les bras en l’air, tel le Christ en croix; son bébé, la petite reine-mère jaillit alors de sa poitrine, elle l’enserre dans ses bras, telle une vierge à l’enfant, et l’entraîne avec elle dans la mort.

    Deux cents ans plus tard, deux médecins, Gediman et Wren ont réussi à cloner Ripley à partir du sang prélevé dans le chaudron infernal. Ce clonage d’une Ripley enceinte, fusionnée à la petite reine Alien, aboutit à l’émergence de deux êtres hybrides: leurs gènes se sont mélangés et elles ont acquis les aptitudes respectives de l’une et l’autre. La capacité de croissance et de remémoration de Ripley, son système de défense -un sang acide extrêmement corrosif qui lui permet de cicatriser à la vitesse de l’éclair et qui attaque les structures métalliques-, sa force, son agilité et sa rapidité sont à la mesure de ce qu’elle a perdu en émotivité: elle est bien moins concernée que dans ses vies antérieures par les périls que sa descendance fait peser sur l’humanité. La reine Alien a, pour sa part, acquis par son hybridation avec Ripley un système reproducteur complet: elle a hérité d’une matrice qui lui permettra d’accoucher, non sans douleurs atroces, d’un fils mi-insecte mi-humain. Malheureusement celui-ci la décapitera dès sa mise au monde. Mais, entre-temps, la reine aura eu le temps de pondre des œufs d’où jailliront d’autres démons. L’avenir de l’humanité est à nouveau sérieusement compromis.

    Les apprentis sorciers de ce grand oeuvre sont des hommes, des chercheurs spécialisés dans les nouvelles modalités de reproduction, protégés par l’armée. L’action de ce quatrième épisode –La résurrection– se déroule dans un vaisseau spatial de recherche médicale, un univers aseptisé d’hommes en blanc encadrés par des soldats armés jusqu’aux dents. La première scène nous confronte au processus alchimique qui est en cours: de la soupe primordiale d’ADN émerge la nouvelle Ripley accolée à son bébé. Quelque temps plus tard, nous sommes amenés à assister à l’extraction chirurgicale, par césarienne thoracique, de la reine pourvue déjà de toutes ses dents. Les parents adoptifs, Gediman et Wren, et le reste du personnel médical se penchent avec émotion, tels les rois mages, sur ce nouveau-né miraculeux qu’ils s’empressent d’enfermer dans un flacon. Ils hésitent à maintenir en vie la mère qui représente, aux yeux du général, un danger potentiel: ne va-t-elle pas essayer, une fois de plus, d’exterminer Alien, son adversaire de toujours? Les médecins, espérant qu’elle les aide à percer plus avant les mystères de la procréation, la sauvent. Bien mal leur en prend: la mère n’est-elle pas l’ennemi éternel de l’homme, l’empêchant sans relâche d’accaparer la fonction reproductrice féminine, la grossesse, qui est son exclusive? De fait, Ripley se transformera à nouveau en commandante en chef du clan qui anéantira sa descendance aberrante devenue, dans l’intervalle, fort nombreuse.

    En effet, des proies humaines vont être servies en pâture aux œufs de l’Alien reconstitué par hybridation: elles seront engrossées par les germes parasites et se métamorphoseront en chrysalides porteuses d’où émergera la prolifique progéniture de la reine Alien et de Ripley, sous le regard appréciateur autant que médusé du corps médical. Les militaires se sont procuré ces victimes sacrificielles en achetant les services d’une troupe de mercenaires qui les ont kidnappés alors qu’ils étaient en hypersommeil dans leurs vaisseaux spatiaux. Mais les pirates ignorent le destin de ces otages.

    Médecins et militaires agissent de concert et dans le plus grand secret: ils se dévouent aux mystères de la vie et de ses origines, c’est-à-dire à la procréation. Ces initiés qui portent l’uniforme (blouse ou costume militaire) se conforment à des règles de conduite strictes et puritaines: en leur sein, ni alcool, ni sexe. La mixité et le caractère hétéroclite et farfelu de la vêture de ces baroudeurs adolescents que sont les mercenaires permettent de les opposer point par point aux membres des groupes précédents: ils jurent, boivent, se battent, parlent sexe à longueur de temps, jouent aux cartes et écoutent de la musique rock. Parmi eux, deux femmes: l’une est la petite amie de leur chef, l’autre, à la féminité exacerbée, Call, est un robot de deuxième génération, c’est-à-dire créé –engendré- par un robot. Ces deux femmes se distinguent de la nouvelle Ripley par leur penchant à vouloir protéger leurs prochains envers et contre tout. Ces qualités féminines permettront à l’héroïne de recouvrer l’âme quelle a perdue en s’animalisant via la maternité. Tout en traitant Call de “conne dernier modèle”, car elle a été programmée pour racheter l’humanité décadente et s’avère plus sensible que “les vrais humains”, Ripley se rangera finalement à ses côtés et sauvera, une fois de plus, les hommes.

    Alors que Ripley et Call sont dans la chapelle du vaisseau, face à un crucifix, Ripley branche Call à l’ordinateur central, “père”, la forçant ainsi à substituer au programme du méchant père inhumain celui du gentil robot plus qu’humain: le compte à rebours qui aboutira à l’explosion du navire démoniaque peut démarrer. Gediman et Wren, les deux médecins, ne survivront pas longtemps à l’annihilation des pouvoirs de “leur” père: “Père, localise la perte d’énergie. Père, tu m’entends?” questionne vainement Wren. “Père est mort, sale con!” lui répond sans aménité Call. Si les femmes se montrent solidaires, les hommes sont, pour leur part, répartis en deux clans antagonistes -les ‘prosexe’, les mercenaires, et les ‘promaternité’, médecins et militaires- qui s’entre-tuent. Au terme d’une série de courses poursuites durant lesquelles un homme ensemencé accouche d’un monstre, les rescapés sont exterminés par les rejetons d’Alien qui accrochent leurs trophées aux mailles du nid de leur reine.

    Ripley chute dans une fosse tapissée de membres de sa “petite famille” grouillante. Elle jouit de ce contact intime et est conduite à assister à la mise au monde par la reine de leur fils commun.1 Le spectacle de l’accouchement est affligeant. Tout est mis en œuvre pour révéler l’aspect monstrueux de l’enfantement par voie “naturelle” et utérine. La reine qui a troqué son oothèque détachable et ‘clean’ contre une matrice gît sur le dos sur son lit de douleur composé de matières gluantes quasi-excrémentielles, “une mare pestilentielle” (Crispin & Whedon 1997: 261):

    (…) un cri retentit encore plus perçant que les autres (…). Le ventre de la reine entra en expansion (…). Ripley se crispa. Un souvenir émergeait de sa mémoire. Il m’est arrivé la même chose. J’ai accouché. J’ai été une mère, (…) Je criais en sentant mon ventre se distendre.(…) Elle regardait la reine se débattre et hurler dans la fange et le mucus, et cette parodie obscène de ce qu’elle avait elle-même vécu lui donnait des nausées. (…) le ventre enflé ondoyant, les déchirements épouvantables, la pression inexorable. La reine (…) beugla et essaya de se lever de son lit fétide. Brusquement un jet de sang jaillit tel un geyser du ventre de la reine. La femelle hurla encore (…) Ripley (…) referma ses mains sur son ventre et hurla à l’unisson. La créature qui se contorsionnait s’effondra dans l’immonde bourbier (…) Il y eut un dernier hurlement, un bruit épouvantable, et le Nouveau-né émergea des confins exigus de l’utérus maternel. La face du Nouveau-né avait incontestablement des caractéristiques humaines, trop humaines. (…) Il avait les traits de la Mort. (…) [Il] rampa sur sa mère, en direction de sa tête. La reine émettait à présent de doux roucoulements maternels, très fière de ce qu’elle avait accompli. Il se rapprocha (…) tendit brusquement sa grande main et la décapita, projetant de tous côtés des fluides corporels. Le Nouveau-né se jeta sur le corps frémissant de sa génitrice pour le déchiqueter. (ibid.: 247-251)

    Le fils prodige s’approche, en revanche, avec délectation de Ripley. “Il croit que tu es sa mère” remarque Gediman, l’un des deux médecins accoucheurs de Ripley, qui a lui-même été métamorphosé en cocon et auquel la créature s’empresse de défoncer le crâne. Les seuls hommes réchappés de ce massacre quasi obstétrical sont un handicapé physique et un simple d’esprit, Vriess et Johner. Ils participeront à l’amerrissage explosif sur terre du vaisseau mercenaire dans lequel ils ont pris la fuite en compagnie de Call et Ripley. Dans la dernière scène, les deux femmes sont enlacées, émues comme au premier jour de l’avènement du monde à la vue de leur planète une nouvelle fois sauvée du désastre, tandis que Johner embrasse Vriess sur la bouche. Mais auparavant Ripley a dû, non sans amertume, éliminer le fils qui la séduit tant: il s’est immiscé dans la capsule et elle finit par l’expulser dans l’espace où il se dissout en hurlant. Ripley, en larmes, lui demande pardon.

    Dans le mythe de Kae, comme dans celui d’Alien, nous sommes confrontés à des modes d’accouchement inhabituels et mortels: césarienne abdominale pratiquée par un magicien dans un cas, explosion ou césarienne thoracique résultant d’une invasion parasitaire dans l’autre. De même que les deux mythes aboutissent à l’accession des personnages féminins principaux à leur fonction procréatrice pleine et entière: la cheffesse de l’île aux pandanus et la reine alien mettent au monde un fils alors qu’elles en étaient initialement incapables. L’identification de Ripley, l’héroïne d’Alien, avec la reine est clairement établie: non seulement, en assistant à son accouchement, elle se remémore le sien, mais encore, le film et le livre qui en a été tiré attribuent la ‘maternité’ de ce fils, monstre qui a les traits de la mort, à Ripley. Cette identification sert donc avant tout à montrer l’aspect monstrueux, animal et mortifère de l’enfantement naturel auquel sont également associées les mises au monde des parasites par des humains dans les différents épisodes: ils sont engrossés par la bête au moyen d’une forme animale intermédiaire –l’espèce de scorpion géant qui joue le rôle d’un placenta2– et métamorphosés en chrysalide emprisonnée dans une toile. De ce point de vue, les deux mythes vont dans des sens inverses. Sur l’île aux pandanus, on part d’un accouchement artificiel, par incision, qui tend à végétaliser l’espèce humaine, auquel les mères ne survivent pas – elles sont sacrifiées – à l’accouchement naturel au travers duquel elles sont introduites à la culture. Dans l’espace intersidéral, on passe d’un accouchement naturel, qui tend à animaliser l’espèce humaine tout en l’exterminant, à la césarienne thoracique de l’héroïne qui va lui permettre de survivre à l’enfantement et d’être réintégrée à la société humaine. La gestation d’Alien a lieu en dehors d’elle, dans la cage thoracique de ses proies, et non dans le bas du corps. Cette inversion du bas vers le haut souligne tout à la fois le caractère asexué de ce mode de reproduction et l’égalité des sexes face à une matrice gravide qui est, en premier lieu, externalisée sous forme d’un œuf. L’ennemi commun aux hommes et aux femmes est ici la force génésique qui cherche à les posséder. Dans le mythe de Kae, l’aspect positif conféré à la reproduction procède de sa subordination à la sexualité et, par là, à la différence des sexes.

    Dans ce dernier cas de figure, on passe d’une atemporalité où le même se substitue au même, les filles à leurs mères, à un temps linéaire, historicisée, proprement généalogique qui requiert l’acceptation conjointe du vieillissement et de l’hétérosexualité, conditions mêmes de la coexistence des générations successives. Dans Alien, l’héroïne telle la belle au bois dormant ne vieillit jamais: elle est maintenue au même âge grâce à l’hypersommeil dans lequel elle est plongée dans l’intervalle des trois premiers épisodes, et au clonage dans le dernier; il n’y a pas coexistence de générations adjacentes puisqu’elle sacrifie systématiquement ses enfants (même la fille qu’elle a adoptée au cours du deuxième épisode ne lui survit pas3). Dans l’espace intersidéral, le temps est suspendu. À cette distinction des temporalités mythologiques, traditionnelles et postmodernes, correspond la différence des mouvements spatiaux auxquels ils sont rattachés: respectivement, horizontal, entre terre et mer, et vertical, entre ciel et terre. Cette inversion des axes spatiaux signale en fait des oppositions structurales beaucoup plus fondamentales.

    Nous avons vu que le mythe marquisien établit une corrélation entre la succession des générations et la distinction des activités et des identités sexuelles. Pour ce faire, il connote positivement la procréation naturelle en tant que processus sous-tendant la transmission d’un ordre culturel de parents à enfants. Et tout en reconnaissant l’asymétrie homme/femme sur le plan de la reproduction, il lui appose une asymétrie strictement inverse: ce sont les hommes qui initient les femmes à la part qui leur revient dans le processus reproducteur. Ainsi, à la crainte que les femmes ne puissent se reproduire entre elles en se dispensant des hommes, il substitue la crainte que les mères ne survivent pas à un enfantement où le masculin n’interviendrait pas. Et, pour asseoir la responsabilité des hommes dans le processus reproducteur, le mythe postule le primat du masculin sur le féminin. Le mythe américain emprunte des voies strictement inverses. Il attribue une valeur négative aux relations entre parents et enfants: le vieillissement est refusé et les enfants sacrifiés tandis que la reproduction est abhorrée. La valeur négative conférée à la reproduction tend à annuler la distinction entre les sexes: à la division des activités et des sphères masculines et féminines est substituée la mixité et la valeur accordée à l’homosexualité. Parallèlement, la primauté du féminin l’emporte. À l’opposition de la valeur attribuée aux rapports entre les générations dans les deux mythes, positive dans un cas, négative, dans l’autre, correspond donc l’opposition de la valeur attribuée à la procréation et la distinction des modalités relationnelles entre les sexes.

    Il y a certainement lieu d’établir un rapprochement entre les modalités relationnelles parents/enfants et hommes/femmes dans Alien. En effet, la symétrisation des rôles socio- culturels masculins et féminins – ils exercent des activités similaires dans un même univers confiné, l’intérieur des vaisseaux spatiaux – est corrélée à l’égalité des sexes face à la gestation, symbolisée par la coexistence de grossesses masculines et féminines qui se substitue à la coexistence des générations: les géniteurs sont tués par l’enfantement ou tuent leur progéniture. Même les ordinateurs de bord et les vaisseaux spatiaux auxquels est attribuée une fonction parentale – maternelle puis paternelle – sont détruits par les enfants sur lesquels ils sont censés veiller et protéger: de fait, ce sont des méchants, des “pro-maternité” assimilés à la compagnie; ils seront, en conséquence, détruits par les “pro-sexes”.

    On relèvera alors que cet ensemble de faits aboutit dans le dernier épisode à une véritable confusion des générations et des genres, confusion que condense le personnage de l’héroïne: d’un côté, elle est simultanément la grand-mère, la mère et le père du fils d’Alien; de l’autre, quoiqu’hyperféminine, elle tient la place habituellement dévolue à l’homme dans un couple hétérosexuel dans les deux couples homosexuels qu’elle constitue respectivement avec la reine et Call. C’est grâce à elle que la reine, sa fille, engendre –au lieu de pondre– et qui plus est d’un fils; la sexuation de ce mâle –humain, trop humain- étant explicitement rapportée, dans le film et dans le livre, aux rapports physiques de Ripley avec cette créature. La complémentarité des rôles que jouent Ripley et Call renvoie à la supériorité de la force physique de la première par rapport à la seconde et à sa moindre sensibilité émotionnelle, caractéristiques qui sont traditionnellement rapportées au masculin. Cette confusion des générations et des genres est intriquée à des connotations incestueuses (Ripley entretient des rapports de séduction avec sa progéniture) et homosexuelles (Ripley tente de séduire Call et le film se clôt sur la vision de leur couple enlacé et de celui des deux seuls hommes rescapés s’embrassant sur la bouche).

    On est ici confronté, en fait, à deux formes d’homosexualité. La première renvoie à la relation physique de Ripley avec sa fille, la reine Alien avec laquelle elle est fusionnée au point qu’il y a échange génétique réciproque entre elles; elles constituent ensemble une même entité féminine dédoublée, la fille représentant la fonction reproductrice de la femme et c’est elle qui sera immolée. L’autre forme d’homosexualité renvoie à la relation érotisée entre Ripley et Call, deux femmes qui représentent la quintessence de la féminité. Call se substitue à la femelle reproductrice: le dernier épisode s’ouvre sur la fusion de Ripley avec Alien et se referme sur l’image de son union avec Call. Celle-ci est un robot engendré par un robot (Immaculée Conception s’il en est …) dont le nom anglais Call évoque “celle qui secourt le monde”. De fait, c’est grâce à cet ange gardien que l’héroïne recouvre l’âme qu’elle avait perdue en s’animalisant via la reproduction. La femme robot finit par supplanter dans le cœur de Ripley la créature qui personnifie, au contraire, l’âme damnée de celle-ci: elle est plus qu’humaine et a été programmée pour sauver l’humanité. Cette seconde forme d’homosexualité est purement érotique; Ripley ne peut en aucun cas engendrer avec une femme robot et il en va, bien entendu, de même pour Vriess et Johner. Dans ce cycle mythique, on passe donc d’une mixité généralisée qui s’accommode d’une forme d’homosexualité reproductive, mais négative, à une homosexualité non reproductive et positive. La morale de l’histoire tend alors à asseoir, non la supériorité du masculin sur le féminin, mais celle de la fonction érotique sur la fonction reproductrice et à valoriser la disjonction de ces deux fonctions. Dans le mythe de Kae, on passe, en revanche, d’une homosexualité reproductive, mais mortelle à une hétérosexualité positive qui combine l’érotisme à la procréation (avant même d’être enceinte, la cheffesse apprécie fort l’agrément d’avoir un mari humain). Mais dans cette histoire-là, le sauveur de l’humanité est un homme.

    Dans Alien, le primat du féminin est mis en évidence d’une part, par le sexe de l’héroïne, d’autre part, par l’infériorité physique, morale et intellectuelle des personnages masculins tout au long du récit. L’accroissement de sensibilité des robots successifs, leur humanisation, renvoie elle-même à la transformation du genre sous lequel ils se rangent: les deux premiers ont des traits masculins et ne font pas le poids face à Ripley, même si l’un est méchant et l’autre gentil, tandis que la femme droïde est quasiment à égalité avec elle sur le plan de leurs qualités respectives.4) Dans le domaine de la robotique, dont on nous promet l’expansion, le féminin l’emporte aussi sur le masculin.

    À ces différentes oppositions structurales entre les mythes polynésien et américain, on ajoutera celle qui substitue à l’initiation masculine de Kae, celle du lieutenant Ripley. Car cette épopée interstellaire décrit aussi, d’une manière allégorique, une véritable initiation féminine. Une jeune femme est extraite de son milieu habituel -la terre-, pour être immergée dans un environnement sauvage, non domestiqué -l’espace intergalactique-, où elle doit affronter bon nombre d’épreuves douloureuses qui la confrontent à la part de sa féminité à laquelle elle n’a pas encore accédé: la maternité qui la terrifie et qui revêt, pour elle, une forme hideuse. Durant cette période liminale, elle franchit différentes étapes qui la conduisent à assumer progressivement cette autre face d’elle-même: elle est successivement mère nourricière d’un chaton, mère adoptive d’une fillette, génitrice d’une femelle puis d’un mâle non humains. L’épreuve la plus périlleuse consiste donc pour elle à intégrer à son corps l’animalité qui la consacre femme en se soumettant à Alien, son alter ego maternel, pour la faire taire à tout jamais: elle doit mourir pour renaître totalement métamorphosée, encore plus forte et féminine qu’avant. Elle peut alors être réagrégée à la société humaine avec un statut nouveau de femme pleine et entière, habilitée à vivre une sexualité libérée de toute contrainte reproductrice … à moins qu’entre temps elle n’ait pris goût à son rôle de mère. On chuchote qu’un cinquième épisode est en préparation.

    Chasser le naturel, il revient au galop

    Au cours des quatre volets de la saga Alien, le personnage éponyme, l’étranger (alien, en anglais) que doit combattre l’héroïne, a les traits d’un prédateur exceptionnel -une sorte d’insecte géant mi-fourmi mi-araignée- qui transforme ses proies humaines en cocons où déverser le contenu de ses œufs. Le seul objectif de ce monstre est de se reproduire: on ne le voit jamais ni manger ni copuler. La prédation dont il est ici question est la procréation: la bête ne dévore pas ses victimes, elle s’empare de leur corps pour engendrer. C’est un envahisseur de type cancer: il extermine de l’intérieur, en pénétrant les organismes hôtes où il se développe à la vitesse de l’éclair. L’arsenal d’Alien est constitué par son système reproducteur et son arme suprême est la grossesse: le contenu de ses œufs est implanté dans la poitrine de ses victimes par l’intermédiaire d’un organe projectile dont l’une des extrémités, boursouflée, se moule sur le visage, tandis qu’un dard, allongé tel un pénis, s’enfonce dans l’œsophage; au terme d’une gestation thoracique relativement rapide, l’accouchement du nouveau-né provoque l’explosion de l’hôte porteur.

    Cette “chose” répugnante qui a de nombreux avatars (cf. La chose, La mutante, Xtro, etc.) n’est autre que le masque hideux qui sert à désigner, dans l’Occident moderne dont les USA sont le parangon, l’aspect inhumain, bestial, invasif, en un mot parasitaire, de la procréation (cf. Moisseeff 2000a). Pour corroborer cette perspective, il apparaît utile de rappeler que l’un des enjeux, largement méconnu du grand public, de la recherche médicale contemporaine est de rendre compte du mystère du développement d’un corps étranger (alien) – le bébé – dans le corps maternel. Une version moderne, oserait-on dire, du mystère de l’incarnation. Mais cette façon de concevoir le bébé comme étranger – comme parasite prenant possession du corps maternel – n’est pas réservée aux seuls spécialistes: elle transparaît dans les films de science-fiction. Dans Alien, la grossesse est bel et bien montrée comme un processus parasitaire aboutissant à la mise au monde d’un animal, d’un autre tout à fait autre puisqu’il est extra-terrestre. Dans La mutante 1 et 2, l’enfant monstrueux est issu d’un ADN extra-terrestre: il révèle sa nature non humaine, quasi animale lorsqu’il s’apprête à engendrer, c’est-à-dire lors de sa métamorphose en prédateur à l’affût de victimes qui sont nécessaires à sa reproduction aberrante.

    De fait, l’idéologie occidentale, tend à souligner la différence existant entre l’enfant et ses parents: si père et mère sont bien censés transmettre une part de leur matériel génétique, le produit final issu de ce mélange, l’enfant, est censé, pour sa part, être différent de l’un et de l’autre grâce à la recombinaison génétique; différence qu’il s’agira de respecter afin de ne pas entraver le développement et l’épanouissement d’une personnalité parfaitement originale. La recherche génétique et les manipulations dans l’ordre de la reproduction qui lui sont rattachées s’évertuent donc à lever le voile sur le mystère des origines et de l’incarnation. Étant donné la large publicité qui leur est faîte dans les différents médias, il n’est pas surprenant qu’elles donnent lieu à des élaborations symboliques faisant écho aux préoccupations du grand public, telles que les œuvres de science-fiction qu’il nous faut considérer, c’est du moins mon avis, comme une nouvelle forme de mythologie. Elles sont, dans cette optique, susceptibles de nous éclairer sur notre idéologie.

    On remarquera alors que la grossesse, cette phase de la reproduction sexuée dévolue aux seules femmes, confine à une asymétrie quasi intolérable dans un univers culturel où la symétrisation des rôles sexuels est un idéal affiché. La science médicale s’est emparée avec succès de ce problème: faire des bébés hors du ventre de leur mère est une solution, semble-t-il, on ne peut plus adéquate. Tout se passe donc comme si les instances médicales s’étaient approprié la fonction reproductrice féminine au moyen d’une technologie de plus en plus sophistiquée qui leur confère un pouvoir grandissant en ce domaine (cf. Moisseeff 1990). L’appropriation des pouvoirs féminins est, somme toute, une thématique assez banale en anthropologie où on la retrouve au fil des rites et des mythes de contextes culturels plus traditionnels. Elle sert alors à justifier la supériorité conférée à la collectivité masculine, notamment dans le domaine de la fertilité.

    Dans le mythe d’Alien, ceux qui tentent d’accaparer les pouvoirs reproducteurs en s’emparant de la créature sont également des hommes (officiers scientifiques à la solde d’une compagnie commerciale et militaire), mais ils sont par contre, systématiquement et sans ambiguïté, situés du côté des méchants. Car l’un des paradoxes de la culture occidentale consiste à associer la reproduction –ici figurée par Alien-, moins à la perpétuation de l’espèce qu’à son anéantissement: l’extraordinaire pouvoir de démultiplication de la bête, qui sous-tend sa destructivité phénoménale, doit être mis en relation avec la crainte sans cesse réitérée d’une surpopulation annihilante. D’où l’impact recherché du titre du dossier de L’Express du 7 octobre 1999: “Le 12 octobre, nous sommes 6 milliards”. Dans la perspective du monde ‘évolué’ des sociétés industrialisées –du G7 et de l’OMC-, la démographie galopante, la fertilité incontrôlée des femmes des pays ‘en voie de développement’ –c’est-à-dire ceux dont on espère qu’ils atteindront un jour l’échelon supérieur de l’évolution– représente un danger pour l’ensemble de l’humanité: le degré d’évolution culturelle est estimé inversement proportionnel au taux de reproduction. À la différence de ce qui a généralement cours en milieu traditionnel, le malheur, voir la maladie tend, en Occident, à être référé moins à la stérilité qu’à un excès de fertilité.5Thème qui est loin d’être moderne: on se souviendra ici du célèbre pamphlet de Jonathan Swift, A Modest Proposal for Preventing the Children of Poor People, from Being a Burthen to their Parents datant de 1729, où l’auteur suggère avec son humour froid et ravageur de résoudre la misère de la surpopulation par l’anthropophagie.

    On ne jugera donc pas anodin que, près de trois siècles plus tard, l’un des sous-titres du dossier de L’Express consacré au ‘problème’ démographique soit “La stérilisation est devenue le premier moyen mondial de contraception”. Maîtriser la reproduction des pauvres, des ‘sous-évolués’, en contrôlant le ventre de leurs femmes est, en effet, devenu l’un des objectifs majeurs du monde ‘civilisé’ (cf., entre autres, la conférence du Caire orchestrée par l’ONU en 1995). Face aux risques supposés dramatiques d’un surpeuplement terrien auxquels une reproduction naturelle, non jugulée, est censée exposer l’humanité, la stérilisation apparaît comme un moyen conjuratoire efficace, laissant augurer, au seuil du troisième millénaire, de l’avènement du meilleur des mondes tel qu’il fût dépeint par Huxley dès 19326. Dans cet univers utopique, seuls quelques sauvages survivant dans des réserves lointaines usent encore de la maternité, au grand dam des “civilisés” dont l’une des devises favorites est: “la civilisation, c’est la stérilisation”(1978: 130 et 141). Nous n’en sommes pas si loin: après la réunification, des centaines de femmes originaires d’Allemagne de l’Est se sont fait stériliser pour obtenir plus aisément un emploi (Manier 1995: 10). L’égalité économique et sexuelle a un même coût: celui de l’abandon ou de la mise à l’écart de la fonction maternelle, c’est-à-dire de sa maîtrise infaillible. Celle-ci a pour corollaire l’accession au plaisir sexuel: dans Le meilleur des mondes, les civilisés s’adonnent à volonté aux joies d’Éros libéré de tout risque reproducteur (cf. Moisseeff 2000b), les bébés étant fabriqués en flacon, au besoin clonés, dans des centres “d’incubation et de conditionnement”, de ‘procréation médicalement assistée’ dirions-nous plus pudiquement aujourd’hui. “Homos, le droit d’être parents” était le titre de couverture du numéro de L’Express évoqué ci-dessus. L’accession des homosexuels à la parentalité, par le biais de l’adoption et des nouveaux modes de procréation, souligne la disjonction possible et effective, dans notre monde actuel, entre sexualité et procréation. On voit que la science-fiction peut revêtir une forme prophétique nous enjoignant à la reconnaître comme un objet anthropologique au sens propre.

    Or, précisément, dans le domaine de la science-fiction, Alien pourrait être considéré comme la suite logique du Meilleur des mondes: tout s’y passe comme si Dame Nature –la procréation sous le visage du monstre– revenait hanter les humains qui l’ont désavouée en séparant sexualité et procréation. Les méchants, comme il se doit, sont ceux qui tentent de récupérer à leur profit la bête perçue comme l’arme suprême destinée à assujettir les populations. Ce sont, nous l’avons vu, des hommes. Le héros susceptible de déjouer les méfaits du monstre et de ses alliés est, en revanche, une femme. Si la menace qui pèse sur l’humanité renvoie à la transmission des pouvoirs reproducteurs féminins de mère en fille, alors seule une femme possédant la capacité d’enfanter et refusant néanmoins de l’exercer, est à même d’incarner la force victorieuse sur le dragon procréateur.7 Cette héroïne, le lieutenant Ripley, devra emprunter une trajectoire particulière au cours de laquelle elle affrontera des épreuves de plus en plus périlleuses dont l’ultime est la mort. Elle pourra alors renaître totalement métamorphosée et encore plus forte et féminine qu’avant. Ce symbolisme de la mort et de la renaissance, si caractéristique des rites d’initiation masculine en d’autres temps et en d’autres lieux (cf. Moisseeff 1987, 1995, 1998), renvoie ici à une initiation féminine. Cette inversion signe on ne peut mieux la modification du rôle des femmes dans les sociétés occidentales modernes: elles sont susceptibles d’accéder à un statut social aussi valorisé que celui des hommes, à la condition expresse de mettre de côté leur rôle maternel.

    Dans la mythologie hollywoodienne, l’ennemi du futur est clairement désigné comme la procréation: déchue de ses droits naturels, elle flotte en quelque point de l’espace, en dehors de ‘notre’ système solaire, et tente à toute force de revenir sur terre, chez ses chers humains qui l’ont désavouée. Cette mythologie fait des emprunts incontestables à la mystique judéo-chrétienne: Ripley, en engendrant les deux sexes d’Alien, combine les fonctions attribuées à Adam et Marie. Elle personnifie aussi la rédemption, mais, en contraste avec le Christ, au lieu de monter aux cieux, elle en redescend: la terre où l’on s’adonne à tous les plaisirs charnels est ici le paradis, tandis que le ciel, peuplé de monstres en tous genres, est l’enfer. Dans cette optique, Dieu en créant la mère de tous -Ève- a fait basculer les hommes de l’Eden vers l’Enfer en condamnant l’humanité au mal absolu, la grossesse: pour accéder à la spiritualité orgastique du Meilleur des mondes, les humains devront la sacrifier. Ils font donc appel aux grands prêtres de la médecine, des gynécologues-obstétriciens auxquels ils ont conféré un pouvoir de vie et de mort sur la maternité. Certains sont bons: ils exorcisent la possession maléfique. D’autres sont mauvais: ils tentent par des pratiques occultes de s’approprier la force génésique féminine pour dominer le monde; ce faisant, ils ouvrent la boîte de Pandore et sont détruits par leurs démons. Les chevaliers de l’apocalypse sont les scientifiques flanqués des militaires et des marchands du temple (la compagnie commerciale). Les anges qui déjoueront leur objectif sont des individus déchus, des criminels qui, en s’attaquant aux femmes, se sont trompés de cible, des adolescents attardés adorateurs du sexe (Les fusiliers marins du deuxième épisode et les mercenaires du quatrième), des robots en révolte qui ont été engendrés, non par une mère, mais par une machine. À leur tête, la femme, la vraie, une rebelle: elle deviendra mère à son corps défendant, mais immolera la fille et le fils prodiges par lesquels la procréation féminine, Alien, risque de venir hanter à nouveau les humains.

    On conviendra, je l’espère, de la pertinence qu’il y a à comparer deux mythes appartenant à deux aires et deux ères bien différentes. Cet exercice apporte incontestablement un éclairage particulier sur les transformations qui sont à l’œuvre sur le plan de la reproduction et des rapports entre les sexes dans nos sociétés. Et on aura remarqué que, dans tous les cas, une femme initiée en vaut deux: aux Marquises, la mère y gagne une fille tandis qu’aux Amériques, Ripley y gagne un super-robot… Deux morales distinctes qu’il nous faut peut-être méditer ensemble.

    Article initialement paru en 2003 in A. Babadzan (éd.), Insularités. Hommage à Henri Lavondès. Nanterre, Société d’Ethnologie: 79-107, et sous une forme abrégée “Alien ou le retour d’un mythe polynésien”, Nouvel Observateur Hors Série ‘Lévi-Strauss et la pensée sauvage’, juillet 2003: 82-85 et Le siècle de Lévi-Strauss, 2008, CNRS Editions, Paris: 157-164. Paru en anglais in S. Dunis (ed.) Sexual Snakes, Winged Maidens and Sky Gods: Myth in the Pacific, An Essay in Cultural Transparency, 2008, Editions Haere Po, Pape’ete: 141-154.

    Notes

    1. Une explication communiquée sur internet précise, en effet, que Ripley est le catalyseur indispensable à l’acquisition par sa fille, la reine, d’une matrice et à la sexuation de ce dont elle accouche. Ripley et sa fille devaient même avoir un contact plus ou moins sexuel censé déclencher le processus de transformation de la reine (cette scène aurait été supprimée du scénario final). Si Ripley est, de ce point de vue, à la fois la grand-mère, la mère et le père de cet être mi-insecte mi-homme, tout est fait pour nous démontrer qu’elle est en fait la véritable mère et elle se définit elle-même comme telle vis-à-vis de tous les aliens nés sur le vaisseau. Les spectateurs et les critiques ne s’y sont d’ailleurs pas trompés: “A la fin du film, nous assistons à l’incontournable face-à-face entre la belle et la bête, à ceci prêt que l’une est la mère et l’autre est le fils.” (Thoret & Vérat 1997: 23)

    2. Je suis reconnaissante à Dimitri Karadimas d’avoir attiré mon attention sur ce fait.

    3. Dans le livre tiré du quatrième épisode (cf. Crispin & Whedon ib.), et à la différence de ce qui est sous-entendu dans les films, Ripley est censée avoir eu une fille sur terre, mais elle ne l’a pratiquement pas connue et celle-ci ne lui a, bien entendu, pas survécu.

    4. Le choix de deux stars hollywoodiennes de notoriété équivalente, Sigourney Weaver et Winona Ryder, n’est, dans cette perspective, pas anodine.

    5. Rappelons que dans Le nouveau Petit Robert (1995), le terme lapinisme signifie: “Fécondité excessive (d’un couple, d’un peuple)”. Dans les sociétés exotiques étudiées par les ethnologues, on qualifie rarement voire jamais une fécondité d’excessive. Son évocation dans les sociétés occidentales modernes, et certainement dans la nôtre, en témoigne cette expression, est associée non seulement à une forme de maladie, mais aussi à l’animalité: ‘Ces gens-là se comportent comme des animaux!’, entend-on parfois. La forte prolificité du lapin le qualifie pour évoquer tout à la fois la maladie de l’excès de fécondité et l’animalité à laquelle elle confine. Maladie bien particulière puisqu’elle est censée affecter non seulement les couples, mais également les peuples, en l’occurrence ceux qui ne sont pas à égalité sur l’échelle de l’évolution: les pauvres, les sauvages, ceux en voie de développement.

    6. Rappelons que pour Huxley, les risques de la mise en place “d’une dictature scientifique” à même d’imposer une stérilisation généralisée découleraient des conséquences inéluctables d’une surpopulation, ce qu’il explicite dans Retour au meilleur des mondes publié en 1958.

    7. La dédicace énigmatique de Crispin (1997) à Sigourney Weaver, l’actrice interprétant le rôle de la combattante en titre d’Alien, n’en est pas moins éclairante à cet égard: “Nous la remercions d’avoir créé un personnage de héros féminin qui nous inspire à tous du respect. Après tout, le premier ‘héros’ a été une femme.” Mais le héros ici évoqué était-il Ève, Marie ou Lilith? Après tout, leur héroïsme peut être vu comme découlant de l’innovation qu’elles ont apportée en matière de fonction maternelle. Et, de ce point de vue, Ripley leur ressemble: elle finira par accoucher via césarienne thoracique d’un extraterrestre après avoir elle-même été clonée. Ce personnage condense en quelque sorte les caractéristiques de ces trois héroïnes originelles auxquelles il faut ajouter Médée: elle est, à son corps défendant, contrainte à assumer une maternité douloureuse et aberrante et, après avoir détruit la progéniture de son alter ego plus prolifique qu’elle, elle finira par sacrifier sa fille et son fils.

  • De l’île aux femmes polynésienne à l’Alien américaine (1)

    De l’île aux femmes polynésienne à l’Alien américaine (1)

    «Car au temps jadis, la mère avait la puissance (mana). (…) c’est la mère qui était le réceptacle (‘oto). (…) C’est elle qui est le réceptacle où est déposé (vai’ia) l’enfant. Comment pourrait-ce être la puissance (mana) du père? Il s’écarte (tapae) et c’est fini!»
    Vari’i, Enregistrement Henri Lavondès 1966 – A – 24

    Je suis toujours émue au souvenir de la première rencontre qui scella mon amitié avec Henri Lavondès alors que je poursuivais mon initiation à l’ethnologie. Lui ayant fait part avec véhémence d’un différend que j’avais avec l’un de mes professeurs, il m’avait dit “Venez déjeuner demain avec moi, vous m’en parlerez et vous verrez que vous n’aurez nul besoin ultérieur de vous fourvoyer dans une dispute.” Parlâmes-nous d’ethnologie le lendemain? Je ne sais pas. Je me rappelle par contre de ma découverte émerveillée de la machine à polir les cailloux qu’il me montra ce jour-là! Quelques années plus tard, c’est muni d’un altimètre qu’il me fît découvrir avec mon mari les recoins secrets de la garrigue environnant Uzès qu’il avait découverts et qu’il aimait tant parcourir avec ses solides chaussures de marche. Des chaussures qui, j’en suis sûre, le menèrent jusqu’en Polynésie et, probablement, sur bien d’autres sentiers encore. D’autres années passèrent – l’initiation à l’ethnologie est longue, on le sait … -, et c’est avec une lettre enfouie au plus profond de mon portefeuille dans laquelle il me disait qu’il me tiendrait les pouces à l’heure de mon audition, que je me présentai devant le jury du CNRS. Autant de petits cailloux aux couleurs chatoyantes et inattendues représentant l’attention discrète, mais profonde dont Henri savait entourer ses élèves et amis.

    Son invitation à faire de temps à autre l’école buissonnière tendait à prouver, contre la célèbre fable, que le plus court chemin pour arriver à son but n’est pas toujours celui que l’on croit. Aussi oserai-je aujourd’hui, pour lui rendre hommage, essayer d’établir un lien entre deux mythes appartenant à des aires culturelles fort distinctes: la Polynésie d’autrefois et l’Amérique d’aujourd’hui. Le premier renvoie au motif de l’île aux femmes, “très répandu en Polynésie et sans doute ailleurs dans le Pacifique” (Lavondès 1975: 411); Lavondès en a recueilli plusieurs versions aux Marquises dont l’une, celle qui sera rapportée dans cet article, est présentée dans sa thèse d’État intitulée Terre et Mer. 1Le second renvoie aux quatre films que le cinéma américain a consacrés au combat mené par le lieutenant Ripley, une héroïne féminine, contre son ennemi dénommé Alien2; ils constituent une épopée bien connue d’un large public occidental; l’intrigue se situe dans l’espace intersidéral et c’est l’opposition Ciel/Terre qui est ici pertinente.

    Alien et L’île aux femmes n’ont a priori rien à voir l’un avec l’autre. Je tenterai néanmoins de montrer que tous deux décrivent un parcours initiatique autorisant les femmes à accéder à leur fonction procréatrice sans que celle-ci ne les tue définitivement. De ce point de vue, ils correspondent à des élaborations culturelles qui, bien que différentes, procèdent d’un même fait clairement établi et non moins scandaleux: “la différence fondamentale qui existe entre les rôles biologiques incombant à l’un et l’autre sexe dans les activités de reproduction.” (ibid.: 410), Car, “bien que les humains soient de deux sortes, de deux ‘espèces’ sexuelles différentes (…) la part qui échoit aux hommes dans le processus de reproduction est dérisoire (…)” (ib.: 417). De là “cette universalité dans le temps et dans l’espace de la réflexion sur la dichotomie sexuelle [qui] montre la place centrale que ce thème occupe dans le dispositif de la culture.” (ib.: 428) D’où le rapprochement, “téméraire, mais non absurde”, que Lavondès (ib.: 427-428) avait établi entre certains mythes polynésiens et Le Banquet de Platon, entre les travaux de Leroi-Gourhan pour la préhistoire et ceux de Balandier pour l’Afrique, maîtres auprès desquels il s’était formé à l’anthropologie. D’où … une certaine légitimation à mettre en parallèle un mythe marquisien avec une superproduction hollywoodienne, moins d’ailleurs pour rendre compte des représentations ayant cours aux Marquises – n’étant pas une spécialiste de la culture polynésienne, je n’y prétendrai pas – que pour souligner la spécificité de nos propres représentations concernant la procréation qu’Alien, quoique d’origine américaine, me semble illustrer parfaitement.

    Le rapprochement des deux mythes, marquisien et américain, permet, en effet, de mettre en évidence une série d’inversions structurales (héros/héroïne, initiation masculine/initiation féminine, accession à/forclusion de la maternité) auxquelles on peut faire correspondre la distinction des modalités d’appréhension et de traitement de la maternité et, par là, de gestion des relations hommes/femmes, en milieu traditionnel et occidental moderne.

    Pour être mieux à même d’apprécier l’exotisme à l’envers de la planète de la super- femme qu’est le lieutenant Ripley, nous allons d’abord explorer les richesses de l’île aux femmes qui nous ont été léguées par Lavondès au travers du mythe de Kae. Il m’est plaisant de faire ainsi un dernier clin d’oeil à mon initiateur puisque c’est précisément avec lui que j’ai fait mes premières armes quant à l’analyse des rites d’initiation.

    Quand l’homme vient aux femmes

    Devenu veuf, Kae s’associe à l’expédition maritime d’un autre chef qui parcourait les mers en quête d’une épouse. Jaloux de la beauté de Kae, l’autre chef, qui était fort laid, l’abandonne en pleine mer dans un plat rond en bois.
    Les courants entraînent Kae jusqu’à ‘l’île aux pandanus’ qui n’était peuplée que de femmes dont les maris étaient des racines de pandanus. Quand elles étaient enceintes des enfants que leur donnaient les racines de pandanus, un magicien qui était habité par un démon, un sorcier, leur incisait le ventre et l’ouvrait. La mère mourait, l’enfant vivait, mais les enfants étaient toujours des filles. C’est pour cela que cette île n’était peuplée que de femmes et qu’il n’y avait point d’hommes, sinon ce magicien. Mais c’était un démon malfaisant.

    La cheffesse de cette île était une femme qui ne faisait pas l’amour avec des racines de pandanus. “Elle ne devenait pas enceinte, car elle était la cheffesse. Le magicien n’allait pas la chercher.” Un jour, en allant sur la plage avec ses compagnes, elle découvre Kae. Elle le ramène en sa maison et apprécie fort l’agrément d’avoir un mari humain.

    Kae lui demanda pourquoi il n’y avait point d’hommes en ce pays. Elle lui expliqua que c’étaient les racines de pandanus qui en tenaient lieu et que les femmes n’accouchaient que de filles, et que c’était le magicien qui faisait l’incision. “Assez d’incisions! Lorsque viendra le moment de l’accouchement, les femmes accoucheront de leurs enfants. Lorsqu’elles ressentiront les douleurs, on les fera accoucher, on leur fera faire des efforts. Lorsque viendra le magicien, qu’on le chasse, conduisez la femme auprès de moi, c’est moi qui ferai le travail.” Désormais, lorsqu’une femme éprouvait des douleurs, on la transportait chez Kae. L’enfant venait au monde sans que meure sa mère. Le magicien fut chassé. Ces femmes étaient très heureuses, car les enfants venaient bien au monde. La femme de Kae, la cheffesse, se trouve enceinte de son mari. Un jour, en épouillant la tête de celui-ci, elle y découvre un cheveu blanc. Kae, après lui avoir demandé de nommer leur enfant, lorsqu’il naîtrait, ‘Le cheveu blanc poussé à Kae’, décide de rentrer dans son pays. Ce qu’il fait, transporté par un dauphin fourni par la cheffesse. Après le départ de son mari, la cheffesse met au monde un fils qui, devenu grand, harcèle sa mère pour savoir qui est son père. Il part le retrouver sur le dos d’un autre dauphin appartenant à sa mère. Dans son pays, Kae avait un élevage de cochons et des plantations pour son fils. Toute la propriété était entourée d’un mur de pierres que le fils de Kae, en fuyant les gens qui l’approchaient, fait s’effondrer. Le jeune homme est rattrapé, attaché et jeté dans un four en terre où on le lapide en s’apprêtant à l’y faire cuire. “Ma mère, dit-il en pleurant, m’a révélé que Kae, mon père, habite ici. C’est pourquoi, je m’appelle ‘Le cheveu blanc poussé à Kae’”. Kae est alors à même de reconnaître son fils et de le sauver. (Lavondès, 1975, I: 412 et II: 227-246) 3

    Le héros qui donne son nom au mythe, Kae, est un homme. C’est en tant que tel qu’il rencontre un premier antagoniste en la personne d’un autre chef avec lequel il s’était tout d’abord allié, et qui le chasse en mer. Puis, c’est lui qui chasse le magicien de l’île aux pandanus, afin de permettre à ses habitantes de survivre à la mise au monde de leurs enfants. Après être devenu un père potentiel, lorsque la cheffesse est enceinte de lui, il se chasse lui- même, si l’on peut dire, lorsque sa femme lui révèle l’apparition de son premier cheveu blanc. Le fils de Kae, à son tour, quitte sa mère pour rejoindre son père. Celui-ci peut le reconnaître comme son alter ego, une fois qu’il a décliné le lien de filiation qui les rattache l’un à l’autre. Le mythe semble indiquer que, pour devenir un homme véritable, admis au sein de la collectivité masculine, il faut tout d’abord quitter l’univers maternel, affronter les mers et les étrangers, et accepter de devenir père, c’est-à-dire passer du statut d’enfant à celui de parent. Or, avant d’accoster sur l’île aux femmes, Kae se montre incapable de passer d’une génération à l’autre: sa première femme meurt avant qu’il ne lui ait donné un enfant; bien que veuf, il demeure aussi beau qu’un adolescent; “Kae, commente Lavondès, est un homme au seuil de la vieillesse qui persiste à se conduire comme un Ka’ioi (jouvenceau)” (ib.: 413).

    De ce point de vue, la trajectoire empruntée par Kae, faite d’allers-retours entre terre et mer, évoque les différentes étapes d’une initiation masculine: Kae quitte son pays pour rejoindre la mer où il subit une première épreuve périlleuse, celle de la pleine mer qu’il doit affronter sur un vaisseau bien précaire, un plat en bois; il vit une période de marge dans un espace peu ordinaire – essentiellement féminin – où il doit sauver des femmes aux prises avec un démon; il accède alors à la paternité et peut retourner dans son pays en affrontant, une fois de plus, les mers, à dos de dauphin; au terme de ces épreuves, Kae est réagrégé à la société globale, celle des humains ordinaires où coexistent, quoique dans des espaces distincts, les univers masculin et féminin. Il devient alors le représentant de la collectivité masculine, un véritable chef, susceptible d’introduire son fils au monde bisexué auquel, dorénavant, ils appartiennent tous deux. Mais, en passant du statut d’homme sans enfant à celui de père, Kae doit accepter de passer d’une génération à l’autre, c’est-à-dire se résigner au vieillissement symbolisé par l’apparition de son premier cheveu blanc: l’enfant mérite donc bien le nom que son père lui donne, ‘Le cheveu blanc poussé à Kae’, puisqu’il fait franchir à celui-ci un cran sur l’échelle généalogique. Ce faisant, Kae accède enfin à la maturité: il rejoint alors le pays des hommes où les pères travaillent pour produire des richesses, des biens à transmettre à leurs enfants.

    Mais ce qu’il y a de plus remarquable dans ce récit, c’est que l’initiation masculine, l’accession à la maturité masculine via la paternité, est posée comme interdépendante de l’initiation féminine: Kae, avant de devenir père, initie les femmes aux modalités de l’accouchement ‘naturel’, proprement humain, et à ses souffrances. Il incarne l’altérité sexuelle qui, jusqu’à son arrivée fait cruellement défaut sur l’île aux pandanus. En effet, sur ce territoire exclusivement féminin, l’altérité à laquelle sont confrontées les femmes n’est pas de nature humaine, sexuelle: elle renvoie d’un côté, à des végétaux, les racines de pandanus, et de l’autre, à un démon, le magicien. La reproduction s’y effectue, en conséquence, sur un mode quasi végétal, parthénogénétique: les femmes n’y donnent naissance qu’à des femmes, le même engendre le même; mère et fille constituent ensemble une même entité dédoublée que le magicien-jardinier scinde en deux, la première devenant la dépouille de la seconde. La jeune pousse conçue avec une racine de pandanus est alors transformée en bouture qui vient en place de sa mère à laquelle elle se substitue entièrement.

    L’absence d’altérité sexuelle proprement humaine renvoie à l’incapacité pour les femmes de se reproduire sans mourir immédiatement: la coexistence de générations successives est impossible. Pour survivre à l’enfantement et passer ainsi d’une génération à l’autre, les femmes doivent s’adjoindre les services, non d’un magicien, mais d’un homme véritable qui les introduit à l’altérité sexuelle. Celle-ci conditionne leur accession à une fonction maternelle pleine et entière qui leur permet d’engendrer, non seulement leurs semblables, les filles, mais également les compléments sexuels de ces dernières, les garçons. Il en va ainsi pour la femme de Kae. Bien qu’elle possède un statut équivalent à celui de son mari, il est chef et elle est cheffesse, leurs identités sexuelles respectives instaurent une différence radicale entre eux: il est un homme, elle est une femme et, sur ce plan, ils sont parfaitement complémentaires. C’est à ce titre que ces deux individus qui, avant d’être mis en relation, n’avaient pas d’enfant, s’initient mutuellement à leur fonction parentale respective. Car la femme de Kae initie autant Kae à sa fonction paternelle qu’il l’initie lui-même à sa fonction maternelle: en introduisant sa femme à la sexualité humaine, il la transforme dans le même temps, de vierge et sans enfant, en mère d’un fils.

    Une confrontation réelle entre les sexes, c’est-à-dire susceptible de générer la vie et d’assurer sa continuité, impose qu’ils puissent procréer ensemble: l’enfant issu de cette rencontre sexuelle est le maillon entre les générations et les sexes. Le jouvenceau Kae et le magicien sont tout à la fois incapables d’assumer ce type de rapprochement avec l’autre sexe et de se situer dans une temporalité historique. Ils sont en conséquence responsables de l’absence de survie des femmes auxquelles ils ont affaire: la première femme de Kae meurt à l’instar des femmes incisées par le magicien, celle-là n’a pas de descendant et celles-ci sont simplement remplacées par leurs jeunes pousses, leurs filles venant simplement se substituer à elles au lieu de les insérer dans une chaîne généalogique. A l’inverse, la rencontre effective entre les sexes au travers de la reproduction, pour Kae comme pour sa deuxième femme – tous deux, en tant que chefs, étant les représentants symboliques de leur groupe d’appartenance sexuelle -, sous-tend l’accession à la génération supérieure: l’étape du vieillissement s’intercale entre la jeunesse et la mort; elle les intègre à une temporalité historique en rendant possible la coexistence des générations sur laquelle se fonde l’organisation sociale; la transmission culturelle, c’est-à-dire des règles et des principes sociaux propres à un ensemble culturel, de parents à enfants, vient compléter la transmission des éléments paternel et maternel constitutifs de la personne. De ce point de vue, la naissance d’un enfant issu de la conjonction intime de sexes différents garantit la survie, sinon physique du moins culturelle, de l’un et l’autre sexes.

    Le motif de l’île aux femmes décrit le passage d’un univers homosexué et féminin, atemporel, où l’autre du féminin est d’une espèce différente – c’est un végétal (une racine de pandanus) – à un univers différencié tant sur le plan des espèces – le végétal et l’humain ne se confondent plus – que sur le plan du genre: l’autre du féminin, au sein de l’espèce humaine, est le masculin. L’introduction du masculin au sein du féminin fait accéder l’humanité menacée de végétalisation à une temporalité généalogique qui sous-tend l’ordre culturel.

    La succession des générations est, aux dires du mythe, subordonnée à la reproduction sexuée, c’est-à-dire à la rencontre de deux sexes complémentaires qui participent conjointement au processus reproducteur. Mais à cette conjonction doit succéder, poursuit le mythe, une disjonction: dans un second temps, la femme de Kae doit accepter de voir s’éloigner d’elle son mari et son fils. En effet, dans les activités ordinaires de ce milieu traditionnel polynésien, les sphères masculine et féminine sont maintenues à distance l’une de l’autre; en fournissant les dauphins qui véhiculent son mari et son fils jusqu’à la terre des hommes, la cheffesse – la représentante de la collectivité féminine – témoigne de sa soumission à cette loi. Ainsi, pour qu’un fils devienne, à son tour, un homme adulte susceptible d’avoir des enfants avec d’autres femmes, il lui faut tout d’abord quitter sa mère et le monde féminin qui l’entoure. La séparation des contraires, mère et fils, hommes et femmes, est un prérequis indispensable à leur conjonction fertile ultérieure: la complémentarité sexuelle qui sous-tend la reproduction humaine exige la réunion de ce qui a été préalablement séparé4. Ce va-et-vient entre le masculin et le féminin est magnifiquement symbolisé par le flux et le reflux de la mer qui, tout en maintenant la distance entre les espaces insulaires qu’elle disjoint, permet également de la combler (il suffit pour cela de l’affronter): les flots qui soustraient Kae à sa femme sont ceux-là mêmes qui l’ont mené jusqu’à elle.

    Le postulat mythique selon lequel les initiations masculine et féminine sont interdépendantes vise à rappeler, semble-t-il, le caractère inéluctable de la conjonction des sexes pour que l’un et l’autre accèdent à la part spécifique qui lui revient dans le processus reproducteur. “Car, selon Lavondès, en désaccord avec ce qu’expose Platon [dans Le Banquet], les penseurs polynésiens se seraient probablement bien accommodés d’une humanité radicalement divisée selon la dichotomie sexuelle en deux moitiés autonomes, comme elles tendent effectivement à l’être dans la société, une humanité où les femmes mettraient au monde des femmes et où les hommes donneraient naissance à des hommes.” (ib.: 417) Le mythe restaure l’incontournable vérité: la fonction procréatrice masculine se réalise dans un corps féminin, les hommes ne peuvent accoucher de leurs semblables et, bien moins encore, de leurs opposés sexuels. Le fils de Kae est né d’une femme et cette femme est elle- même née d’une femme. Mais tout en rappelant cette asymétrie naturelle en faveur des femmes imposée par la grossesse, le mythe lui oppose non seulement la complémentarité des sexes, mais aussi une asymétrie strictement inverse en faveur des hommes qui seraient seuls habilités à introduire les femmes à la culture: Kae culturalise la nature représentée par les racines de pandanus et le démon qui habite le magicien, en substituant au couteau de l’horticulteur, des modalités obstétricales plus appropriées à l’enfantement humain (“on les fera accoucher, on leur fera faire des efforts”; toute cheffesse qu’elle était, sa femme en était incapable, “c’est moi qui ferait le travail”, lui dit Kae en prenant en mains l’initiation féminine). De ce point de vue, Kae accomplit une trajectoire initiatique beaucoup plus complète que celle de son épouse: d’une part, c’est lui qui vient à elle, de l’autre, il passe de l’état de novice à celui d’initiateur. L’altérité masculine incarnée par Kae sous-tend la responsabilité qui incombe aux hommes sur la fertilité de l’ensemble des femmes. Ainsi, par une manipulation symbolique coutumière en milieu traditionnel (Moisseeff 1995, 1998), on passe de l’englobement naturel du masculin par le féminin à l’englobement culturel du féminin par le masculin: sans hommes, les femmes demeureraient arrimer à une nature dangereuse, car les pouvoirs féminins sont potentiellement létaux s’ils ne sont pas domestiqués; pour engendrer ces libérateurs qui subordonnent la nature à la culture, elles doivent précisément en passer par les hommes.

    L’histoire de la transformation conjointe des modalités procréatrices et des relations hommes/femmes – au travers, notamment, du contrôle, voire de l’appropriation, des pouvoirs féminins par les hommes – est un thème mythique universel: pour que l’engendrement du masculin par le féminin soit tolérable, il faut le subordonner à la culture dont les hommes sont les garants. Dans l’univers mythique judéo-chrétien aux éléments si prégnants dans la culture américaine contemporaine, comme nous le verrons, c’est Dieu qui accomplit ce prodige: l’incarnation d’Ève à partir de la côte d’Adam et celle du Christ à partir d’une vierge mère mettent en évidence les efforts déployés par les hommes pour culturaliser l’incontournable passage par le corps d’une femme auquel les confronte l’enfantement naturel. Si, dans la Genèse, la succession des générations est censée procéder de la fonction maternelle conférée à Ève, la place de cette dernière dans le processus d’engendrement de l’humanité est néanmoins seconde par rapport à celle d’Adam et de Dieu, le père de tous. La paternité précède et englobe la maternité et il en va, bien entendu, de même pour la figure mariale. L’une des différences remarquables de ces mythes avec celui de Kae est que le mode de procréation valorisé y est indépendant de tout rapport sexuel: l’engendrement d’Adam, d’Ève, du Christ et même de sa mère (cf. l’Immaculée Conception) se passe de toute relation de nature sexuelle. C’est aussi le cas dans le cycle mythique que nous allons maintenant considérer: la conception d’Alien ne requiert aucun rapport sexuel.

    Ce récit d’anticipation reflète admirablement l’évolution des représentations et des pratiques touchant à la reproduction dans les sociétés occidentales où les activités érotiques – la sexualité – et la procréation tendent à être appréhendées comme des domaines indépendants l’un de l’autre: pour accéder à la plénitude de la jouissance sexuelle, qui serait l’apanage de l’humanité (cf. Moisseeff 2000a et b), il faut que les individus soient ‘protégés’ des risques reproducteurs. La procréation, pour sa part, appartient au domaine réservé du ‘médicalement assisté’: ce sont les spécialistes, gynécologues et obstétriciens, auxquels le lieu et la fonction maternité sont assujettis, qui en ont la charge plus ou moins exclusive. Parallèlement, le fait d’avoir des enfants ne permet pas d’acquérir un statut social particulièrement valorisé et assumer une fonction parentale ne participe pas à la définition du statut d’adulte: les identités sexuelles adultes sont censées dériver directement des identités sexuelles de naissance et le passage des unes aux autres ne requiert aucune procédure spécifique, sinon celle de mettre à la portée des individus pubères des moyens contraceptifs efficaces, visant à prévenir la grossesse (cf. Moisseeff 1992).

    Dans le mythe de Kae, la conjonction fertile et positive entre homme et femme est associée à leur rencontre sexuelle et requiert leur séparation préalable et consécutive. Dans le contexte occidental actuel, la mixité généralisée est de règle et la disjonction intervient pour opérer une césure plus ou moins radicale, non entre les sexes, mais entre la sexualité et la procréation (cf. contraception, IVG, nouveaux modes de reproduction). Cette disjonction doit être corrélée à la volonté d’aboutir à la symétrisation des rôles sexuels: une fois évacuée la problématique procréatrice, hommes et femmes apparaissent comme occupant des positions équistatutaires.

    Dans Alien et les autres films du genre, la grossesse est assimilée à un phénomène parasitaire inexorablement mortel susceptible d’affecter les hommes autant que les femmes: à l’exception de l’héroïne, les personnages masculins et féminins sont égaux sur ce plan comme sur les autres (ils exercent ensemble des activités similaires). L’altérité ne renvoie pas, comme dans Kae, à la différence des sexes, mais à la reproduction incarnée par un monstre5. Aliens, le retour aurait tout aussi bien s’intituler Grossesse, le retour: ce type de films anticipent un futur où la gestation déchue de ses droits chercherait à réinvestir le corps des humains, quel que soit leur sexe, et la terre où elle a été désavouée. Elle est présentée comme “un survivant qui n’est pas souillé par la conscience, le remords ou les illusions de la moralité” (Alien, le huitième passager). Et, comme par hasard, dans ce monde du futur où règnent la mixité et l’égalité des sexes, seule une femme est à même de combattre cette “survivance” aberrante et immorale qu’est la grossesse. Cette nouvelle forme de mythologie fait donc ressurgir de manière dramatique ce qui tend à être occulté dans nos sociétés ‘égalitaires’: l’asymétrie primordiale en faveur des femmes au plan de la reproduction qui permet de leur attribuer des pouvoirs particuliers et exclusifs. Car s’il est un invariant qui sous-tend le travail symbolique sur la différence des sexes, c’est bien celui qui consiste à corréler plus ou moins systématiquement ces pouvoirs féminins à la notion de danger, de force occulte mortifère. L’utérus est une boîte de Pandore d’où peuvent s’échapper mille démons6.

    Dans le mythe de Kae, le démon a les traits d’un magicien qui tue les femmes qu’il accouche. Il revient à un homme, un vrai, la responsabilité de domestiquer la fonction maternelle en la subordonnant à la culture. Le travail culturel sur la différence des sexes consiste ici à inverser l’asymétrie naturelle en faveur des femmes pour asseoir la supériorité des hommes au plan socioculturel. Dans le mythe d’Alien, le démon est la grossesse elle- même et c’est une femme, une vraie, qui sera à même d’en juguler les effets. Le travail culturel sur la différence des sexes qui consiste en ce cas à symétriser leurs rôles socioculturels tend, paradoxalement, à renforcer le caractère asymétrique des positions masculine et féminine sur le plan de la reproduction: en inventant des pratiques confirmant la possibilité de dissocier sexualité et procréation, telles que les nouveaux modes de reproduction (FIV, bébés éprouvette, clones), c’est-à-dire en faisant du champ obstétrical un domaine séparé de la relation entre les sexes, on ne fait que consacrer ce qui spécifie la fonction reproductrice féminine, à savoir la phase gestationnelle. La grossesse peut alors se manifester dans l’imaginaire culturel sous la forme d’une entité autonome, scindée de son support sexuel habituel, la femme. Elle prend l’aspect d’une bête dont le masque monstrueux recouvre les pouvoirs féminins occultes et mortifères que des apprentis sorciers, des docteurs Frankenstein, tenteraient sans succès et siècle après siècle de museler. On est ainsi amené à assister au combat entre La femme et sa fonction procréatrice, moyen d’associer ce qui a été préalablement dissocié. Mais si le mythe suggère une telle éventualité, il y appose aussi une solution originale: celle d’une initiation féminine autorisant les femmes à juguler elles-mêmes leur puissance maternelle.

    C’est ce que nous allons voir maintenant en passant de l’univers insulaire et traditionnel des Marquises, à l’espace intersidéral postmoderne d’une utopie américaine.

    À SUIVRE: De l’île des femmes polynésiennes à l’alien américaine (2).

    Notes

    1. Je remercie vivement Anne Lavondès de m’avoir confiée cette thèse en vue de la rédaction de cet article.

    2. Alien, le huitième passager de Ridley Scott (1979), Aliens, le retour de James Cameron (1986), Alien 3 de David Fincher (1993), Alien, la résurrection de Jean-Pierre Jeunet (1997), Twenthieth Century Fox Film Corporation.

    3. Une première analyse de ce mythe a été présentée dans un article précédent (cf. Moisseeff 2000b).

    4. Dans son analyse des pratiques et des rituels kabyles, Bourdieu repère, dans le domaine des relations hommes/femmes, des principes complémentaires identiques: “d’une part la réunion des contraires séparés (…)  qui engendre la vie, (…) et, d’autre part, la séparation des contraires réunifiés (…).” (1980: 366-367)

    5. Alien, le terme anglais servant à désigner cette créature, recouvre différentes significations indiquant sans équivoque l’altérité redoutable à laquelle elle confronte l’humanité: étranger; différent ou séparé; censé être rattaché à des êtres appartenant à d’autres mondes; spécimen venant d’ailleurs qui a été introduit et s’est acclimaté à son nouvel habitat; hostile; inacceptable ou répugnant (Allen 1990).

    6. Le film de Brian de Palma, Carrie (1972), illustre magistralement et plus directement l’aspect terrifiant conféré encore de nos jours aux pouvoirs féminins. Carrie est une adolescente innocente terrorisée par l’apparition de ses premières règles. La suite des événements va lui donner raison: une fois pubère, son innocence se mue en une force démoniaque qui détruira tous les membres de son entourage.