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  • Sherlock Holmes, ou le surhomme détective

    Sherlock Holmes, ou le surhomme détective

    Guy Ritchie a produit en 2011 la plus récente adaptation cinématographique des légendaires aventures de Sherlock Holmes, A Game of Shadows, mettant en vedette Robert Downey Jr. dans le rôle du détective ainsi que Jude Law qui interprète le docteur Watson. Bien qu’un siècle se soit écoulé depuis les publications par Arthur Conan Doyle (1859-1930) des quatre romans et cinquante-six nouvelles (Le Bret: 189) qui relatent les aventures de Sherlock Holmes, ce personnage reste toujours aussi populaire comme en témoigne ce film qui a récolté des recettes s’élevant à plus de 186,8 millions de dollars. (Box office Mojo: 2013) Il va sans dire que ce détective est l’un des personnages de fiction les plus connus à travers le monde (Levet: 5), côtoyant entre autres Superman et Dracula, lesquels occupent une place indéniable dans l’imaginaire de plusieurs nations. Il est intéressant que ce personnage créé en 1887 dans la nouvelle Une étude en rouge (Levet: 5) inspire encore aujourd’hui autant d’auteurs, de dramaturges et de cinéastes puisqu’à «la fin des années 1970, les imitations se comptaient […] par centaines et, en 1994, Ronald Burt de Waal en a dénombré plus de deux mille» (Levet: 110).

    Cet essai s’intéresse au personnage de Sherlock Holmes et tente de cerner comment il a pu devenir un mythe toujours aussi actuel. À ce titre, plusieurs ont maintes fois affirmé qu’il rappelle le Surhomme présent dans les romans-feuilletons en France dans les mêmes années, dont le Comte de Monte-Cristo. Il est intéressant de voir jusqu’à quel point Holmes incarne la figure de ce Surhomme afin d’éclaircir le mythe holmésien. De plus, la structure narrative des récits le mettant en vedette a également été un facteur qui a contribué à la mythification de ce personnage so british.

    Le surhomme: contexte social de son émergence

    L’Angleterre du XIXe siècle a connu une période d’industrialisation et par le fait même une croissance des villes qui a été si rapide qu’il a été difficile de bien les maîtriser et les organiser. Les nombreux progrès scientifiques permettront la mise en place d’innovations techniques qui ont entre autres favorisé l’entrée en scène de la presse à grand tirage et illustrée. On tentera alors de maximiser le nombre d’exemplaires vendus quotidiennement grâce aux romans-feuilletons et à la rubrique des faits divers, laquelle traitera souvent des cas de meurtres insolites. C’est également à cette époque que naissent la police moderne et la criminologie suite à l’augmentation de la criminalité qui n’est pas étrangère à la formation de la nouvelle classe sociale prolétarienne. Cela crée un vif intérêt chez la population pour tout ce qui a trait au milieu criminel. C’est dans ces conditions sociales qu’émerge le célèbre détective scientifique Sherlock Holmes imaginé par Arthur Conan Doyle. De la même manière que la révolution industrielle symbolise le succès de la science face à la religion, Holmes incarne la victoire de la raison sur la superstition. En effet, il réussit à tous coups à résoudre les mystères qui entourent différents meurtres et n’a ainsi jamais recours à des explications surnaturelles ou mythologiques.

    [Arthur Conan Doyle] n’invente pas plus la méthode expérimentale de son détective qu’il ne lui attribue des découvertes scientifiques: tout est là, hors de la fiction. En revanche, il écrit à un moment où les découvertes scientifiques et techniques commencent à irriguer l’ensemble de la société et des disciplines –notamment la médecine et la criminalistique– et où la spécialisation dans le domaine des connaissances s’apprête à triompher(Levet: 7).

    Antonio Gramsci affirme que «le feuilleton remplace (et favorise dans le même temps) l’imagination de l’homme du peuple, c’est un véritable rêve éveillé […] de longues rêveries sur l’idée de vengeance, de punition des coupables pour les maux infligés […].» (Eco: 8) En effet, la révolution industrielle a eu un effet néfaste sur le peuple, puisque les hommes sont désormais remplacés par des machines et leur individualité se trouve réduite à un numéro d’employé. De cela découlent beaucoup de frustration et un complexe d’infériorité face à la classe dirigeante. Ces sentiments peuvent toutefois être purgés grâce à la lecture de romans-feuilletons et de romans policiers. En effet, ces deux genres paralittéraires proposent une idéologie de consolation puisque les espoirs des individus soumis à leur condition de prolétaire voient à travers le personnage l’idée d’une justice accomplie. En effet, ces romans proposent un héros unique redresseur de torts, qui secourt les infortunés et poursuit le vice de la société dégénérée. Il rejoint alors la figure du Surhomme d’Umberto Eco, qui le définit comme «un personnage aux qualités exceptionnelles qui dévoile les injustices du monde et tente de les réparer par des actes de justice privée.» (Eco: 104) À la fin du récit, le lecteur se trouve dans une vision idéalisée du monde puisque l’ordre a été rétabli par le héros, ce qui lui procure un effet cathartique.

    Le Comte de Monte-Cristo

    Umberto Eco affirmera dans son essai De Superman au Surhomme que le Comte de Monte-Cristo est la représentation littéraire du surhomme par excellence «pour un monde où chacun voulait être Napoléon.» (Eco: 212) Une comparaison de Sherlock Holmes avec cette figure du justicier s’avère ainsi pertinente pour bien saisir le mythe du surhomme holmésien.  Le Comte de Monte-Cristo imaginé par Alexandre Dumas paraît dans la presse sous la forme d’un roman-feuilleton entre les années 1844 et 1846. Il raconte l’histoire d’Edmond Dantès, un jeune homme qui a subi une trahison de la part de deux amis, Fernand et M. Danglars, qui l’ont faussement accusé d’être bonapartiste pour se débarrasser de lui. Il se fait alors emprisonner par le magistrat M. de Villefort dans le château d’If. Suite à une rencontre heureuse avec un autre prisonnier, Dantès apprend l’existence d’un trésor caché sur l’île de Monte-Cristo qu’il ira chercher après son évasion. Le reste du roman-feuilleton relate alors la vengeance de Dantès qui, désormais riche, change d’identité (devenant ainsi le Comte de Monte-Cristo), d’apparence et de vie pour se faire justice lui-même auprès de ses trois ennemis.

    Le Comte de Monte-Cristo incarne la figure du Justicier puisque Dantès nourrira d’abord un dessein de vengeance, mais qui se muera peu à peu en la certitude d’une mission à accomplir. (Eco: 92) «En effet, Monte-Cristo, prêt à la vengeance grâce au trésor de l’abbé Faria, comprend qu’il n’est plus seulement un vengeur, mais un justicier, car il possède la liberté et l’absence de détermination.» (Eco: 93) Cette liberté dont parle Eco peut être entendue non seulement sur le plan physique, c’est-à-dire que Dantès peut se rendre n’importe où à n’importe quel moment, mais également sur le plan moral, puisqu’il se situe au-dessus des lois. Il se comparera d’ailleurs à un envoyé du Seigneur qui a une mission divine à accomplir. Le Comte de Monte-Cristo incarne alors l’Autorité et la Loi et symbolise alors le Justicier du Bien (Levet: 86) contre des ennemis connus autant du lecteur que de Dantès. En effet, Dumas n’offre pas ici le récit de qui a commis la trahison, mais plutôt de comment Dantès va accomplir sa vengeance. Il est possible pour ce personnage de devenir ce Justicier puisqu’il est non seulement très riche, ce qui lui permet de se travestir, mais également plus intelligent et rusé que ses adversaires et le commun des mortels. En effet, il mettra un plan sur pied pour éliminer les traîtres qui sera si ingénieux que personne ne sera en mesure de remonter jusqu’à lui. D’ailleurs, les révélations de sa véritable identité devant ses victimes agonisantes restent encore aujourd’hui des scènes marquantes de ce récit puisqu’elles sont l’expression même de l’idéologie de consolation de ce feuilleton.

    Une des caractéristiques qui définit un Surhomme est sa capacité de se travestir afin de mieux jouer son rôle de Justicier. Dans ce feuilleton, les trois ennemis de Dantès deviennent au fil de l’histoire des gens qui appartiennent à une classe sociale noble et qui sont de ce fait difficilement accessibles. Dantès aura alors deux déguisements, soit celui du Comte de Monte-Cristo, lequel est un aristocrate étranger qui dépense sans compter pour des extravagances, et celui de l’abbé Busoni, un religieux discret qui est fidèle au Comte de Monte-Cristo et grâce auquel Dantès peut mener ses enquêtes sous le couvert de l’anonymat. C’est grâce à ses déguisements qu’il peut entrer dans l’univers et l’intimité de ses victimes et accomplir sa vengeance.

    Sherlock Holmes

    Contrairement à Dantès, Holmes est un Justicier du Vrai (Levet: 86), c’est-à-dire que le coupable lui est inconnu autant qu’au lecteur et son objectif est non pas de le punir, mais de le démasquer. En effet, il est secondaire pour le narrateur, soit le docteur Watson, de dévoiler au lecteur ce qu’il est advenu du coupable suite à sa mise en accusation par Holmes. Cette ellipse narrative est due au fait que Holmes n’est pas un Justicier qui tente de se venger personnellement, mais plutôt de débarrasser la société d’un meurtrier nuisible. Tout comme Monte-Cristo, il incarne l’autorité et la Loi, tout en se situant au-dessus d’elle. En effet, dès lors qu’il connaît l’identité du criminel, Holmes peut décider de le livrer ou non à la police. À titre d’exemple, dans la nouvelle L’escarboucle bleue, il décide de ne pas dévoiler l’identité du tueur puisqu’il le juge d’ores et déjà assez puni: «Je ne suis pas tenu par la police de suppléer son insuffisance. […] Je pense que je couvre une félonie, mais il est aussi possible que je sauve une âme.» (Levet: 87)

    Bien souvent, le détective travaille parallèlement avec la police puisqu’elle a échoué à élucider plusieurs crimes où il est amené à enquêter. Ainsi, ce qui permet de comparer Sherlock Holmes à un Surhomme est sa grande intelligence qui surpasse celle de la police et du commun des mortels. En effet, ce dernier est particulièrement versé en chimie et en médecine, mais possède quantité de connaissances en ce qui a trait à la dactyloscopie, la microbiologie, la calligraphie, etc. Il est ainsi considéré comme un spécialiste et  «il ne s’intéresse qu’à ce qui peut lui être utile et non à l’ensemble d’un domaine […].» (Levet: 64) En opposition au spécialiste, le généraliste est incarné par le docteur Watson et Mycroft Holmes est, quant à lui, le chercheur de laboratoire. (Levet: 75) En effet, le grand frère de Sherlock semble posséder des connaissances encore plus spécialisées que celles de son cadet. Or il ne se déplace pas pour enquêter sur le lieu du crime. En effet, Sherlock se rend fréquemment sur le terrain, bien que la solution des énigmes lui parvienne souvent au moment où il est confortablement installé dans un fauteuil en fumant sa pipe. «[Holmes] est aussi un homme d’action, qui pratique la boxe, peut se battre et sait se fondre dans la foule ou duper ses adversaires par le travestissement. [De plus,] celui-ci transforme son apparence physique, sa démarche, sa voix, ce qui lui est nécessaire pour circuler dans les sphères criminelles sans danger, alors qu’il commence à être connu de ceux qu’il pourchasse» (Levet: 85). C’est d’ailleurs sur cette caractéristique du héros que vont mettre l’accent les deux films récemment produits par Guy Ritchie.

    L’impressionnante intelligence de Holmes n’est pas uniquement due à sa spécialisation dans plusieurs domaines, mais elle est également inhérente à sa méthode. Plusieurs personnes ont affirmé que Sherlock Holmes procédait par déduction pour résoudre ses enquêtes. Il se baserait alors sur une règle générale portant sur un tout pour ensuite déduire les caractéristiques de ses parties isolées, ce qui constitue un syllogisme nécessaire. D’autres ont posé l’hypothèse que le détective avait une méthode inductive, c’est-à-dire qu’il observe des faits isolés pour ensuite proposer une loi générale. C’est alors un syllogisme non valide, mais probable. Umberto Eco remarquera dans son essai De Superman au Surhomme que «si l’on relit les déclarations de méthodes de Sherlock Holmes, on découvre que lorsque le détective (et avec lui Conan Doyle) parle de Déduction et d’Observation, il pense en réalité à une inférence similaire à l’Abduction de Pierce.» (Eco: 156) Ce syllogisme non valable, mais possible, consiste à poser une hypothèse sans se baser sur les faits établis, mais plutôt sur son intuition. C’est une possibilité qui est émise et sur laquelle doit se baser l’enquête, laquelle devra la confirmer ou l’infirmer.

    Bref, les personnages du Comte de Monte-Cristo et de Holmes ont tous les deux une grande capacité à se travestir pour arriver à leurs fins et ils projettent une image de Justicier. Toutefois, Holmes est avant tout un Détective, c’est-à-dire un Justicier du Vrai qui ne désire que découvrir l’identité du coupable et non pas le condamner. En étant un Justicier du Bien, Monte-Cristo persécute les «méchants» de la société, ce qui correspond davantage aux objectifs de l’idéologie de consolation du Surhomme. De plus, le fait que Dantès ait été un simple marin au début du feuilleton et qu’il soit devenu, grâce à l’argent et à l’éducation reçue en prison par l’abbé Faria, un homme plein de ressources contribue également à faire rêver les lecteurs. À ce titre, Conan Doyle a toujours présenté Holmes comme un détective accompli et le lecteur ne peut pas assister à cette phase de l’élévation du Surhomme. Enfin, la mission première de Dantès est de se venger et ses actions revêtent un sens beaucoup personnel que celles de Holmes, pour lequel c’est un gagne-pain de résoudre des crimes. En effet, il est totalement détaché émotionnellement de ses enquêtes, ce qui lui permet d’ailleurs d’adopter une position neutre qui est bénéfique à l’investigation. Il serait alors vrai d’affirmer qu’ «il allie […] la force du Surhomme aux qualités de l’herméneute, celui qui sait interpréter les signes, en se réclamant toujours du savoir bien plus que du droit ou de la justice» (Levet: 202).

    Bien que le Surhomme et le Détective soient souvent présentés comme des êtres pour qui la raison l’emporte sur les sentiments et les passions, ces derniers montrent également une image humaine d’eux-mêmes à quelques reprises. En effet, Natacha Levet remarque que Holmes ne se garde pas de prévenir Watson contre le danger des affects, qui peuvent, selon lui, nuire à l’intelligence. (Levet: 88) Or, il se montre très attaché à son acolyte et ému lorsque Watson est blessé dans Les trois Garrideb. Cette humanisation se produit également chez Monte-Cristo puisque sa psychologie est «partagée entre le vertige de l’omnipotence (grâce à l’argent et au savoir) et la terreur de son rôle privilégié […].» (Eco: 82) En effet, il doute que son statut de messager de Dieu lui permette d’accomplir ses actes de vengeance et de se positionner au-dessus des lois. Or, il est évident que ces doutes ne sont qu’éphémères, puisqu’ils n’ont pour objectif que d’assurer une meilleure identification de la part du lecteur, autrement ces héros ne seraient plus considérés comme des hommes, mais bien comme des dieux.

    Le principe de redondance narrative

    Véronique Gély aborde le mythe littéraire comme «une fiction répétée, reprise et mémorisée, qui finit par s’intégrer pleinement au patrimoine culturel des sociétés. […] Dans le mythe, il n’y a pas pure répétition, mais des variations inventives.» (Levet: 8) Dans son essai déjà cité, Umberto Eco propose à ce sujet deux types de récits possibles: le récit à courbes sinusoïdales et le récit à courbes constantes.

    Récit à courbes sinusoïdales

    Le premier type est celui auquel appartiennent les romans-feuilletons, dont Le Comte de Monte-Cristo. Il présente une fabula, ̶  c’est-à-dire le schéma fondamental du récit qui nous est raconté  ̶  où il y a une tension, puis son dénouement, puis une autre tension, son dénouement, etc. Ainsi, le lecteur se voit porté par une intrigue principale qui sera résolue à la toute fin du feuilleton, mais qui est parsemée de récits enchâssés. Ces derniers permettent de rallonger le feuilleton en racontant les différentes histoires des nombreux personnages qui font partie du récit de base. Le Comte de Monte-Cristo a une structure de base qui correspond au schème de la vengeance différée, puisqu’il met en scène un Surhomme redresseur de torts. Les nombreux récits enchâssés qui le composent ont majoritairement la fonction d’informer le lecteur de ce qu’il est advenu des trois traîtres pendant que Dantès était emprisonné dans le château d’If. De plus, les feuilletons étant publiés par fragments sur une base quotidienne, cette structure narrative était nécessaire pour s’assurer de la fidélisation du lectorat, puisque chaque dénouement n’était connu que dans l’édition du lendemain.

    Les personnages de romans-feuilletons peuvent difficilement devenir des figures mythiques à cause de cette structure narrative à courbes sinusoïdales. En effet, le feuilletoniste n’omet pas beaucoup de détails concernant la vie de ses personnages grâce aux récits enchâssés. De plus, l’écrivain est payé à la ligne et tend donc à ne pas laisser beaucoup d’éléments au hasard, et ce dans l’unique objectif de rallonger son histoire. Il n’est d’ailleurs pas rare que les récits à tiroirs occupent plus de cinq ou six chapitres entiers.

    Récit à courbes constantes

    Contrairement aux romans-feuilletons, les nouvelles de Conan Doyle étaient parues intégralement de façon hebdomadaire ou mensuelle, ce qui lui permet d’avoir une structure narrative à courbes constantes. Ce type de récit présente une fabula où les événements s’accumulent jusqu’à mener la tension à son maximum et c’est le dénouement qui viendra briser ce suspense. Les récits mettant en vedette Sherlock Holmes ainsi que les publications en série en sont un exemple. Ainsi, chaque récit appartenant à la série a une fabula semblable aux autres, ce qui procure un sentiment de reconnaissance chez le lecteur. En effet, le lecteur d’un récit des enquêtes de Sherlock Holmes connaît déjà le type de récit qu’il est sur le point de lire et il sait également que Holmes va réussir à démasquer le coupable. Sophie Bellocq-Poulonis a d’ailleurs reconstitué la structure de la fabula qui se répète d’un récit à un autre dans son essai L’aventure du détective triomphant. Une étude du mythe homésien (2004): I’état initial, caractérisé par une situation d’équilibre, correspondrait à l’ouverture des récits, durant lesquels sont présentés les personnages et le cadre spatio-temporel; l’élément perturbateur consisterait en l’arrivée du client, de l’inspecteur Lestrade, ou de la lecture d’un article présentant un crime; la phase de la quête, dont les péripéties seraient la recherche d’indices et le recueil des témoignages; l’élaboration et la vérification des hypothèses [selon la méthode de l’abduction]; la démonstration logique, pouvant s’accompagner d’une sanction; la clôture de l’enquête et le retour du détective à l’inactivité. (Levet: 102)

    On pourrait établir un lien entre cette structure narrative redondante et la théorie de l’Industrie culturelle d’Adorno. En effet, ce dernier affirme que l’émergence de la société des loisirs au XXe siècle va inciter les gens à consommer davantage en confectionnant des produits fabriqués dans le but de plaire au plus grand nombre d’individus possible. Le phénomène de best-seller relève de l’Industrie culturelle puisque les productions littéraires ont tendance à imiter celles qui ont obtenu un succès commercial, mais elles doivent à la fois être innovatrices pour écarter la concurrence. Bref, pour captiver, il faut être standardisé tout en sortant quelque peu du cadre.

    Pierre Bayard va quant à lui soulever le fait que «le monde que produit le texte littéraire est un monde incomplet. […] Ce à quoi nous avons affaire en littérature est un univers troué.» (Bayard: 67-68) En effet, aucune description ni aucun dialogue ne peuvent arriver à présenter un monde complet au lecteur. Ce dernier doit alors combler ces ellipses narratives en investissant sa propre subjectivité et ses expériences personnelles dans l’œuvre, ce qui lui permet de l’interpréter. Ces ellipses concernent également la vie des personnages et, dans le cas qui nous intéresse, les aventures antérieures de Holmes qui n’auraient pas été relatées dans les nouvelles ou les romans de Conan Doyle. Cela contribue grandement au caractère mythique de Sherlock Holmes, puisqu’il y a eu un nombre considérable de récits apocryphes mettant en scène le détective et le docteur Watson.

    Un «récit apocryphe» est une parodie, un pastiche ou toutes autres imitations de l’œuvre originale qui peut être autant littéral, théâtral que cinématographique, mais qui n’a pas été écrit pas Arthur Conan Doyle. Plusieurs auteurs se sont d’ailleurs inspirés des ellipses narratives concernant les aventures non écrites de Holmes, dont celles dont fait mention Watson dans La Maison vide. En effet, Holmes énumère à son acolyte les aventures qu’il aurait vécues et les pays qu’il aurait visités pendant le grand hiatus, c’est-à-dire entre la nouvelle Le dernier problème et le roman La maison vide alors que tous le croyaient mort. Selon Sophie Bellocq-Poulonis, les soixante récits rédigés par Conan Doyle font allusion à cent sept affaires qui n’ont pas été développées. (Levet: 122) Un des premiers à s’y tenter sera d’ailleurs le fils d’Arthur Conan Doyle, Adrian Conan Doyle, qui s’alliera avec John Dickson Carr pour écrire L’Aventure des sept horloges en 1952. Plusieurs auteurs vont également prendre plaisir à inventer des enquêtes de toutes pièces ou encore d’esquisser une biographie des principaux personnages du mythe holmésien à la manière de René Reouven. (Levet: 124) Denis Mellier affirmera ainsi à juste raison qu’«[à] supposer que Sherlock Holmes soit authentiquement un mythe, il l’est précisément de ne plus pouvoir se réduire à la matière mère produite par Conan Doyle, cette matrice imaginaire et narrative, le Canon […].» (Levet: 10)

    Conclusion

    Plusieurs se sont d’abord étonnés du grand succès de ce détective si british d’abord en Europe et en Amérique, puis dans le monde entier. En effet, il projette l’image typique d’un anglais de la période victorienne, portant un manteau-cape ou une robe de chambre et un deerstalker et qui est souvent muni de sa loupe sur le terrain et de sa pipe et son violon dans les moments qui nécessitent plus de réflexion. Or, Sherlock Holmes apparaît à un moment où à la fois la presse illustrée et une grande criminalité émergent. Il devient de ce fait un des premiers produits de la culture de masse en Angleterre. Son succès peut être comparé à celui des Surhommes mis en scène dans les feuilletons français, puisqu’il en est lui-même un à sa façon. En effet, tout comme le Comte de Monte-Cristo, il incarne pour les lecteurs la figure du Justicier et est habile à se travestir pour arriver à ses fins. De plus, il possède une très grande intelligence qui paraît surhumaine, ce qui le permet d’être un spécialiste dans plusieurs domaines distincts, mais également d’avoir une méthode d’enquête marginale. De plus, les récits ont une structure narrative à courbes constantes, ce qui les rend aisément imitables. En effet, les nombreux récits apocryphes, qui sont autant de l’ordre de la parodie ou du pastiche, contribuent à alimenter le mythe.

    Natacha Levet relève dans son essai Sherlock Holmes: De Baker Street au grand écran que Holmes a également été présenté comme un superhéros dans des bandes dessinées. (Levet: 144-146) En effet, le héros de Conan Doyle possède deux des trois caractéristiques spécifiques à ce genre de personnage, c’est-à-dire qu’un superhéros a une mission sociale, des pouvoirs et a souvent une identité secrète. Le détective de Baker Street résout ses crimes au nom de la vérité, ce qui pourrait être considéré comme une mission sociale. De plus, bien qu’il ne possède pas de superpouvoirs (à l’instar de Batman), il a une très grande intelligence qui le classe parmi les Surhommes. Toutefois, la comparaison s’arrête ici puisqu’il n’agit pas sous le couvert de l’anonymat et son besoin de se travestir pour faire avancer ses enquêtes en est la preuve. Cet autre type de réécriture illustre bien à quel point de personnage est malléable et qu’il peut ainsi facilement s’intégrer dans un univers qui est très éloigné de l’idée de départ. C’est précisément sur ce point que le Comte de Monte-Cristo fait défaut, puisqu’il est très difficile de le sortir de son cadre initial afin de lui faire vivre de nouvelles aventures.

  • Délire schizophrénique du double manichéen

    Délire schizophrénique du double manichéen

    Jack l’Éventreur et Sherlock Holmes: ces deux noms ont marqué l’imaginaire populaire des Britanniques au tournant du XIXe siècle, et non sans raison. L’un, meurtrier sanguinaire ayant réellement terrorisé la population miséreuse de l’East End londonien; l’autre, grand génie fictif de l’art de la déduction et passé maître dans la résolution d’énigmes tordues: les deux personnages ont écrit une page de l’Histoire de leurs exploits. Pourtant contemporains –d’une certaine manière– ils ne se sont jamais, à leur époque, affrontés en terrain littéraire. Plusieurs auteurs, bien après sir Arthur Conan Doyle, ont cherché à réunir ces géants du milieu de la criminalité du XIXe siècle. Parmi ces écrivains, René Réouven a tenté sa plume à l’exercice, mais d’une tout autre manière que n’a pu le faire Michael Dibdin, pour citer un exemple parmi le lot, en publiant son Ultime défi de Sherlock Holmes. En effet, dans Élémentaire mon cher Holmes!, Réouven ne fait pas intervenir les personnages fictifs de Conan Doyle –soit Sherlock Holmes et John Watson– dans un combat contre l’Éventreur, mais il crée plutôt une fiction joignant les inspirations historiques de ces deux protagonistes qui ont fait vibrer les lecteurs du Strand Magazine pendant près de vingt ans, ainsi que les évènements liés aux meurtres de Whitechapel. En fait, le projet de Réouven est plus imposant encore. Alliant double manichéen et délire schizophrénique, Élémentaire mon cher Holmes! fait état d’un jeu de miroirs opposant et entremêlant référents historiques et référents intertextuels.

    Selon la structure classique du roman à énigme, Élémentaire mon cher Holmes! se présente sous la forme d’un récit à rebours. Celui-ci s’offre pourtant au lecteur d’une manière moins conventionnelle que le voudrait la coutume, se déconstruisant en quatre enquêtes enchâssées. C’est alors, pour le lecteur, un travail de reconstruction qui s’entame, une reconstruction à rebours de la vie et du parcours d’un manuscrit perdu de Robert Louis Stevenson. Le récit commence justement en 1885 au moment où Stevenson, au réveil d’un sommeil fiévreux, écrit ce qui sera la première version L’Étrange cas du Dr. Jeckyll. Or, lorsque Mme Stevenson lit le texte brut, elle supplie son mari de ne pas le publier tant les horreurs décrites y sont troublantes. L’écrivain, incertain, envoie plutôt son manuscrit à Édimbourg, faisant croire à sa femme que les pages maudites ont péri dans les braises du foyer.

    Ce n’est que plus tard, en 1892, que le fantôme du manuscrit refait son apparition, alors qu’Alfred Wood, militaire invalide vivant en pension à Londres, rencontre un certain Symeson qui dit enquêter sur le cas sordide des prostituées empoisonnées. Au terme de leur enquête, les deux hommes découvrent le meurtrier, le Dr. Cream, colocataire de Wood. Cream, en dernière volonté, remet à Wood l’écrit maudit de Stevenson en lui confiant à la fois les origines de sa folie meurtrière, mais aussi les démons que le texte révèle,  lui faisant promettre de ne jamais lire roman, ni de le remettre à Symeson, qui d’ailleurs disparaît dans la brume.  Fidèle à sa logique, le récit à rebours s’enchaîne sur le récit de Cream, se déroulant un an plus tôt, en 1891, dans une Amérique violente, contrastant avec l’univers sobre de la première partie du roman. Cream, voulant se venger d’une ancienne connaissance poussée à la prostitution, se lance sur les traces du monstre du Jersey City, un égorgeur de prostituées. Il découvre alors Séverin Klosowski, barbier de profession, qui, lui livrant le récit inédit de Stevenson, lui offre sa confession et le secret de l’acquisition de ce manuscrit volé à Jack l’Éventreur lui-même, dans le sombre Londres de 1888. En effet, interrompant l’Éventreur dans la dissection du corps d’Elizabeth Stride, Klosowski s’est trouvé possesseur de la clé d’une chambre louée par le meurtrier. Dans la chambre, il dérobe l’ouvrage de Stevenson. Déchiffrant le document, Klosowski poursuit l’œuvre de l’Éventreur en tuant Mary Jane Kelly et Alice Mac Kenzie. Voulant fuir ses instincts de tueur qu’il associe –à tort– à Londres, Klosowski s’embarque pour l’Amérique. Avant de partir, il retourne à la pension qui hébergeait l’Éventreur un an plus tôt, afin de remettre la clé à la logeuse. Celle-ci, incidemment, lui révèle le nom de son ancien locataire: M. Symeson.

    Finalement, presque vingt ans après sa collaboration avec Symeson, Alfred Wood, devenu secrétaire personnel de sir Arthur Conan Doyle, avoue à ce dernier le secret qui lui pèse: ses déductions sur l’identité de l’Éventreur de l’East End. Ses révélations sont favorisées par la mort de Joseph Bell, alias Symeson. Le roman se clôt sur la disparition du manuscrit damné, volé par le chauffeur intérimaire de Conan Doyle, un certain Jules Bonnot, qui deviendra un anarchiste notoire en France.

    Ainsi, plusieurs mystères se développent autour du manuscrit de Robert Louis Stevenson –cette première version, vierge de toute censure, de L’Étrange cas du Dr. Jeckyll. La lecture de cette fiction engendre chez les personnages de Réouven un désir de perversion sadique. L’esprit démoniaque d’Edward Hyde semble s’emparer du lecteur détenteur du manuscrit inédit. Réouven retrace donc la chaîne de ces hommes possédés par la fièvre du meurtre, cet assouvissement d’un fantasme pervers, cette révélation d’un inconscient de violence. Au fil des pages, Élémentaire mon cher Holmes! offre trois univers distincts. La première partie –ainsi que l’épilogue– présentent un univers plus holmésien. Les crimes sur lesquels enquêtent Symeson et Wood sont plus sobres, beaucoup moins sanglants puisqu’il s’agit de meurtres par empoisonnement. La deuxième partie du roman révèle un monde de violence sauvage propre au pays encore jeune qu’offre le continent américain du XIXe siècle, monde où se développe le récit de vengeance de Cream. La troisième partie livre un univers très sombre, celui où règne la terreur de l’East End, l’Éventreur. Séverin Klosowski entraîne le lecteur dans un monde de pauvreté, de prostitution, mais aussi de la dure réalité d’une population immigrante et des préjugés discriminatoires de la société.

    Si chaque enquête, concentrée en une partie du roman, se clôt par la révélation de l’identité d’un meurtrier, l’enquête de Klosowski laisse pourtant un voile sur le masque identitaire de l’Éventreur de l’East End, identité révélée par Alfred Wood dans l’épilogue. L’intrigue principale du roman s’énonce donc en énigme posée au lecteur, à savoir le visage de l’Éventreur. En effet, ce mystère plane sur tout le roman, étant l’énigme la plus éloignée dans le temps, soit en 1888 lors des meurtres de Whitechapel, et la dernière résolue, en 1911, à la mort de Joseph Bell. Les autres assassins que sont Cream et Klosowski se révèlent n’être alors que les palimpsestes d’une histoire antérieure, celle de Jack l’Éventreur, fils illégitime –dans un sens– d’Edward Hyde. L’énigme posée au lecteur par Réouven est alors résolue par une récolte d’indices, dispersés à travers quatre récits: le prologue, l’enquête de Symeson, l’enquête de Cream et celle de Klosowski. Dans l’épilogue, Alfred Wood accomplit le même travail que le lecteur dans son processus de lecture: le rapprochement entre l’identité de l’Éventreur de l’East End et le nom du Dr. Joseph Bell. Le mystère, pourtant, s’il peut sembler résolu, n’est pas confirmé; Bell n’ayant jamais été arrêté et ne pouvant révéler son monstre intérieur par le biais de la confession, comme le firent Cream et l’égorgeur de Jersey City.

    Dans un ordre d’idées similaire, il est, dans l’intérêt de cet article, de rappeler ce motif récurrent du récit policier qu’est la présence d’une figure antagoniste au détective. Comme l’expliquent Boileau-Narcejac, «les passions qui mènent l’assassin, [le détective] les possède aussi, mais elles se sont sublimées et transformées en tics inoffensifs. Il est aussi génial que son adversaire, aussi mécanique que lui, aussi étranger que possible au lecteur» [Boileau-Narcejac: 71-72]. La Némésis est, notamment, introduite comme tension dramatique dans plusieurs récits policiers. Ainsi, Edgar Allan Poe, dans «La lettre volée» [Poe: 59], fait opposer à son détective, Auguste Dupin, un frère ennemi, doté d’une force d’esprit équivalente à la sienne, un certain D. Ce qui est frappant, dans Élémentaire mon cher Holmes!, c’est non seulement ce rapport manichéen, mais surtout sa présentation. Réouven propose la thématique d’un combat interne de forces d’esprits opposées, sorte de délire schizophrénique des personnages. Cette antithèse est créée par la lecture du premier agent intertextuel: le manuscrit de L’Étrange cas du Dr. Jeckyll de Robert Louis Stevenson. Le modèle des vices d’Edward Hyde devient alors le catalyseur de l’esprit de perversion qui naît chez Bell, Cream et Klosowski. À ce propos, Fanny Stevenson dira:

    Votre Dr. Jeckyll a recours à l’alchimie, mais le véritable maléfice, le voilà: ce manuscrit, plus pernicieux que toutes les drogues, parce que, grâce à votre talent, il révèle et flatte les pires perversions… Lautréamont lui-même en aurait été horrifié! Les âmes inquiètes, déjà tentées par le Mal, y trouveront un chant de l’abjection, un appel à la dépravation la plus totale, la plus débridée… L’hymne du Diable, Robert! Je vous en supplie, je vous en conjure, prenez garde aux démons que vous allez réveiller. [Réouven: 709]

    Le double manichéen des figures de Jeckyll et de Hyde offre une problématique digne d’intérêt dans la présentation de Jack l’Éventreur: celle du monstre intérieur, du double schizophrène. S’inscrivant dans une optique plus symbolique, la figure du monstre rappelle les propos tenus par le Dr. Neill (Cream) au sujet de l’Éventreur:

    Ses meurtres spectaculaires, où l’horreur prenait valeur de symbole, ont réussi à ouvrir les yeux de l’opinion publique sur l’indicible misère de ces créatures [prostituées]. C’est là son mérite essentiel. […] [L’]Éventreur fait prendre conscience à la bourgeoisie repue de l’enfer qui bouillonne à sa porte! [Réouven: 719-720]

    Or, le monstre, comme symbole, porte tous ces signes. Il évoque le rite de passage, de régénérescence: il faut dévorer le vieux pour donner du nouveau. La monstruosité –voire l’horreur des meurtres de Jack l’Éventreur– est une révolution, une «transformation radicale de l’homme, pour le rendre apte à vivre dans un monde nouveau» [Chevalier, 1982: 644-645], dans un nouveau siècle, pour reprendre cette phrase prêtée à Jack l’Éventreur par les studios d’Hollywood: «People will look back and I say I gave birth to the twentieth century» [Hughes, 2001]. Le monstre rappelle aussi la lutte constante entre l’homme et ses démons. «Aussi, chaque homme comporte-t-il son propre monstre, avec lequel il doit constamment lutter» [Chevalier: 645], maxime exploitée par Réouven, mais aussi, avant lui, par Stevenson. L’homme vit en rapports étroits avec son double opposé ou tout simplement avec un double aux instincts magnifiés, amplifiés. Cette coexistence crée un conflit intérieur et personnel dans la compréhension du monde extérieur qui se trouve, par les yeux du double, déformé. D’ailleurs, cette lutte constante, dont la victoire de l’homme sur ses démons est souvent impossible, se conclut habituellement, dans les écrits littéraires, par une destruction des deux esprits –le protagoniste et sa Némésis interne– dans un geste de sacrifice du protagoniste lui-même. Le monstre est aussi la «forme hideuse d’un désir perverti» [Chevalier: 645], comme l’exprime Fanny Stevenson dans sa tirade citée plus haut.

    D’autre part, René Réouven exploite le point aveugle des récits de Sherlock Holmes en faisant de Joseph Bell, inspiration avouée du personnage de Sherlock Holmes, l’Éventreur de l’East End. Réouven fait d’ailleurs du clin d’œil au silence littéraire de Conan Doyle à propos des meurtres de Whitechapel. Quant à Conan Doyle, qui possédait pourtant là un sujet en or, il s’est bien gardé d’imaginer une rencontre entre son super-détective et ce super-meurtrier qu’était l’Éventreur. Parbleu! Il a craint que sa clientèle ne s’en offusque: il aurait bien fallu évoquer le monde de la prostitution. [Réouven: 720]

    Plaçant ces mots dans la bouche de Neill, connu comme un personnage excentrique, Réouven insère un discours social dans une époque victorienne plutôt dissimulatrice de ses maux. En effet, Neill souligne le fait que plusieurs auteurs populaires de l’époque passaient sous silence les conditions déplorables des bas-fonds de Londres et de la prostitution. Dans le cas de Conan Doyle, comme le dit Claude Caron, l’auteur du cycle holmésien véhicule à travers ses nouvelles une idéologie impérialiste et «son regard est celui d’un homme pour qui les valeurs bourgeoises constituent le fondement de la société et sa meilleure chance de survie» [Caron: 3]. Il allait donc à contresens de présenter un monde de dépravation et de misère tel que celui de l’East End londonien.

    Ceci introduit le deuxième agent intertextuel en cause dans la création du double Bell/L’Éventreur: le couple manichéen composé de Sherlock Holmes et du Professeur Moriarty, présenté dans l’épilogue comme miroir du premier couple. Alfred Wood, en expliquant à Conan Doyle le raisonnement qui le pousse à associer l’Éventreur à Bell, fait l’analogie entre les évènements –soit la réception d’une lettre de Stevenson accusant probablement la double personnalité de Bell– et la publication du Dernier problème.

    À défaut de preuves, sir, les présomptions ne manquent pas. Énumérons-les. D’abord, vous n’avez jamais imaginé une rencontre entre Sherlock Holmes et Jack l’Éventreur. C’était pourtant un thème en or, bien fait pour tenter votre plume. Ensuite, toute votre correspondance avec Bell a été détruite… lors d’un accident (Wood avait délibérément insisté sur les derniers mots). Il y a enfin le fait que pour tuer Holmes, vous avez inventé le personnage de Moriarty, complètement inconnu jusqu’alors. Vous le faites littéralement surgir des ténèbres, déjà tout armé d’un grand passé criminel. Or, qui est Moriarty? Justement une intelligence prodigieuse vouée au mal comme celle d’Holmes est vouée au bien; un double noir d’Holmes, sa caricature inversée, sa face cachée. Ainsi que Jeckyll et Hyde, Holmes et Moriarty sont le même homme vu sous des éclairages différents, ce qui, par parenthèse, est tout à fait conforme à l’esprit du livre de Stevenson. D’ailleurs, comme Jeckyll et Hyde, ne meurent-ils pas ensemble, de façon plus que symbolique? [Réouven: 921]

    Wood présente ainsi les doubles fondateurs de la révélation du nom de Jack l’Éventreur et de la relation schizophrénique des figures: l’homme possède deux visages. La mort d’un homme est le seul remède au mal qu’engendre son monstre intérieur. Klosowski, même délivré du manuscrit, continuera à tuer; il sera pendu, tout comme Cream. Holmes entraînera Moriarty dans le gouffre des chutes de Reichenbach, Jeckyll et Hyde mourront ensemble et la mort de Bell scellera le secret identitaire de l’Éventreur.

    De plus, René Réouven construit sa fiction à partir de référents historiques sans cesse mis en regard de certains référents fictifs, de manière à créer un jeu de miroir. La postface de Réouven, pouvant sembler anodine, révèle la stratégie de l’auteur à vouloir ancrer son récit –qu’il avoue pourtant imaginaire– dans une optique où le pastiche ne sert qu’à créer un effet de réalisme. Cette postface, malgré l’aveu d’un texte fictif, fait presque état d’arguments d’autorité afin d’authentifier la fiction, à la manière des canards qui relataient des faits divers. En effet, comme Marianne Closson l’explique dans L’imaginaire démoniaque en France (1550-1650), les canardiers du XVIIe siècle utilisaient un procédé similaire afin d’authentifier leurs récits fictifs. Cette technique du canardier consistait à reprendre un arrêt judiciaire –le compte rendu d’un procès par exemple– qui ne disait presque rien, et à raconter une histoire avec des personnages basés sur l’acte juridique. Le jeu était alors de faire croire que l’arrêt qui avait inspiré le récit légitimait ce dernier. [Closson: 287-288] Réouven met en contexte fictif bon nombre de personnages réels: Wood fut le secrétaire de sir Arthur Conan Doyle, Cream était un suspect dans l’affaire des meurtres de Whitechapel et Joseph Bell était un éminent chirurgien de l’université d’Édimbourg. Réouven transforme aussi deux auteurs reconnus –Stevenson et Conan Doyle– en protagonistes de son récit.

    Un autre point est digne de mention dans l’optique du jeu des miroirs: les personnages de Symeson et de Wood sont sans cesse comparés aux personnages nés de la plume de Conan Doyle. Neill Cream relève d’ailleurs dans la première partie du roman les ressemblances entre Wood et Watson et les coïncidences entre la rencontre de Wood et de Conan Doyle et les modifications apportées au personnage du Dr. Watson d’Une étude en rouge au Signe des quatre. Neill identifie alors Wood comme étant l’inspiration directe de Watson, tout comme Bell le fut pour Holmes. Ces ressemblances sont accentuées par l’apparition aux côtés de Wood de Symeson –pseudonyme de Bell– qui affiche les mêmes caractéristiques que Sherlock Holmes. Se cachant sous de multiples déguisements –dont celui d’un Symeson fictif– Bell se complait dans un spectacle de la pensée déductive afin d’impressionner Wood qui lui sert de contrepoids. Si Neill relève les similitudes entre Wood et Watson, Wood fera de semblables remarques à Symeson en le comparant à Holmes. Il est cocasse d’ailleurs que Réouven utilise ce procédé déjà utilisé par Conan Doyle –dans Une étude en rouge et dans La boite en carton– alors que Watson y compare Sherlock Holmes à Auguste Dupin, son ancêtre littéraire, le détective d’Edgar Allan Poe. Achevant la comparaison entre ses personnages et ceux de Conan Doyle, Réouven écrit: «Wood crut avoir compris. “J’ai bouleversé la hiérarchie de ses personnages, songea-t-il amèrement. Sherlock Holmes démasqué par Watson, voilà qui est contraire à l’esprit des choses et constitue une manière de sacrilège littéraire!”» [Réouven: 922-923]. Il va sans dire que ce constant jeu de miroir crée une symbiose des référents historiques et des référents littéraires, amplifiant cet effet d’authenticité du récit exprimé plus haut.

    Élémentaire mon cher Holmes!, récit policier racontant, à rebours, le parcours d’un roman fantastique inédit de Robert Louis Stevenson, présente deux thématiques associées au double. Développant la lutte constante de plusieurs personnages –tous infectés par l’appel à la violence suscité par la lecture du manuscrit de Stevenson– contre une Némésis intériorisée de conception manichéenne, Réouven crée un jeu de miroir entre ses protagonistes et certains personnages de sources intertextuelles. D’ailleurs, le roman de Réouven mêle les multiples enquêtes policières à un contexte pouvant être perçu comme étant surnaturel –soit le pouvoir du livre damné sur ses lecteurs– phénomène propre au récit fantastique. Par ce mariage du genre policier et du genre fantastique, Réouven n’a-t-il pas tenté de réconcilier les frères jumeaux ennemis de la littérature du XIXe siècle qu’étaient ces deux types de fiction, opposés alors par leurs idéologies divergentes à l’égard du positivisme?

  • Snuff Movies: Naissance d’une légende urbaine

    Snuff Movies: Naissance d’une légende urbaine

    La mort règne indiscutée sur le cinématographe, qui nous la donne sans cesse à voir tout en la déjouant, la jouant et se jouant d’elle. Soumise à des codes bien précis, la mort jouée sur pellicule est en fait l’exorcisme de la mort réelle. Or qu’arrive-t-il quand, emportés par la fascination spectrale du nouveau dispositif, le désir de mort et la pulsion scopique fantasment un au-delà de la représentation? Des films d’exécutions des premiers temps au film qui cristallisa la légende urbaine des snuff movies (Snuff, 1976), voici la progression d’un fantasme qui est devenu une véritable obsession collective.

    Vous pouvez désormais (sans crainte pour votre intégrité physique) vous procurer l’essai de Antonio Domínguez Leiva et Simon Laperrière sur le site des Éditions du Murmure.

  • «Fashion Knight»

    «Fashion Knight»

    Dans une des bandes annonces du film The Dark Knight Rises, les images étaient entrecoupées d’un écran noir duquel ressortaient les mots «espoir brisé», «foi perdue», «tout va s’embraser». Une bande annonce qui évoque l’aspect sombre, voire pessimiste, du dernier film constituant la récente trilogie de Batman au cinéma. Après avoir pris sa retraite entre le premier et le deuxième volet, le chevalier noir se contraint à revenir pour sauver Gotham City de la destruction. Sur fond de crise politique, économique, sociale, le film met aussi en scène la crise d’identité de l’humain affaibli, qui doit endosser à nouveau le costume de Batman. La déchéance qui s’opère dans ces films, ainsi que dans The Dark Knight Retuns, le comics réalisé par Frank Miller, se traduit par l’atmosphère dans laquelle le personnage évolue, dans la mise en scène d’un Batman plus sombre, mais s’affiche aussi directement sur la figure de Batman ainsi que sur ses attributs.

    Dans «Le Mythe de Superman», Umberto Eco parvient à démontrer que la structure narrative des histoires de superhéros impose que le personnage reste enfermé dans une temporalité floue, voire cyclique, qui biaiserait toute consumation du héros. L’auteur s’intéresse plus précisément à Superman, mais Batman pourrait aussi être l’objet central de son analyse, car selon lui, les superhéros sont construits selon un schéma commun: «ils sont tous foncièrement bons, moraux, respectueux des lois naturelles et humaines, (…) ils mettent leurs pouvoirs au service du bien.» (Eco: 142) Cependant, ce pouvoir d’action n’est possible qu’à grande échelle: celle de la ville où les superhéros résident le plus souvent. Cette intervention géocentrée séparerait la conscience civique1 de la conscience politique (changer le monde grâce à leurs super pouvoirs: stopper les dictatures par exemple). Sans cette séparation, «la moindre modification générale pousserait le monde (…) vers la consumation.» (ibid: 144)

    En effet, la consumation du superhéros et du monde semblent être antinomique avec le personnage même: il s’agit d’un personnage qui est censé prévenir de tout danger, et pour cela, sa force physique semble devoir rester inchangée, son âge et sa physionomie restent les mêmes tout a long des histoires publiées dans les comics.

    Cet article phare d’Umberto Eco a été rédigé en 1962 et semble ne faire mention que des superhéros attachés à la maison d’édition DC Comics. Or, bon nombre de superhéros de la maison d’édition Marvel Comics voient justement le jour à parti de 1962. Chez Marvel il est coutume de créer des personnages qui rassemblent les archétypes des superhéros, mais en introduisant quelques ruptures: une famille sans identité secrète à protéger (Fantastic Four, 1961), un dieu nordique qui, sur terre, prend l’apparence d’un médecin blessé (Thor, 1962), un magnat des armes reconverti en superhéros (Iron Man, 1963), un jeune homme aveugle qui tire sa force de son défaut de vision (Daredevil, 1964). Il me semble que dans le cas des superhéros Marvel, la figure super héroïque est déjà, aux yeux des lecteurs, un personnage (plus) dégradé, sur lequel les faiblesses et les problèmes sont accentués et mis en scène dans la narration des comics et dont les personnages tirent finalement parti, en investissant ces faiblesses pour faire le bien, participant comme le fait Clark Kent, au processus d’identification du lecteur également cité par Eco (ibid: 114).

    Dans les années 1980, les caractéristiques des comics et de leurs personnages proposées par Eco semblent avoir changé: The Dark Knight Returns de Frank Miller met en scène un Batman vieillissant, sortant de sa retraite, violent et torturé, sur une esthétique plus noire et un ton plus politique. On peut considérer qu’à partir de ce comics, le personnage se redéfinit, la figure se complexifie, son moi intérieur se problématise, les histoires s’approfondissent. Il semble que ce soit l’âge du personnage en particulier qui est mis en avant. Dans la préface de l’édition pour le dixième anniversaire du comics, ce rapport à l’âge est le plus flagrant. En quelques pages, Miller raconte la genèse et la chronologie du projet et les raisons qui l’ont poussé à créer The Dark Knight Returns. En 1985, il se rend compte que le personnage n’a pas vieilli, contrairement à lui:

    I’ve come to accept (…) that Spider-Man is younger than my little brother, but Batman? (…) I’m actually gonna be older than Batman? This was intolerable. Something had to be done. (Miller: 5)

    Cette prise de conscience semble avoir joué un rôle dans l’écriture de l’histoire, qui met en exergue cet âge avancé du personnage: les dessins montrent un homme aux cheveux blancs, les dialogues relatent un retard certain2. Du fait de son âge, Batman semble être plus faible, dans le deuxième chapitre «The Dark Knight Triumphant» il perd la première bataille contre le chef des mutants et se retrouve allongé, en sang, le bras en bandoulière et le costume déchiré. (ibid: 85) Dans The Dark Knight Returns, Batman est vieilli, il se blesse, et fait face aux échecs. C’est justement ce qui le pousse à améliorer ses performances physiques, pour tenir pendant les combats par exemple, en posant ce qui semble être une prothèse qui soutient son bras (ibid: 93) ou pour se protéger en faisant usage d’un nouveau costume dans son combat contre Superman. (ibid: 188-196)

    C’est également un Batman plus sombre qui est mis en scène dans la saga de Christopher Nolan qui s’étant de 2005 à 2012. En tant que reboot du personnage au cinéma, Batman Begins, le premier volet de la trilogie de Nolan, présente le superhéros «comme pour la première fois,» les origines de sa seconde identité sont relatées (le meurtre de ses parents; l’entrainement chez Ra’s Al Ghul; son retour à Gotham City; la «transformation» en Batman), tout comme son combat contre la pègre de Gotham et surtout Dr Jonathan Crane / The Scarecrow et Henri Ducart / Ra’s Al Ghul qui veut vaporiser un gaz toxique dans toute la ville. Batman: The Dark Knight, le deuxième volet, fait s’opposer le superhéros avec sa némésis le Joker, et repense l’origine de Harvey Dent / Double Face. C’est aussi ce film qui commence à marquer la chute de Batman: décidant de se porter responsable pour les meurtres commis par Harvey Dent / Double Face, une chasse à l’homme chauve-souris commence (le commissaire James Gordon détruit symboliquement le Bat Signal), c’est alors le début de la déchéance du superhéros.

    Cette dégradation se poursuit dans The Dark Knight Rises qui clôt la trilogie, où, tout comme dans le comics The Dark Knight Returns, Bruce Wayne décide de sortir de sa retraire pour reprendre le costume de Batman, et combattre les héritiers de la Ligue des Ombres, et Bane, notamment. Dans ce dernier volet, Batman a vieilli, il est plus faible et blessé à plusieurs reprises, ce qui n’est pas sans rappeler le comics de Miller. Pourtant, grâce à l’aide apportée par Selina Kyle /Catwoman, entre autres, il réussira finalement à rétablir le calme à Gotham et retrouver son statut de héros face à la population.

    Quelques similitudes sont à noter entre le Batman de Miller et celui de Nolan; les films ne sont pas l’adaptation stricte des comics, même s’ils en gardent tout de même le titre et cette posture affaiblie, en peine, du superhéros. L’intérêt de la trilogie de Batman par Nolan réside dans la mise en scène de la déchéance du superhéros inspirée des comics de Miller. Si on opère un retour historique sur les films qui ont mis en scène Batman depuis les années 1960, on peut remarquer que le personnage n’avait pas été remis en question avant ce dernier opus sorti en 2012. Les différentes narrations reposaient sur les combats entre Batman et les super vilains (Martinson: 1966; Burton: 1989, 1992; Schumacher: 1995), sur les histoires amoureuses de Bruce Wayne (Burton: 1989, 1992) ou sur les dynamiques de relations entre Batman et ses coéquipier-e-s (Martinson: 1966; Schumacher: 1995). Les ressorts narratifs de ces films sont plutôt stables, et il faut attendre The Dark Knight Rises pour voir Christian Bale jouer un Batman retraité, vieilli, aux cheveux blancs et au défaut de maintien.

    Il me semble pourtant qu’une des différences majeures entre toutes ces productions soit l’utilisation du costume du superhéros comme indicateur de cette déchéance (puis de cette élévation) du personnage.

    L’hypothèse de cet article repose sur l’appréhension du costume comme participant à cette mise en scène du superhéros dégradé, dont la figure se complexifie. J’aimerais étudier la façon dont le cinéma met en scène la déchéance à travers le costume tout en envisageant ce qu’il apporte dans la trilogie Batman de Christopher Nolan, par rapport aux comics et aux autres films. Dans la suite de cet article, je montrerais le rôle joué par les costumes dans la création de ces personnages super héroïques, les enjeux du passage du costume des comics au cinéma, pour conclure sur les signes de la déchéance du personnage présents sur costume du Dark Knight.

    Le costume comme créateur d’identité

    Peter Coogan cite trois caractéristiques typiques, mais non nécessaires pour définir le superhéros: il doit remplir une mission qui doit avant tout être tournée vers ceux qui en ont besoin, non pas pour se servir à lui même. 3 La deuxième caractéristique est la présence de pouvoirs qui marquent la différence avec les humains, mais qui sont en même temps des habilités humaines poussées à leur paroxysme (force, rapidité, invulnérabilité). Pour la troisième caractéristique, qui est l’identité, Coogan met en avant deux éléments, le pseudonyme et le costume: «The identity element comprises the codename and the costume, with the secret identity being a counterpart to the codename.» (ibid: 77)

    Ces deux éléments ont pour fonction de marquer la différence entre l’identité civile et l’identité du superhéros et d’incarner (embody) la biographie du superhéros. Ainsi, le nom et les couleurs du costume de Batman rappellent indéniablement la chauve-souris, qui renvoie à ses traumatismes d’enfant. Le design du costume devient une représentation iconique de l’identité superhéroïque4 qui permet à la fois de symboliser le héros page après page dans les comics, et aide à établir un genre à part entière.

    J’ajouterais que le costume fait office de protection pour le superhéros, qu’il peut être le conducteur des super pouvoirs, qu’il dessine les formes physiques du porteur, performe le statut hybride entre l’humain et le surhumain, et, au cinéma, il «fait» littéralement le superhéros. L’élément visuel qu’est le costume est donc en lien direct avec les identités du superhéros, et aide à articuler et à créer celles-ci tout au long de la narration.

    Dick Hebdige a souligné, en étudiant le style des subcultures, qu’une communauté se construit à travers son style et entre autres, les vêtements mis en avant et portés: «it is through the distinctive rituals of consumption, through style, that the subculture at once reveals its ‘secret’ identity and communicates its forbidden meanings.» (Hebdige: 103) De la même façon, c’est en arborant leurs costumes que les superhéros révèlent cette identité secrète et exposent à la fois des significations quant à ses origines et son dessein. Le costume agissant comme un symbole, un personnage qui le porte dans certaines conditions semble communiquer «je suis un superhéros, je vais vous sauver.»

    Les vêtements portés par les superhéros sont donc un des éléments importants à prendre en compte dans les adaptations récentes et peuvent correspondre à l’analyse pratiquée par Elizabeth Wilson à propos de la relation entre les vêtements et l’identité: «fashion can be seen as one means whereby an always fragmentary self is glued together into the semblance of a unified body.» (Wilson: 12) En ce sens le costume, unifie à travers un même corps recouvert -ou non-, et révèle -ou cache- deux identités souvent antinomiques. Le vêtement porté par les superhéros a donc une fonction essentielle par rapport à ses identités et «dit» quelque chose sur le héros lui même.

    Dans la partie qui suit, il sera question d’analyser, au regard des fashion studies et des films studies comment la déchéance du héros s’opère à travers les costumes portés par le personnage de Batman, dans la trilogie de Nolan. Il conviendra aussi le «lire» le costume au regard des autres productions citées qui mettent en scène le personnage. Cette lecture ne se pratiquera non sans prudence, pour suivre les propos de Johanne Entwistle:

    on the one hand the clothes we choose to wear can be expressive of identity, telling other something about our gender, class status and so on; on the other, our clothes cannot always be ‘read’, since they do not straightforwardly ‘speak’ and can therefore be open to misinterpretation. (Entwistle: 112)

    Le costume de superhéros, que ce soit dans les comics, mais surtout à mon sens dans les films, est le fruit d’une création réfléchie entre plusieurs acteurs du réseau de production, et n’est pas créé par hasard. Le costume design «dit» quelque chose dans ces conditions. Je profite donc de cette citation pour ajouter que cette lecture n’est en effet qu’une lecture subjective du personnage du film, caractérisant mon placement au sein des Cultural Studies: un déchiffrage de la chute du superhéros sous l’angle de ce qu’il porte.

    Le costume, des comics à l’écran

    Dans l’article d’Umberto Eco déjà cité, l’auteur mentionne qu’ «il est indispensable que (le) costume soit du genre moulant élastique, très ajusté.» (Eco: 140) En effet, que ce soit dans The Dark Knight Returns ou dans les autres histoires imprimées sur ce médium, le costume à l’air prés du corps, comme collé directement au corps du porteur. C’est le cas dans le comics où Miller dessine à la surface des tissus des protubérances musculaires appuyées. Bien que le comics raconte la déchéance de Batman, le corps du superhéros est tout de même marqué par une anatomie musclée, dont les bras, les jambes et le torse sont exagérément développés. La première apparition «en pied» de Batman dans The Dark Knight Returns, sur une page complète, montre cette musculature hypertrophiée: les organes du cou, des épaules, de la poitrine, des biceps et des abdominaux sont particulièrement développés. (Miller: 34) La silhouette du personnage n’a rien à envier aux culturistes et aux bodybuilders que l’on peut voir dans les magasines dédiés, la seule différence notable étant que le corps du superhéros est recouvert d’une couche qui semble mettre en valeur ou mouler ces protubérances. La comparaison avec les combinaisons des Hercules dans les Freak Shows ou les hommes forts dans les foires est donc aisée. Ceux-ci portaient effectivement des tenues près du corps pour faire ressortir leurs musculatures. D’autant plus que la temporalité de ces monstrations et la naissance des superhéros sont proches.5 Un autre exemple plus contemporain pourrait être les matches de catch où les costumes peuvent occuper cette fonction de mise en valeur des corps, mais appuie surtout sur l’aspect spectaculaire de la performance. (Lamoureux: s.p.)

    Seulement, si on observe attentivement l’évolution des caractéristiques corporelles relative au superhéros et à son costume, on peut remarquer que ces excroissances n’ont pas toujours été aussi proéminentes. Dans DC Comics Anthologie publiée en France par Urban Comics en 2012 et rassemblant les «16 récits majeurs de 1939 à nos jours» classés par «âges» comme il est coutume de faire pour les comics, on peut trouver cette évolution des corps des superhéros. Les dessins des comics publiés pendant l’âge d’or et l’âge d’argent ne présentent que des corps, certes musclés, mais simplement: quelques traits clairsemés sur le costume viennent dessiner l’ombre des pectoraux, et des abdominaux6. On pourrait émettre l’hypothèse que l’intérêt du costume dans ce cas, en tenant compte des techniques de production (créer des histoires, et dessiner les cases à un rythme effréné, dans un temps imparti pour la publication), est de simplifier le corps du héros. Un torse nu, ou même des vêtements classiques (une chemise par exemple) nécessiteraient davantage de détails qu’un costume qui semble être créé d’une seule pièce. Pour reprendre la définition de Coogan, le costume agirait bien dans ce cas comme un symbole, grâce auquel il est possible de multiplier le personnage sur plusieurs cases à chaque page, afin de créer une version simplifiée du corps, auquel il est possible d’ajouter des traits fins pour faire apparaître les muscles.

    Ce n’est qu’à partir de l’âge de bronze que les corps des superhéros se font plus massifs par le biais de ces excroissances ombrées dessinées sur le costume. La physionomie des personnages est ainsi créée: des traits plus ou moins marqués sont dessinés sur le corps pour souligner l’anatomie. Ces traits se font plus nombreux et plus dynamiques, peut-être aussi plus précis à partir des années 1970: grâce au talent des dessinateurs, on pourrait reconnaître ces muscles hypertrophiés et leur donner leur appellation précise.7 Les traits s’intensifient encore à l’âge moderne des comics, dont The Dark Knight Returns fait partie. Les traits se font d’autant plus précis que les dessinateurs proposent davantage de gros plans et de dessins volumineux qui laissent voir le personnage encore plus nettement. Aussi, il faut noter le travail des coloristes qui semblent œuvrer à rendre ces costumes, et donc ces corps, toujours plus détaillés, rembourrés et massifs grâce à l’utilisation de différentes teintes de la même couleur pour jouer de contrastes, d’ombres et de lumières. 8 Ces lignes dessinées sur le costume dessinent en même temps le corps et mettent en avant ce dernier, caché sous le vêtement. Cette convention sert à connoter la force physique et la vigueur du personnage, tout en construisant, par un effet moulant du costume qui adopte la forme exacte du corps, la robustesse de mise chez la plupart des superhéros. Cet effet de robustesse, bien que présent dans The Dark Knight Returns, n’empêche pourtant pas Batman de connaître des défaites et le vieillissement.

    Une fois adapté dans le contexte audiovisuel, le vêtement devient costume au cinéma. Ce costume évolue en contrat visuel entre ce que le réalisateur souhaiterait faire passer dans sa production, comment le costume designer peut le concevoir matériellement, le moyen par lequel l’acteur peut le faire passer, et la façon dont le spectateur le reçoit.

    Dans des films classiques9, le costume doit avant tout se rendre invisible pour être réussi, comme le prétend Deborah Nadoolman Landis: «Costumes are considered successfull if audiences do not notice the costumes, but are nonetheless deeply connected to the character.» (Nadoolman Landis: 50) Dans les films appartenant au genre superhéros, du fait de la relation entre le personnage et les identités, cette assertion prend un autre sens. Le costume créant littéralement le superhéros sur grand écran,10 le symbolisant, la fonction du costume de superhéros est primordiale pour l’esthétique, la cohérence et la crédibilité du film. D’ailleurs les studios semblent miser sur les costumes de superhéros comme élément essentiel dans les productions filmiques, à en juger par le temps passé à relater les origines des superhéros (essentiellement à partir des années 2000, Batman Begins entrant directement dans cette catégorie) à montrer la construction du costume, l’importance qui lui est donnée dans la façon de les filmer, par la place que le costume occupe dans la promotion de ces films, et aussi par l’attente des fans, trépignant de voir le costume en action.

    Quelques différences peuvent déjà être notées entre le costume de The Dark Knight Returns et la trilogie filmique de Nolan. Alors que le comics utilise les nuances du bleu au gris pour le «corps» du costume, celles du bleu au noir pour la cape, les gants et les bottes, et le jaune pour le symbole et la ceinture (les couleurs habituellement utilisées pour le superhéros), le costume de Batman Begins et des deux autres volets est totalement noir, seule la ceinture contraste grâce à une couleur plus brune. Dans une adaptation cinématographique, et en prenant exemple sur les dessins du costume qui semble mouler le corps, on peut effectivement utiliser un tissu moulant, comme le lycra. Cela a par exemple été le cas du Batman de Leslie H. Martinson (1966). Dans les films qui suivront, le tissu est troqué pour un matériau plus rigide qui donne davantage l’impression d’une armure. Probablement pour rappeler les muscles saillants (et seyants) des dessins de comics, cette armure semble être sculptée: les muscles des pectoraux et des abdominaux ressortent encore une fois. C’est un procédé qui a été utilisé pour la production des films de Tim Burton et de Joel Schumacher entre 1989 et 1995. Les quatre costumes de Batman dans ces quatre films avaient un aspect luisant, brillant (les costumes de Batman & Robin (1995) étaient même parsemés d’éléments argentés). Les costumes utilisés pour la trilogie de Nolan, quant à eux, sont totalement mats, ils ne brillent aucunement, mais ont toujours cet aspect d’armure rigide aux muscles gravés dans le matériau. Enfin pour garantir une certaine crédibilité dans un film, les muscles sont certes développés, mais pas aussi exagérément que dans les comics.

    C’est cette notion d’armure qui est primordiale pour envisager la déchéance du superhéros. Dans le comics de Miller, Batman se rend compte qu’il faut augmenter ses aptitudes physiques par le biais de prothèses ou par un changement total de costume. C’est pour pallier cette déchéance que le costume se fait armure à l’apparence rigide, coque défensive pour remédier à une force physique décroissante. Le costume-armure à une fonction significative de protection dans les films de Nolan. Cette signification sert donc à la narration du film et est traduite par les changements opérés sur l’habit tout au long des trois films.

    Le costume comme traducteur de la déchéance

    En effet si on se base sur les différents costumes portés par le personnage, on peut remarquer que le costume passe par des niveaux de précision. Le premier costume peut rappeler ce que va devenir ce costume-armure. Il s’agit du vêtement de ninja totalement noir, et surmonté d’une cagoule qui ne laisse entrevoir que les yeux, que le personnage porte pendant son entrainement chez Ra’s Al Ghul. C’est un habit similaire qui est porté lors de la première sortie de Batman pour recueillir des informations auprès du lieutenant James Gordon. En haut d’un immeuble, il se prépare à rendre visite au policier pour lui demander des informations sur un trafic de drogues qui a lieu sur les docks. Il est équipé du harnais et de sa ceinture, mais il ne porte qu’une cagoule et des vêtements noirs. Son costume n’est pas complet: en s’enfuyant du toit du commissariat, il tombe, ce qui l’obligera à améliorer son costume et ses composantes.

    Enfin, on assiste à la création du costume de Batman que l’on peut faire débuter au moment de la rencontre avec Lucius Fox. Celui-ci lui donne accès aux équipements de Wayne Entreprise dont Bruce va largement se servir. Le réalisateur nous présente, par le biais de Lucius Fox les quelques équipements qui sont constitutifs du costume du futur Batman:

    un harnais de service en kevlar; un pistolet à gaz pour grappin magnétique mono filamenteux, testé pour cent-cinquante kilos de charge; une combinaison de survie pour infanterie de première ligne, kevlar, double tissage, jointure renforcée, indéchirable; le tissu mémoire… d’une grande flexibilité, peut devenir rigide si on passe du courant dessus, permet d’être taillé sur tout squelette (Nolan, 2005).

    Bruce lui-même prend part à la création du costume. Il conçoit et fabrique lui même les armes, sorte de shuriken en forme de chauve-souris. C’est lui également qui décide de repeindre en noir tous les équipements qu’il s’est procurés chez Wayne Entreprise et ceux, comme les protège-bras crantés, qui lui on servit lors de sa période d’entrainement chez Ra’s Al Ghul, il incorpore un système de communication dans le masque, créé le squelette pour le tissus mémoire, met à jour la ceinture en enlevant certains éléments.

    En même temps que Bruce Wayne se crée l’identité de Batman, l’identité «alibi» du milliardaire est aussi en construction. Lindy Hemming, la costume designer des différentes tenues portées par Christian Bale dans la trilogie, a choisi de faire porter à Bruce Wayne un costume trois-pièces Armani, reflétant ce style de vie particulier: «It just seems the right choice for a man (Bruce Wayne) who is pretending to be a wealthy playboy.» (Laverty, 2012) Sur les conseils d’Alfred, le personnage doit développer de manière publique l’identité de Bruce Wayne pour ne pas attirer les soupçons sur le fait qu’il pourrait être Batman. Ce style de vie se traduit par une certaine exubérance outrancière11 permettant à Bruce Wayne de faire parler de lui sans attirer l’attention sur Batman, et de montrer une attitude «tape à l’œil» antinomique avec celle du superhéros.

    Dans les films suivants, le costume de Batman est complètement remanié. Si l’on s’en réfère encore une fois à Lindy Hemming, ce sont des contraintes techniques qui ont poussé la production du film à changer littéralement du costume: «We wanted the new Batsuit to be a more supple, more maneuverable, more breathable piece of equipment, like a modern suit of armor instead of a rubber suit», dit-elle dans un article pour le site MovieOnline.com. En effet, le premier costume, fabriqué en néoprène ne semblait pas être assez confortable pour permettre à Christian Bale une facilité de mouvement comme il l’avance lui-même: «In the past, Batman has always had to move his shoulders to turn his head, so that was a definite priority.» (PuppetMaster, s.d.)

    En résulte donc un costume complètement remanié: du plastron sculpté selon les muscles de Batman; on passe à ce qui semble être un ensemble d’éléments qui s’imbriquent les uns les autres. C’est cet enchevêtrement qui fait écho à la narration et à son aspect plus sombre, pour traduire les difficultés rencontrées par Batman. En même temps qu’il commence à devenir plus noir, son costume lui-même devient plus profond: les espaces entre les pièces de Kevlar se creusent, les angles deviennent de moins en moins ronds, et donnent l’impression de muscles de plus en plus articulés, de plus en plus écarquillés. Ces éléments articulés sur le costume créent visuellement des fissures dans le corps. Ces crevasses peuvent rappeler aussi les blessures de Bruce Wayne: tout au long des films, on a pu voir le corps du personnage parsemé d’ecchymoses suite à ses combats.

    Les matériaux utilisés témoignent aussi de cette protection dont Batman a besoin pour combattre les super vilains: les matières inspirées des équipements de l’armée ou du sport sont privilégiées pour leur aspect pratique, mais également parce qu’elles permettent une facilité de mouvement et un plus grand confort. (Nadoolman Landis: 281) Elles sont aussi légères et protectrices, tout en permettant à l’acteur de respirer facilement dans le costume.

    Le costume de The Dark Knight pourrait signifier le besoin de protection, tout en traduisant la faiblesse du personnage à la surface même du costume. Cette faiblesse prend d’autant plus de sens dans The Dark Knight Rises quand le film montre Bruce Wayne au teint terne, aux cheveux et poils longs et grisonnants, en robe de nuit, s’aidant d’une canne pour mouvoir son corps maigri connotant sa vie recluse. Quand il reprend sa mission après sa retraite, Batman est recouvert de ce costume qui met encore plus l’accent sur ces fissures. Le plastron est constitué de trois éléments: l’undersuit fait de métal et de Nylon, les tension straps en caoutchouc et en latex placés de manière verticale pour construire la carrure, et les protective panels, qui miment les abdominaux.12 Ces éléments sont placés les uns sur les autres, produisant un effet de profondeur sur le corps du porteur.

    Les costumes que Lindy Hemming a élaborés suivent et traduisent la narration et la déchéance du superhéros: on passe des muscles sculptés dans le néoprène pour le costume de Batman Begins, à des couches successivement posées sur le corps qui créent des fissures dans le corps du Dark Knight et qui se font le signe révélateur du besoin de protection de Batman, et en même temps la déchéance du personnage.

    Le costume a toujours pour fonction première d’articuler les identités, et devient en même temps un outil de protection du corps indispensable d’autant que Batman est plus faible, et nous offre visuellement les signes de l’assombrissement, et l’approfondissement de la figure.

    Les costumes de cinéma ont ceci d’intéressant qu’ils peuvent fournir, à la fois dans la narration et pour la compréhension de l’histoire, des indices sur les identités des personnages. Cette signification prend d’autant plus de sens quand le personnage est littéralement incarné par ce qu’il porte, et que le vêtement porté articule plusieurs identités. Le costume de Batman apparaît comme révélateur de la déchéance du superhéros, mais en même temps comme armure protectrice du personnage et de ses faiblesses. Le superhéros, n’ayant pas de super pouvoirs, tire sa force de son costume. En cela, la déchéance peut finalement être endiguée grâce à cette armure et à la multitude de gadgets qui viennent parfaire la tenue: Batman, redoublant d’efforts et d’intelligence redeviendra la figure héroïque de Gotham City.

    Les costumes des films n’ont plus besoin d’être «ajusté et moulant», mais doivent construire sur le corps de l’acteur, le corps du superhéros. Probablement pour donner plus de crédibilité au film, on use de matériaux contemporains et déjà utilisés dans des contextes techniques (armée, sport) que l’on dispose en couches successives pour construire le corps affaibli, creusé, comme autant de blessures à la surface.

    Le corps des superhéros est finalement consumable, pour reprendre les termes utilisés par Eco, et le costume se présente comme un élément réparateur, à la fois physique, c’est-à-dire pour le corps, mais aussi de résolution de crise entre plusieurs identités: le Dark Knight finira par se relever.

    Notes

    1. Faire le bien, c’est à dire selon Eco «combattre l’attentat à la vie privée commis par «les membres de l’underworld, le monde clandestin de la pègre s’adonnant (…) au cambriolage de banque ou de fourgons postaux.» (ibid: 143)

    2. «I’m not up for these digital jobs.» (ibid: 50)

    3. «The Superhero’s mission is pro-social and selfless which means that his fight against evil must fit in with the existing, professed mores of society and must not be intended to benefit or further his own agenda.» (Coogan: 77)

    4. «Superhero’s costume remove the specific detail of a character’s appearence, leaving only a simplified idea that is represented in the color and the design of the costume» (ibid: 79)

    5. Si on s’en réfère à Robert Bogdan, les exhibitions ont connu leur succès de grande ampleur entre 1880 et 1930 (Bogdan: 25-68). En janvier 1933, Joe Schuster et Jerry Siegel mettaient au monde Superman dans un fanzine intitulé Science Fiction: The Advance Guard of Future Civilization #3, qui, après nombre de modifications, obtiendra un succès certain en juin 1938 dans Action Comics #1

    6. Pour un exemple avec Batman pendant l’âge d’or, voir «The Origins of Batman» (s.a.: 19-31) Pendant l’âge d’argent avec La ligue des justiciers d’Amérique: «Origins of the Justice league», (s.a.: 75-100).

    7. Ainsi le «grand dentelé» et «l’intersection tendineuse», des muscles abdominaux sont particulièrement utilisés et marqués.

    8. Pour un exemple avec Batman et Green Lantern «Justice league #1» (s.a.: 263-265)

    9. C’est-à-dire dans ce contexte, les films dans lesquels le costume n’est a priori pas «le» créateur du personnage.

    10. Il y a toutefois des contre-exemples, comme le personnage de Wolverine dans le film dédié (Gavin Hood, 2006) où c’est l’acteur, plus que le costume qui incarne le mutant.

    11. Voitures de luxe, plusieurs femmes à ses bras, achat d’un restaurant dans le seul but unique de se baigner dans la fontaine.

    12. Je me base ici sur les dessins préparatoires d’Hemming (Nadoolman Landis: 281)

  • De l’île aux femmes polynésienne à l’Alien américaine (2)

    De l’île aux femmes polynésienne à l’Alien américaine (2)

    Quand la grossesse vient aux hommes

    La scène qui ouvre le premier épisode des aventures d’Alien avec une femme lieutenant nommée Ripley, nous plonge dans l’espace clos d’un vaisseau spatial recelant des berceaux de verre où les personnages, deux femmes et cinq hommes, sont en “hypersommeil”. “Mère”, l’ordinateur qui commande le “vaisseau-mère”, les éveille et leur donne pour mission d’aller explorer une planète d’où vient d’émaner un message signalant la présence d’un organisme vivant. Leur délégué –un homme dénommé Kane- découvre à l’intérieur d’une grotte obscure et chaude des formes ovoïdes par milliers. De l’une d’elles éclôt une chose –sorte de scorpion géant avec des doigts en guise de pattes- qui lui saute au visage en enfonçant un dard buccal dans son œsophage et en enroulant sa queue autour de son cou. Peu après que Kane ait été réintégré dans le vaisseau, la chose chute, telle une mue, du visage de Kane. Quelque temps plus tard, alors que Kane apparemment rétabli est attablé avec les six autres membres de l’équipage, il est soudain pris de douleurs atroces. Une créature effrayante jaillit de sa poitrine et s’enfuit en criant tandis qu’il expire. La croissance de ce bébé parasite est extrêmement rapide et sa taille devient bien vite colossale. Ripley veut faire sauter le vaisseau, mais l’officier scientifique du bord, un androïde, s’y oppose. Il est à la solde de la compagnie commerciale qui les emploie et qui, par l’intermédiaire de “Mère”, l’ordinateur du bord, lui a donné l’ordre de ramener sur terre ce spécimen -Alien- à n’importe quel prix, fut-ce celui du sacrifice de l’équipage. L’adaptabilité de cet être en fait, aux yeux des autorités de la compagnie et des militaires avec lesquels ils sont en tractations, une arme d’une valeur inestimable. Il va, de fait, exterminer tous les passagers, à l’exception de Ripley et de son chaton. L’héroïne finira par faire exploser le vaisseau contenant “mère” et, à la suite d’un dernier combat avec Alien, elle l’expulse hors de sa capsule de sauvetage.

    Deuxième épisode, cinquante-sept ans plus tard: la capsule est récupérée par la compagnie qui, entre-temps, a envoyé des colons s’installer sur la planète maudite. Ripley, une fois éveillée de l’hypersommeil dans lequel elle était demeurée jusque-là, accepte de participer à l’expédition des fusiliers marins chargés d’y retourner pour déceler les raisons pour lesquelles ces colons ont cessé de communiquer avec la terre. Ces militaires au style adolescent, des hommes et des femmes musclés et à la gâchette facile, évoquent avec délectation leurs prouesses sexuelles. Ils confieront bien vite le commandement de leur troupe à Ripley après que leur chef, un macho ridicule, se soit fait éliminer par la bête qui a décimé la colonie en établissant sa ruche en son sein: les colons ont été capturés, immobilisés dans une toile où ils ont été transformés en cocons -chrysalides suspendues au plafond- à l’intérieur desquels se développe le contenu des oeufs d’Alien. Le nid, la pouponnière de la gigantesque reine pondeuse, est gardé par des guerriers de son espèce qui s’attaquent sans répit aux membres de l’expédition, les tuant un à un. Ripley découvre une survivante, une fillette d’une douzaine d’années, Newt, dont elle va s’occuper comme de son propre enfant et qui finira par l’appeler maman. Après bien des démêlées, toutes plus sanguinolentes les unes que les autres, Ripley aura raison de la reine qui tente à toute force de lui enlever la petite fille pour la féconder. Elle découvrira alors que l’officier scientifique du bord, Bourke, avait pour unique dessein de ramener la créature sur terre après qu’elle les ait ‘engrossées’, Newt et elle. Alien ne peut, en effet, se transformer en reine pondeuse que si elle est engendrée par une femme. Ripley aidée d’un nouveau robot dénommé Évêque (Bishop), doté d’une certaine sensibilité -il préfère au terme androïde celui d’homme artificiel-, vaincra son ennemie naturelle et l’allié de celle-ci, Bourke. Restent à bord, une femme adulte, Ripley, une femme enfant, Newt, un droïde incapacité, Évêque -il a été coupé en deux par la reine-, et un seul homme en fort mauvais état, l’officier Hicks.

    Lorsque le vaisseau est récupéré au cours du troisième épisode, Hicks et Newt sont morts. Ripley qui a voyagé, comme eux, dans un berceau de verre la maintenant en hypersommeil, est une fois de plus la seule survivante. Elle ressuscite le droïde qui, après lui avoir avoué les desseins de la compagnie, la prie de le déconnecter pour ne pas être contraint d’y participer. Ripley a échoué dans une raffinerie-pénitentier intergalactique dont la population est uniquement masculine: vingt-cinq prisonniers possédant un double chromosome Y qui sont des meurtriers et/ou des violeurs de femmes et de fillettes, le directeur, ridiculement autoritaire, et son adjoint doté d’un QI inférieur à la normale (quatre- vingt-cinq, son surnom), enfin un médecin, lui-même ex-prisonnier (il a autrefois été à l’origine de la mort de trente-cinq personnes). Les prisonniers ont fait voeu de chasteté et constituent une sorte de confrérie religieuse au sein de laquelle la présence d’une femme est censée porter malheur. Ils seront, de fait, massacrés par la puissance mortifère qui est dans le sillage de l’héroïne. Alien, l’insecte géant prolifique, l’a non seulement suivie, mais elle l’a aussi fécondée: la compagnie abattra jusqu’au dernier des rescapés de ces hommes déchus dans sa vaine tentative pour sauver Ripley devenue l’écrin du joyau le plus précieux, la reine Alien. Mais auparavant Ripley aura eu le temps d’organiser avec les prisonniers une battue qui précipite Alien vers la fonderie du centre où son sort sera scellé dans le métal en fusion. Parmi les hommes dépêchés par la compagnie se trouve Evêque, le créateur du droïde qui porte son nom. Il tente de convaincre Ripley de revenir sur terre avec eux: “Pourquoi renoncer à une vie normale, des enfants?” L’un des prisonniers lui avait fait la même suggestion: “Vous devriez vous marier, avoir un enfant.” Plutôt que de réintroduire une maternité monstrueuse et létale, Ripley préfère se sacrifier: elle s’élance dans le métal en fusion les bras en l’air, tel le Christ en croix; son bébé, la petite reine-mère jaillit alors de sa poitrine, elle l’enserre dans ses bras, telle une vierge à l’enfant, et l’entraîne avec elle dans la mort.

    Deux cents ans plus tard, deux médecins, Gediman et Wren ont réussi à cloner Ripley à partir du sang prélevé dans le chaudron infernal. Ce clonage d’une Ripley enceinte, fusionnée à la petite reine Alien, aboutit à l’émergence de deux êtres hybrides: leurs gènes se sont mélangés et elles ont acquis les aptitudes respectives de l’une et l’autre. La capacité de croissance et de remémoration de Ripley, son système de défense -un sang acide extrêmement corrosif qui lui permet de cicatriser à la vitesse de l’éclair et qui attaque les structures métalliques-, sa force, son agilité et sa rapidité sont à la mesure de ce qu’elle a perdu en émotivité: elle est bien moins concernée que dans ses vies antérieures par les périls que sa descendance fait peser sur l’humanité. La reine Alien a, pour sa part, acquis par son hybridation avec Ripley un système reproducteur complet: elle a hérité d’une matrice qui lui permettra d’accoucher, non sans douleurs atroces, d’un fils mi-insecte mi-humain. Malheureusement celui-ci la décapitera dès sa mise au monde. Mais, entre-temps, la reine aura eu le temps de pondre des œufs d’où jailliront d’autres démons. L’avenir de l’humanité est à nouveau sérieusement compromis.

    Les apprentis sorciers de ce grand oeuvre sont des hommes, des chercheurs spécialisés dans les nouvelles modalités de reproduction, protégés par l’armée. L’action de ce quatrième épisode –La résurrection– se déroule dans un vaisseau spatial de recherche médicale, un univers aseptisé d’hommes en blanc encadrés par des soldats armés jusqu’aux dents. La première scène nous confronte au processus alchimique qui est en cours: de la soupe primordiale d’ADN émerge la nouvelle Ripley accolée à son bébé. Quelque temps plus tard, nous sommes amenés à assister à l’extraction chirurgicale, par césarienne thoracique, de la reine pourvue déjà de toutes ses dents. Les parents adoptifs, Gediman et Wren, et le reste du personnel médical se penchent avec émotion, tels les rois mages, sur ce nouveau-né miraculeux qu’ils s’empressent d’enfermer dans un flacon. Ils hésitent à maintenir en vie la mère qui représente, aux yeux du général, un danger potentiel: ne va-t-elle pas essayer, une fois de plus, d’exterminer Alien, son adversaire de toujours? Les médecins, espérant qu’elle les aide à percer plus avant les mystères de la procréation, la sauvent. Bien mal leur en prend: la mère n’est-elle pas l’ennemi éternel de l’homme, l’empêchant sans relâche d’accaparer la fonction reproductrice féminine, la grossesse, qui est son exclusive? De fait, Ripley se transformera à nouveau en commandante en chef du clan qui anéantira sa descendance aberrante devenue, dans l’intervalle, fort nombreuse.

    En effet, des proies humaines vont être servies en pâture aux œufs de l’Alien reconstitué par hybridation: elles seront engrossées par les germes parasites et se métamorphoseront en chrysalides porteuses d’où émergera la prolifique progéniture de la reine Alien et de Ripley, sous le regard appréciateur autant que médusé du corps médical. Les militaires se sont procuré ces victimes sacrificielles en achetant les services d’une troupe de mercenaires qui les ont kidnappés alors qu’ils étaient en hypersommeil dans leurs vaisseaux spatiaux. Mais les pirates ignorent le destin de ces otages.

    Médecins et militaires agissent de concert et dans le plus grand secret: ils se dévouent aux mystères de la vie et de ses origines, c’est-à-dire à la procréation. Ces initiés qui portent l’uniforme (blouse ou costume militaire) se conforment à des règles de conduite strictes et puritaines: en leur sein, ni alcool, ni sexe. La mixité et le caractère hétéroclite et farfelu de la vêture de ces baroudeurs adolescents que sont les mercenaires permettent de les opposer point par point aux membres des groupes précédents: ils jurent, boivent, se battent, parlent sexe à longueur de temps, jouent aux cartes et écoutent de la musique rock. Parmi eux, deux femmes: l’une est la petite amie de leur chef, l’autre, à la féminité exacerbée, Call, est un robot de deuxième génération, c’est-à-dire créé –engendré- par un robot. Ces deux femmes se distinguent de la nouvelle Ripley par leur penchant à vouloir protéger leurs prochains envers et contre tout. Ces qualités féminines permettront à l’héroïne de recouvrer l’âme quelle a perdue en s’animalisant via la maternité. Tout en traitant Call de “conne dernier modèle”, car elle a été programmée pour racheter l’humanité décadente et s’avère plus sensible que “les vrais humains”, Ripley se rangera finalement à ses côtés et sauvera, une fois de plus, les hommes.

    Alors que Ripley et Call sont dans la chapelle du vaisseau, face à un crucifix, Ripley branche Call à l’ordinateur central, “père”, la forçant ainsi à substituer au programme du méchant père inhumain celui du gentil robot plus qu’humain: le compte à rebours qui aboutira à l’explosion du navire démoniaque peut démarrer. Gediman et Wren, les deux médecins, ne survivront pas longtemps à l’annihilation des pouvoirs de “leur” père: “Père, localise la perte d’énergie. Père, tu m’entends?” questionne vainement Wren. “Père est mort, sale con!” lui répond sans aménité Call. Si les femmes se montrent solidaires, les hommes sont, pour leur part, répartis en deux clans antagonistes -les ‘prosexe’, les mercenaires, et les ‘promaternité’, médecins et militaires- qui s’entre-tuent. Au terme d’une série de courses poursuites durant lesquelles un homme ensemencé accouche d’un monstre, les rescapés sont exterminés par les rejetons d’Alien qui accrochent leurs trophées aux mailles du nid de leur reine.

    Ripley chute dans une fosse tapissée de membres de sa “petite famille” grouillante. Elle jouit de ce contact intime et est conduite à assister à la mise au monde par la reine de leur fils commun.1 Le spectacle de l’accouchement est affligeant. Tout est mis en œuvre pour révéler l’aspect monstrueux de l’enfantement par voie “naturelle” et utérine. La reine qui a troqué son oothèque détachable et ‘clean’ contre une matrice gît sur le dos sur son lit de douleur composé de matières gluantes quasi-excrémentielles, “une mare pestilentielle” (Crispin & Whedon 1997: 261):

    (…) un cri retentit encore plus perçant que les autres (…). Le ventre de la reine entra en expansion (…). Ripley se crispa. Un souvenir émergeait de sa mémoire. Il m’est arrivé la même chose. J’ai accouché. J’ai été une mère, (…) Je criais en sentant mon ventre se distendre.(…) Elle regardait la reine se débattre et hurler dans la fange et le mucus, et cette parodie obscène de ce qu’elle avait elle-même vécu lui donnait des nausées. (…) le ventre enflé ondoyant, les déchirements épouvantables, la pression inexorable. La reine (…) beugla et essaya de se lever de son lit fétide. Brusquement un jet de sang jaillit tel un geyser du ventre de la reine. La femelle hurla encore (…) Ripley (…) referma ses mains sur son ventre et hurla à l’unisson. La créature qui se contorsionnait s’effondra dans l’immonde bourbier (…) Il y eut un dernier hurlement, un bruit épouvantable, et le Nouveau-né émergea des confins exigus de l’utérus maternel. La face du Nouveau-né avait incontestablement des caractéristiques humaines, trop humaines. (…) Il avait les traits de la Mort. (…) [Il] rampa sur sa mère, en direction de sa tête. La reine émettait à présent de doux roucoulements maternels, très fière de ce qu’elle avait accompli. Il se rapprocha (…) tendit brusquement sa grande main et la décapita, projetant de tous côtés des fluides corporels. Le Nouveau-né se jeta sur le corps frémissant de sa génitrice pour le déchiqueter. (ibid.: 247-251)

    Le fils prodige s’approche, en revanche, avec délectation de Ripley. “Il croit que tu es sa mère” remarque Gediman, l’un des deux médecins accoucheurs de Ripley, qui a lui-même été métamorphosé en cocon et auquel la créature s’empresse de défoncer le crâne. Les seuls hommes réchappés de ce massacre quasi obstétrical sont un handicapé physique et un simple d’esprit, Vriess et Johner. Ils participeront à l’amerrissage explosif sur terre du vaisseau mercenaire dans lequel ils ont pris la fuite en compagnie de Call et Ripley. Dans la dernière scène, les deux femmes sont enlacées, émues comme au premier jour de l’avènement du monde à la vue de leur planète une nouvelle fois sauvée du désastre, tandis que Johner embrasse Vriess sur la bouche. Mais auparavant Ripley a dû, non sans amertume, éliminer le fils qui la séduit tant: il s’est immiscé dans la capsule et elle finit par l’expulser dans l’espace où il se dissout en hurlant. Ripley, en larmes, lui demande pardon.

    Dans le mythe de Kae, comme dans celui d’Alien, nous sommes confrontés à des modes d’accouchement inhabituels et mortels: césarienne abdominale pratiquée par un magicien dans un cas, explosion ou césarienne thoracique résultant d’une invasion parasitaire dans l’autre. De même que les deux mythes aboutissent à l’accession des personnages féminins principaux à leur fonction procréatrice pleine et entière: la cheffesse de l’île aux pandanus et la reine alien mettent au monde un fils alors qu’elles en étaient initialement incapables. L’identification de Ripley, l’héroïne d’Alien, avec la reine est clairement établie: non seulement, en assistant à son accouchement, elle se remémore le sien, mais encore, le film et le livre qui en a été tiré attribuent la ‘maternité’ de ce fils, monstre qui a les traits de la mort, à Ripley. Cette identification sert donc avant tout à montrer l’aspect monstrueux, animal et mortifère de l’enfantement naturel auquel sont également associées les mises au monde des parasites par des humains dans les différents épisodes: ils sont engrossés par la bête au moyen d’une forme animale intermédiaire –l’espèce de scorpion géant qui joue le rôle d’un placenta2– et métamorphosés en chrysalide emprisonnée dans une toile. De ce point de vue, les deux mythes vont dans des sens inverses. Sur l’île aux pandanus, on part d’un accouchement artificiel, par incision, qui tend à végétaliser l’espèce humaine, auquel les mères ne survivent pas – elles sont sacrifiées – à l’accouchement naturel au travers duquel elles sont introduites à la culture. Dans l’espace intersidéral, on passe d’un accouchement naturel, qui tend à animaliser l’espèce humaine tout en l’exterminant, à la césarienne thoracique de l’héroïne qui va lui permettre de survivre à l’enfantement et d’être réintégrée à la société humaine. La gestation d’Alien a lieu en dehors d’elle, dans la cage thoracique de ses proies, et non dans le bas du corps. Cette inversion du bas vers le haut souligne tout à la fois le caractère asexué de ce mode de reproduction et l’égalité des sexes face à une matrice gravide qui est, en premier lieu, externalisée sous forme d’un œuf. L’ennemi commun aux hommes et aux femmes est ici la force génésique qui cherche à les posséder. Dans le mythe de Kae, l’aspect positif conféré à la reproduction procède de sa subordination à la sexualité et, par là, à la différence des sexes.

    Dans ce dernier cas de figure, on passe d’une atemporalité où le même se substitue au même, les filles à leurs mères, à un temps linéaire, historicisée, proprement généalogique qui requiert l’acceptation conjointe du vieillissement et de l’hétérosexualité, conditions mêmes de la coexistence des générations successives. Dans Alien, l’héroïne telle la belle au bois dormant ne vieillit jamais: elle est maintenue au même âge grâce à l’hypersommeil dans lequel elle est plongée dans l’intervalle des trois premiers épisodes, et au clonage dans le dernier; il n’y a pas coexistence de générations adjacentes puisqu’elle sacrifie systématiquement ses enfants (même la fille qu’elle a adoptée au cours du deuxième épisode ne lui survit pas3). Dans l’espace intersidéral, le temps est suspendu. À cette distinction des temporalités mythologiques, traditionnelles et postmodernes, correspond la différence des mouvements spatiaux auxquels ils sont rattachés: respectivement, horizontal, entre terre et mer, et vertical, entre ciel et terre. Cette inversion des axes spatiaux signale en fait des oppositions structurales beaucoup plus fondamentales.

    Nous avons vu que le mythe marquisien établit une corrélation entre la succession des générations et la distinction des activités et des identités sexuelles. Pour ce faire, il connote positivement la procréation naturelle en tant que processus sous-tendant la transmission d’un ordre culturel de parents à enfants. Et tout en reconnaissant l’asymétrie homme/femme sur le plan de la reproduction, il lui appose une asymétrie strictement inverse: ce sont les hommes qui initient les femmes à la part qui leur revient dans le processus reproducteur. Ainsi, à la crainte que les femmes ne puissent se reproduire entre elles en se dispensant des hommes, il substitue la crainte que les mères ne survivent pas à un enfantement où le masculin n’interviendrait pas. Et, pour asseoir la responsabilité des hommes dans le processus reproducteur, le mythe postule le primat du masculin sur le féminin. Le mythe américain emprunte des voies strictement inverses. Il attribue une valeur négative aux relations entre parents et enfants: le vieillissement est refusé et les enfants sacrifiés tandis que la reproduction est abhorrée. La valeur négative conférée à la reproduction tend à annuler la distinction entre les sexes: à la division des activités et des sphères masculines et féminines est substituée la mixité et la valeur accordée à l’homosexualité. Parallèlement, la primauté du féminin l’emporte. À l’opposition de la valeur attribuée aux rapports entre les générations dans les deux mythes, positive dans un cas, négative, dans l’autre, correspond donc l’opposition de la valeur attribuée à la procréation et la distinction des modalités relationnelles entre les sexes.

    Il y a certainement lieu d’établir un rapprochement entre les modalités relationnelles parents/enfants et hommes/femmes dans Alien. En effet, la symétrisation des rôles socio- culturels masculins et féminins – ils exercent des activités similaires dans un même univers confiné, l’intérieur des vaisseaux spatiaux – est corrélée à l’égalité des sexes face à la gestation, symbolisée par la coexistence de grossesses masculines et féminines qui se substitue à la coexistence des générations: les géniteurs sont tués par l’enfantement ou tuent leur progéniture. Même les ordinateurs de bord et les vaisseaux spatiaux auxquels est attribuée une fonction parentale – maternelle puis paternelle – sont détruits par les enfants sur lesquels ils sont censés veiller et protéger: de fait, ce sont des méchants, des “pro-maternité” assimilés à la compagnie; ils seront, en conséquence, détruits par les “pro-sexes”.

    On relèvera alors que cet ensemble de faits aboutit dans le dernier épisode à une véritable confusion des générations et des genres, confusion que condense le personnage de l’héroïne: d’un côté, elle est simultanément la grand-mère, la mère et le père du fils d’Alien; de l’autre, quoiqu’hyperféminine, elle tient la place habituellement dévolue à l’homme dans un couple hétérosexuel dans les deux couples homosexuels qu’elle constitue respectivement avec la reine et Call. C’est grâce à elle que la reine, sa fille, engendre –au lieu de pondre– et qui plus est d’un fils; la sexuation de ce mâle –humain, trop humain- étant explicitement rapportée, dans le film et dans le livre, aux rapports physiques de Ripley avec cette créature. La complémentarité des rôles que jouent Ripley et Call renvoie à la supériorité de la force physique de la première par rapport à la seconde et à sa moindre sensibilité émotionnelle, caractéristiques qui sont traditionnellement rapportées au masculin. Cette confusion des générations et des genres est intriquée à des connotations incestueuses (Ripley entretient des rapports de séduction avec sa progéniture) et homosexuelles (Ripley tente de séduire Call et le film se clôt sur la vision de leur couple enlacé et de celui des deux seuls hommes rescapés s’embrassant sur la bouche).

    On est ici confronté, en fait, à deux formes d’homosexualité. La première renvoie à la relation physique de Ripley avec sa fille, la reine Alien avec laquelle elle est fusionnée au point qu’il y a échange génétique réciproque entre elles; elles constituent ensemble une même entité féminine dédoublée, la fille représentant la fonction reproductrice de la femme et c’est elle qui sera immolée. L’autre forme d’homosexualité renvoie à la relation érotisée entre Ripley et Call, deux femmes qui représentent la quintessence de la féminité. Call se substitue à la femelle reproductrice: le dernier épisode s’ouvre sur la fusion de Ripley avec Alien et se referme sur l’image de son union avec Call. Celle-ci est un robot engendré par un robot (Immaculée Conception s’il en est …) dont le nom anglais Call évoque “celle qui secourt le monde”. De fait, c’est grâce à cet ange gardien que l’héroïne recouvre l’âme qu’elle avait perdue en s’animalisant via la reproduction. La femme robot finit par supplanter dans le cœur de Ripley la créature qui personnifie, au contraire, l’âme damnée de celle-ci: elle est plus qu’humaine et a été programmée pour sauver l’humanité. Cette seconde forme d’homosexualité est purement érotique; Ripley ne peut en aucun cas engendrer avec une femme robot et il en va, bien entendu, de même pour Vriess et Johner. Dans ce cycle mythique, on passe donc d’une mixité généralisée qui s’accommode d’une forme d’homosexualité reproductive, mais négative, à une homosexualité non reproductive et positive. La morale de l’histoire tend alors à asseoir, non la supériorité du masculin sur le féminin, mais celle de la fonction érotique sur la fonction reproductrice et à valoriser la disjonction de ces deux fonctions. Dans le mythe de Kae, on passe, en revanche, d’une homosexualité reproductive, mais mortelle à une hétérosexualité positive qui combine l’érotisme à la procréation (avant même d’être enceinte, la cheffesse apprécie fort l’agrément d’avoir un mari humain). Mais dans cette histoire-là, le sauveur de l’humanité est un homme.

    Dans Alien, le primat du féminin est mis en évidence d’une part, par le sexe de l’héroïne, d’autre part, par l’infériorité physique, morale et intellectuelle des personnages masculins tout au long du récit. L’accroissement de sensibilité des robots successifs, leur humanisation, renvoie elle-même à la transformation du genre sous lequel ils se rangent: les deux premiers ont des traits masculins et ne font pas le poids face à Ripley, même si l’un est méchant et l’autre gentil, tandis que la femme droïde est quasiment à égalité avec elle sur le plan de leurs qualités respectives.4) Dans le domaine de la robotique, dont on nous promet l’expansion, le féminin l’emporte aussi sur le masculin.

    À ces différentes oppositions structurales entre les mythes polynésien et américain, on ajoutera celle qui substitue à l’initiation masculine de Kae, celle du lieutenant Ripley. Car cette épopée interstellaire décrit aussi, d’une manière allégorique, une véritable initiation féminine. Une jeune femme est extraite de son milieu habituel -la terre-, pour être immergée dans un environnement sauvage, non domestiqué -l’espace intergalactique-, où elle doit affronter bon nombre d’épreuves douloureuses qui la confrontent à la part de sa féminité à laquelle elle n’a pas encore accédé: la maternité qui la terrifie et qui revêt, pour elle, une forme hideuse. Durant cette période liminale, elle franchit différentes étapes qui la conduisent à assumer progressivement cette autre face d’elle-même: elle est successivement mère nourricière d’un chaton, mère adoptive d’une fillette, génitrice d’une femelle puis d’un mâle non humains. L’épreuve la plus périlleuse consiste donc pour elle à intégrer à son corps l’animalité qui la consacre femme en se soumettant à Alien, son alter ego maternel, pour la faire taire à tout jamais: elle doit mourir pour renaître totalement métamorphosée, encore plus forte et féminine qu’avant. Elle peut alors être réagrégée à la société humaine avec un statut nouveau de femme pleine et entière, habilitée à vivre une sexualité libérée de toute contrainte reproductrice … à moins qu’entre temps elle n’ait pris goût à son rôle de mère. On chuchote qu’un cinquième épisode est en préparation.

    Chasser le naturel, il revient au galop

    Au cours des quatre volets de la saga Alien, le personnage éponyme, l’étranger (alien, en anglais) que doit combattre l’héroïne, a les traits d’un prédateur exceptionnel -une sorte d’insecte géant mi-fourmi mi-araignée- qui transforme ses proies humaines en cocons où déverser le contenu de ses œufs. Le seul objectif de ce monstre est de se reproduire: on ne le voit jamais ni manger ni copuler. La prédation dont il est ici question est la procréation: la bête ne dévore pas ses victimes, elle s’empare de leur corps pour engendrer. C’est un envahisseur de type cancer: il extermine de l’intérieur, en pénétrant les organismes hôtes où il se développe à la vitesse de l’éclair. L’arsenal d’Alien est constitué par son système reproducteur et son arme suprême est la grossesse: le contenu de ses œufs est implanté dans la poitrine de ses victimes par l’intermédiaire d’un organe projectile dont l’une des extrémités, boursouflée, se moule sur le visage, tandis qu’un dard, allongé tel un pénis, s’enfonce dans l’œsophage; au terme d’une gestation thoracique relativement rapide, l’accouchement du nouveau-né provoque l’explosion de l’hôte porteur.

    Cette “chose” répugnante qui a de nombreux avatars (cf. La chose, La mutante, Xtro, etc.) n’est autre que le masque hideux qui sert à désigner, dans l’Occident moderne dont les USA sont le parangon, l’aspect inhumain, bestial, invasif, en un mot parasitaire, de la procréation (cf. Moisseeff 2000a). Pour corroborer cette perspective, il apparaît utile de rappeler que l’un des enjeux, largement méconnu du grand public, de la recherche médicale contemporaine est de rendre compte du mystère du développement d’un corps étranger (alien) – le bébé – dans le corps maternel. Une version moderne, oserait-on dire, du mystère de l’incarnation. Mais cette façon de concevoir le bébé comme étranger – comme parasite prenant possession du corps maternel – n’est pas réservée aux seuls spécialistes: elle transparaît dans les films de science-fiction. Dans Alien, la grossesse est bel et bien montrée comme un processus parasitaire aboutissant à la mise au monde d’un animal, d’un autre tout à fait autre puisqu’il est extra-terrestre. Dans La mutante 1 et 2, l’enfant monstrueux est issu d’un ADN extra-terrestre: il révèle sa nature non humaine, quasi animale lorsqu’il s’apprête à engendrer, c’est-à-dire lors de sa métamorphose en prédateur à l’affût de victimes qui sont nécessaires à sa reproduction aberrante.

    De fait, l’idéologie occidentale, tend à souligner la différence existant entre l’enfant et ses parents: si père et mère sont bien censés transmettre une part de leur matériel génétique, le produit final issu de ce mélange, l’enfant, est censé, pour sa part, être différent de l’un et de l’autre grâce à la recombinaison génétique; différence qu’il s’agira de respecter afin de ne pas entraver le développement et l’épanouissement d’une personnalité parfaitement originale. La recherche génétique et les manipulations dans l’ordre de la reproduction qui lui sont rattachées s’évertuent donc à lever le voile sur le mystère des origines et de l’incarnation. Étant donné la large publicité qui leur est faîte dans les différents médias, il n’est pas surprenant qu’elles donnent lieu à des élaborations symboliques faisant écho aux préoccupations du grand public, telles que les œuvres de science-fiction qu’il nous faut considérer, c’est du moins mon avis, comme une nouvelle forme de mythologie. Elles sont, dans cette optique, susceptibles de nous éclairer sur notre idéologie.

    On remarquera alors que la grossesse, cette phase de la reproduction sexuée dévolue aux seules femmes, confine à une asymétrie quasi intolérable dans un univers culturel où la symétrisation des rôles sexuels est un idéal affiché. La science médicale s’est emparée avec succès de ce problème: faire des bébés hors du ventre de leur mère est une solution, semble-t-il, on ne peut plus adéquate. Tout se passe donc comme si les instances médicales s’étaient approprié la fonction reproductrice féminine au moyen d’une technologie de plus en plus sophistiquée qui leur confère un pouvoir grandissant en ce domaine (cf. Moisseeff 1990). L’appropriation des pouvoirs féminins est, somme toute, une thématique assez banale en anthropologie où on la retrouve au fil des rites et des mythes de contextes culturels plus traditionnels. Elle sert alors à justifier la supériorité conférée à la collectivité masculine, notamment dans le domaine de la fertilité.

    Dans le mythe d’Alien, ceux qui tentent d’accaparer les pouvoirs reproducteurs en s’emparant de la créature sont également des hommes (officiers scientifiques à la solde d’une compagnie commerciale et militaire), mais ils sont par contre, systématiquement et sans ambiguïté, situés du côté des méchants. Car l’un des paradoxes de la culture occidentale consiste à associer la reproduction –ici figurée par Alien-, moins à la perpétuation de l’espèce qu’à son anéantissement: l’extraordinaire pouvoir de démultiplication de la bête, qui sous-tend sa destructivité phénoménale, doit être mis en relation avec la crainte sans cesse réitérée d’une surpopulation annihilante. D’où l’impact recherché du titre du dossier de L’Express du 7 octobre 1999: “Le 12 octobre, nous sommes 6 milliards”. Dans la perspective du monde ‘évolué’ des sociétés industrialisées –du G7 et de l’OMC-, la démographie galopante, la fertilité incontrôlée des femmes des pays ‘en voie de développement’ –c’est-à-dire ceux dont on espère qu’ils atteindront un jour l’échelon supérieur de l’évolution– représente un danger pour l’ensemble de l’humanité: le degré d’évolution culturelle est estimé inversement proportionnel au taux de reproduction. À la différence de ce qui a généralement cours en milieu traditionnel, le malheur, voir la maladie tend, en Occident, à être référé moins à la stérilité qu’à un excès de fertilité.5Thème qui est loin d’être moderne: on se souviendra ici du célèbre pamphlet de Jonathan Swift, A Modest Proposal for Preventing the Children of Poor People, from Being a Burthen to their Parents datant de 1729, où l’auteur suggère avec son humour froid et ravageur de résoudre la misère de la surpopulation par l’anthropophagie.

    On ne jugera donc pas anodin que, près de trois siècles plus tard, l’un des sous-titres du dossier de L’Express consacré au ‘problème’ démographique soit “La stérilisation est devenue le premier moyen mondial de contraception”. Maîtriser la reproduction des pauvres, des ‘sous-évolués’, en contrôlant le ventre de leurs femmes est, en effet, devenu l’un des objectifs majeurs du monde ‘civilisé’ (cf., entre autres, la conférence du Caire orchestrée par l’ONU en 1995). Face aux risques supposés dramatiques d’un surpeuplement terrien auxquels une reproduction naturelle, non jugulée, est censée exposer l’humanité, la stérilisation apparaît comme un moyen conjuratoire efficace, laissant augurer, au seuil du troisième millénaire, de l’avènement du meilleur des mondes tel qu’il fût dépeint par Huxley dès 19326. Dans cet univers utopique, seuls quelques sauvages survivant dans des réserves lointaines usent encore de la maternité, au grand dam des “civilisés” dont l’une des devises favorites est: “la civilisation, c’est la stérilisation”(1978: 130 et 141). Nous n’en sommes pas si loin: après la réunification, des centaines de femmes originaires d’Allemagne de l’Est se sont fait stériliser pour obtenir plus aisément un emploi (Manier 1995: 10). L’égalité économique et sexuelle a un même coût: celui de l’abandon ou de la mise à l’écart de la fonction maternelle, c’est-à-dire de sa maîtrise infaillible. Celle-ci a pour corollaire l’accession au plaisir sexuel: dans Le meilleur des mondes, les civilisés s’adonnent à volonté aux joies d’Éros libéré de tout risque reproducteur (cf. Moisseeff 2000b), les bébés étant fabriqués en flacon, au besoin clonés, dans des centres “d’incubation et de conditionnement”, de ‘procréation médicalement assistée’ dirions-nous plus pudiquement aujourd’hui. “Homos, le droit d’être parents” était le titre de couverture du numéro de L’Express évoqué ci-dessus. L’accession des homosexuels à la parentalité, par le biais de l’adoption et des nouveaux modes de procréation, souligne la disjonction possible et effective, dans notre monde actuel, entre sexualité et procréation. On voit que la science-fiction peut revêtir une forme prophétique nous enjoignant à la reconnaître comme un objet anthropologique au sens propre.

    Or, précisément, dans le domaine de la science-fiction, Alien pourrait être considéré comme la suite logique du Meilleur des mondes: tout s’y passe comme si Dame Nature –la procréation sous le visage du monstre– revenait hanter les humains qui l’ont désavouée en séparant sexualité et procréation. Les méchants, comme il se doit, sont ceux qui tentent de récupérer à leur profit la bête perçue comme l’arme suprême destinée à assujettir les populations. Ce sont, nous l’avons vu, des hommes. Le héros susceptible de déjouer les méfaits du monstre et de ses alliés est, en revanche, une femme. Si la menace qui pèse sur l’humanité renvoie à la transmission des pouvoirs reproducteurs féminins de mère en fille, alors seule une femme possédant la capacité d’enfanter et refusant néanmoins de l’exercer, est à même d’incarner la force victorieuse sur le dragon procréateur.7 Cette héroïne, le lieutenant Ripley, devra emprunter une trajectoire particulière au cours de laquelle elle affrontera des épreuves de plus en plus périlleuses dont l’ultime est la mort. Elle pourra alors renaître totalement métamorphosée et encore plus forte et féminine qu’avant. Ce symbolisme de la mort et de la renaissance, si caractéristique des rites d’initiation masculine en d’autres temps et en d’autres lieux (cf. Moisseeff 1987, 1995, 1998), renvoie ici à une initiation féminine. Cette inversion signe on ne peut mieux la modification du rôle des femmes dans les sociétés occidentales modernes: elles sont susceptibles d’accéder à un statut social aussi valorisé que celui des hommes, à la condition expresse de mettre de côté leur rôle maternel.

    Dans la mythologie hollywoodienne, l’ennemi du futur est clairement désigné comme la procréation: déchue de ses droits naturels, elle flotte en quelque point de l’espace, en dehors de ‘notre’ système solaire, et tente à toute force de revenir sur terre, chez ses chers humains qui l’ont désavouée. Cette mythologie fait des emprunts incontestables à la mystique judéo-chrétienne: Ripley, en engendrant les deux sexes d’Alien, combine les fonctions attribuées à Adam et Marie. Elle personnifie aussi la rédemption, mais, en contraste avec le Christ, au lieu de monter aux cieux, elle en redescend: la terre où l’on s’adonne à tous les plaisirs charnels est ici le paradis, tandis que le ciel, peuplé de monstres en tous genres, est l’enfer. Dans cette optique, Dieu en créant la mère de tous -Ève- a fait basculer les hommes de l’Eden vers l’Enfer en condamnant l’humanité au mal absolu, la grossesse: pour accéder à la spiritualité orgastique du Meilleur des mondes, les humains devront la sacrifier. Ils font donc appel aux grands prêtres de la médecine, des gynécologues-obstétriciens auxquels ils ont conféré un pouvoir de vie et de mort sur la maternité. Certains sont bons: ils exorcisent la possession maléfique. D’autres sont mauvais: ils tentent par des pratiques occultes de s’approprier la force génésique féminine pour dominer le monde; ce faisant, ils ouvrent la boîte de Pandore et sont détruits par leurs démons. Les chevaliers de l’apocalypse sont les scientifiques flanqués des militaires et des marchands du temple (la compagnie commerciale). Les anges qui déjoueront leur objectif sont des individus déchus, des criminels qui, en s’attaquant aux femmes, se sont trompés de cible, des adolescents attardés adorateurs du sexe (Les fusiliers marins du deuxième épisode et les mercenaires du quatrième), des robots en révolte qui ont été engendrés, non par une mère, mais par une machine. À leur tête, la femme, la vraie, une rebelle: elle deviendra mère à son corps défendant, mais immolera la fille et le fils prodiges par lesquels la procréation féminine, Alien, risque de venir hanter à nouveau les humains.

    On conviendra, je l’espère, de la pertinence qu’il y a à comparer deux mythes appartenant à deux aires et deux ères bien différentes. Cet exercice apporte incontestablement un éclairage particulier sur les transformations qui sont à l’œuvre sur le plan de la reproduction et des rapports entre les sexes dans nos sociétés. Et on aura remarqué que, dans tous les cas, une femme initiée en vaut deux: aux Marquises, la mère y gagne une fille tandis qu’aux Amériques, Ripley y gagne un super-robot… Deux morales distinctes qu’il nous faut peut-être méditer ensemble.

    Article initialement paru en 2003 in A. Babadzan (éd.), Insularités. Hommage à Henri Lavondès. Nanterre, Société d’Ethnologie: 79-107, et sous une forme abrégée “Alien ou le retour d’un mythe polynésien”, Nouvel Observateur Hors Série ‘Lévi-Strauss et la pensée sauvage’, juillet 2003: 82-85 et Le siècle de Lévi-Strauss, 2008, CNRS Editions, Paris: 157-164. Paru en anglais in S. Dunis (ed.) Sexual Snakes, Winged Maidens and Sky Gods: Myth in the Pacific, An Essay in Cultural Transparency, 2008, Editions Haere Po, Pape’ete: 141-154.

    Notes

    1. Une explication communiquée sur internet précise, en effet, que Ripley est le catalyseur indispensable à l’acquisition par sa fille, la reine, d’une matrice et à la sexuation de ce dont elle accouche. Ripley et sa fille devaient même avoir un contact plus ou moins sexuel censé déclencher le processus de transformation de la reine (cette scène aurait été supprimée du scénario final). Si Ripley est, de ce point de vue, à la fois la grand-mère, la mère et le père de cet être mi-insecte mi-homme, tout est fait pour nous démontrer qu’elle est en fait la véritable mère et elle se définit elle-même comme telle vis-à-vis de tous les aliens nés sur le vaisseau. Les spectateurs et les critiques ne s’y sont d’ailleurs pas trompés: “A la fin du film, nous assistons à l’incontournable face-à-face entre la belle et la bête, à ceci prêt que l’une est la mère et l’autre est le fils.” (Thoret & Vérat 1997: 23)

    2. Je suis reconnaissante à Dimitri Karadimas d’avoir attiré mon attention sur ce fait.

    3. Dans le livre tiré du quatrième épisode (cf. Crispin & Whedon ib.), et à la différence de ce qui est sous-entendu dans les films, Ripley est censée avoir eu une fille sur terre, mais elle ne l’a pratiquement pas connue et celle-ci ne lui a, bien entendu, pas survécu.

    4. Le choix de deux stars hollywoodiennes de notoriété équivalente, Sigourney Weaver et Winona Ryder, n’est, dans cette perspective, pas anodine.

    5. Rappelons que dans Le nouveau Petit Robert (1995), le terme lapinisme signifie: “Fécondité excessive (d’un couple, d’un peuple)”. Dans les sociétés exotiques étudiées par les ethnologues, on qualifie rarement voire jamais une fécondité d’excessive. Son évocation dans les sociétés occidentales modernes, et certainement dans la nôtre, en témoigne cette expression, est associée non seulement à une forme de maladie, mais aussi à l’animalité: ‘Ces gens-là se comportent comme des animaux!’, entend-on parfois. La forte prolificité du lapin le qualifie pour évoquer tout à la fois la maladie de l’excès de fécondité et l’animalité à laquelle elle confine. Maladie bien particulière puisqu’elle est censée affecter non seulement les couples, mais également les peuples, en l’occurrence ceux qui ne sont pas à égalité sur l’échelle de l’évolution: les pauvres, les sauvages, ceux en voie de développement.

    6. Rappelons que pour Huxley, les risques de la mise en place “d’une dictature scientifique” à même d’imposer une stérilisation généralisée découleraient des conséquences inéluctables d’une surpopulation, ce qu’il explicite dans Retour au meilleur des mondes publié en 1958.

    7. La dédicace énigmatique de Crispin (1997) à Sigourney Weaver, l’actrice interprétant le rôle de la combattante en titre d’Alien, n’en est pas moins éclairante à cet égard: “Nous la remercions d’avoir créé un personnage de héros féminin qui nous inspire à tous du respect. Après tout, le premier ‘héros’ a été une femme.” Mais le héros ici évoqué était-il Ève, Marie ou Lilith? Après tout, leur héroïsme peut être vu comme découlant de l’innovation qu’elles ont apportée en matière de fonction maternelle. Et, de ce point de vue, Ripley leur ressemble: elle finira par accoucher via césarienne thoracique d’un extraterrestre après avoir elle-même été clonée. Ce personnage condense en quelque sorte les caractéristiques de ces trois héroïnes originelles auxquelles il faut ajouter Médée: elle est, à son corps défendant, contrainte à assumer une maternité douloureuse et aberrante et, après avoir détruit la progéniture de son alter ego plus prolifique qu’elle, elle finira par sacrifier sa fille et son fils.

  • De l’île aux femmes polynésienne à l’Alien américaine (1)

    De l’île aux femmes polynésienne à l’Alien américaine (1)

    «Car au temps jadis, la mère avait la puissance (mana). (…) c’est la mère qui était le réceptacle (‘oto). (…) C’est elle qui est le réceptacle où est déposé (vai’ia) l’enfant. Comment pourrait-ce être la puissance (mana) du père? Il s’écarte (tapae) et c’est fini!»
    Vari’i, Enregistrement Henri Lavondès 1966 – A – 24

    Je suis toujours émue au souvenir de la première rencontre qui scella mon amitié avec Henri Lavondès alors que je poursuivais mon initiation à l’ethnologie. Lui ayant fait part avec véhémence d’un différend que j’avais avec l’un de mes professeurs, il m’avait dit “Venez déjeuner demain avec moi, vous m’en parlerez et vous verrez que vous n’aurez nul besoin ultérieur de vous fourvoyer dans une dispute.” Parlâmes-nous d’ethnologie le lendemain? Je ne sais pas. Je me rappelle par contre de ma découverte émerveillée de la machine à polir les cailloux qu’il me montra ce jour-là! Quelques années plus tard, c’est muni d’un altimètre qu’il me fît découvrir avec mon mari les recoins secrets de la garrigue environnant Uzès qu’il avait découverts et qu’il aimait tant parcourir avec ses solides chaussures de marche. Des chaussures qui, j’en suis sûre, le menèrent jusqu’en Polynésie et, probablement, sur bien d’autres sentiers encore. D’autres années passèrent – l’initiation à l’ethnologie est longue, on le sait … -, et c’est avec une lettre enfouie au plus profond de mon portefeuille dans laquelle il me disait qu’il me tiendrait les pouces à l’heure de mon audition, que je me présentai devant le jury du CNRS. Autant de petits cailloux aux couleurs chatoyantes et inattendues représentant l’attention discrète, mais profonde dont Henri savait entourer ses élèves et amis.

    Son invitation à faire de temps à autre l’école buissonnière tendait à prouver, contre la célèbre fable, que le plus court chemin pour arriver à son but n’est pas toujours celui que l’on croit. Aussi oserai-je aujourd’hui, pour lui rendre hommage, essayer d’établir un lien entre deux mythes appartenant à des aires culturelles fort distinctes: la Polynésie d’autrefois et l’Amérique d’aujourd’hui. Le premier renvoie au motif de l’île aux femmes, “très répandu en Polynésie et sans doute ailleurs dans le Pacifique” (Lavondès 1975: 411); Lavondès en a recueilli plusieurs versions aux Marquises dont l’une, celle qui sera rapportée dans cet article, est présentée dans sa thèse d’État intitulée Terre et Mer. 1Le second renvoie aux quatre films que le cinéma américain a consacrés au combat mené par le lieutenant Ripley, une héroïne féminine, contre son ennemi dénommé Alien2; ils constituent une épopée bien connue d’un large public occidental; l’intrigue se situe dans l’espace intersidéral et c’est l’opposition Ciel/Terre qui est ici pertinente.

    Alien et L’île aux femmes n’ont a priori rien à voir l’un avec l’autre. Je tenterai néanmoins de montrer que tous deux décrivent un parcours initiatique autorisant les femmes à accéder à leur fonction procréatrice sans que celle-ci ne les tue définitivement. De ce point de vue, ils correspondent à des élaborations culturelles qui, bien que différentes, procèdent d’un même fait clairement établi et non moins scandaleux: “la différence fondamentale qui existe entre les rôles biologiques incombant à l’un et l’autre sexe dans les activités de reproduction.” (ibid.: 410), Car, “bien que les humains soient de deux sortes, de deux ‘espèces’ sexuelles différentes (…) la part qui échoit aux hommes dans le processus de reproduction est dérisoire (…)” (ib.: 417). De là “cette universalité dans le temps et dans l’espace de la réflexion sur la dichotomie sexuelle [qui] montre la place centrale que ce thème occupe dans le dispositif de la culture.” (ib.: 428) D’où le rapprochement, “téméraire, mais non absurde”, que Lavondès (ib.: 427-428) avait établi entre certains mythes polynésiens et Le Banquet de Platon, entre les travaux de Leroi-Gourhan pour la préhistoire et ceux de Balandier pour l’Afrique, maîtres auprès desquels il s’était formé à l’anthropologie. D’où … une certaine légitimation à mettre en parallèle un mythe marquisien avec une superproduction hollywoodienne, moins d’ailleurs pour rendre compte des représentations ayant cours aux Marquises – n’étant pas une spécialiste de la culture polynésienne, je n’y prétendrai pas – que pour souligner la spécificité de nos propres représentations concernant la procréation qu’Alien, quoique d’origine américaine, me semble illustrer parfaitement.

    Le rapprochement des deux mythes, marquisien et américain, permet, en effet, de mettre en évidence une série d’inversions structurales (héros/héroïne, initiation masculine/initiation féminine, accession à/forclusion de la maternité) auxquelles on peut faire correspondre la distinction des modalités d’appréhension et de traitement de la maternité et, par là, de gestion des relations hommes/femmes, en milieu traditionnel et occidental moderne.

    Pour être mieux à même d’apprécier l’exotisme à l’envers de la planète de la super- femme qu’est le lieutenant Ripley, nous allons d’abord explorer les richesses de l’île aux femmes qui nous ont été léguées par Lavondès au travers du mythe de Kae. Il m’est plaisant de faire ainsi un dernier clin d’oeil à mon initiateur puisque c’est précisément avec lui que j’ai fait mes premières armes quant à l’analyse des rites d’initiation.

    Quand l’homme vient aux femmes

    Devenu veuf, Kae s’associe à l’expédition maritime d’un autre chef qui parcourait les mers en quête d’une épouse. Jaloux de la beauté de Kae, l’autre chef, qui était fort laid, l’abandonne en pleine mer dans un plat rond en bois.
    Les courants entraînent Kae jusqu’à ‘l’île aux pandanus’ qui n’était peuplée que de femmes dont les maris étaient des racines de pandanus. Quand elles étaient enceintes des enfants que leur donnaient les racines de pandanus, un magicien qui était habité par un démon, un sorcier, leur incisait le ventre et l’ouvrait. La mère mourait, l’enfant vivait, mais les enfants étaient toujours des filles. C’est pour cela que cette île n’était peuplée que de femmes et qu’il n’y avait point d’hommes, sinon ce magicien. Mais c’était un démon malfaisant.

    La cheffesse de cette île était une femme qui ne faisait pas l’amour avec des racines de pandanus. “Elle ne devenait pas enceinte, car elle était la cheffesse. Le magicien n’allait pas la chercher.” Un jour, en allant sur la plage avec ses compagnes, elle découvre Kae. Elle le ramène en sa maison et apprécie fort l’agrément d’avoir un mari humain.

    Kae lui demanda pourquoi il n’y avait point d’hommes en ce pays. Elle lui expliqua que c’étaient les racines de pandanus qui en tenaient lieu et que les femmes n’accouchaient que de filles, et que c’était le magicien qui faisait l’incision. “Assez d’incisions! Lorsque viendra le moment de l’accouchement, les femmes accoucheront de leurs enfants. Lorsqu’elles ressentiront les douleurs, on les fera accoucher, on leur fera faire des efforts. Lorsque viendra le magicien, qu’on le chasse, conduisez la femme auprès de moi, c’est moi qui ferai le travail.” Désormais, lorsqu’une femme éprouvait des douleurs, on la transportait chez Kae. L’enfant venait au monde sans que meure sa mère. Le magicien fut chassé. Ces femmes étaient très heureuses, car les enfants venaient bien au monde. La femme de Kae, la cheffesse, se trouve enceinte de son mari. Un jour, en épouillant la tête de celui-ci, elle y découvre un cheveu blanc. Kae, après lui avoir demandé de nommer leur enfant, lorsqu’il naîtrait, ‘Le cheveu blanc poussé à Kae’, décide de rentrer dans son pays. Ce qu’il fait, transporté par un dauphin fourni par la cheffesse. Après le départ de son mari, la cheffesse met au monde un fils qui, devenu grand, harcèle sa mère pour savoir qui est son père. Il part le retrouver sur le dos d’un autre dauphin appartenant à sa mère. Dans son pays, Kae avait un élevage de cochons et des plantations pour son fils. Toute la propriété était entourée d’un mur de pierres que le fils de Kae, en fuyant les gens qui l’approchaient, fait s’effondrer. Le jeune homme est rattrapé, attaché et jeté dans un four en terre où on le lapide en s’apprêtant à l’y faire cuire. “Ma mère, dit-il en pleurant, m’a révélé que Kae, mon père, habite ici. C’est pourquoi, je m’appelle ‘Le cheveu blanc poussé à Kae’”. Kae est alors à même de reconnaître son fils et de le sauver. (Lavondès, 1975, I: 412 et II: 227-246) 3

    Le héros qui donne son nom au mythe, Kae, est un homme. C’est en tant que tel qu’il rencontre un premier antagoniste en la personne d’un autre chef avec lequel il s’était tout d’abord allié, et qui le chasse en mer. Puis, c’est lui qui chasse le magicien de l’île aux pandanus, afin de permettre à ses habitantes de survivre à la mise au monde de leurs enfants. Après être devenu un père potentiel, lorsque la cheffesse est enceinte de lui, il se chasse lui- même, si l’on peut dire, lorsque sa femme lui révèle l’apparition de son premier cheveu blanc. Le fils de Kae, à son tour, quitte sa mère pour rejoindre son père. Celui-ci peut le reconnaître comme son alter ego, une fois qu’il a décliné le lien de filiation qui les rattache l’un à l’autre. Le mythe semble indiquer que, pour devenir un homme véritable, admis au sein de la collectivité masculine, il faut tout d’abord quitter l’univers maternel, affronter les mers et les étrangers, et accepter de devenir père, c’est-à-dire passer du statut d’enfant à celui de parent. Or, avant d’accoster sur l’île aux femmes, Kae se montre incapable de passer d’une génération à l’autre: sa première femme meurt avant qu’il ne lui ait donné un enfant; bien que veuf, il demeure aussi beau qu’un adolescent; “Kae, commente Lavondès, est un homme au seuil de la vieillesse qui persiste à se conduire comme un Ka’ioi (jouvenceau)” (ib.: 413).

    De ce point de vue, la trajectoire empruntée par Kae, faite d’allers-retours entre terre et mer, évoque les différentes étapes d’une initiation masculine: Kae quitte son pays pour rejoindre la mer où il subit une première épreuve périlleuse, celle de la pleine mer qu’il doit affronter sur un vaisseau bien précaire, un plat en bois; il vit une période de marge dans un espace peu ordinaire – essentiellement féminin – où il doit sauver des femmes aux prises avec un démon; il accède alors à la paternité et peut retourner dans son pays en affrontant, une fois de plus, les mers, à dos de dauphin; au terme de ces épreuves, Kae est réagrégé à la société globale, celle des humains ordinaires où coexistent, quoique dans des espaces distincts, les univers masculin et féminin. Il devient alors le représentant de la collectivité masculine, un véritable chef, susceptible d’introduire son fils au monde bisexué auquel, dorénavant, ils appartiennent tous deux. Mais, en passant du statut d’homme sans enfant à celui de père, Kae doit accepter de passer d’une génération à l’autre, c’est-à-dire se résigner au vieillissement symbolisé par l’apparition de son premier cheveu blanc: l’enfant mérite donc bien le nom que son père lui donne, ‘Le cheveu blanc poussé à Kae’, puisqu’il fait franchir à celui-ci un cran sur l’échelle généalogique. Ce faisant, Kae accède enfin à la maturité: il rejoint alors le pays des hommes où les pères travaillent pour produire des richesses, des biens à transmettre à leurs enfants.

    Mais ce qu’il y a de plus remarquable dans ce récit, c’est que l’initiation masculine, l’accession à la maturité masculine via la paternité, est posée comme interdépendante de l’initiation féminine: Kae, avant de devenir père, initie les femmes aux modalités de l’accouchement ‘naturel’, proprement humain, et à ses souffrances. Il incarne l’altérité sexuelle qui, jusqu’à son arrivée fait cruellement défaut sur l’île aux pandanus. En effet, sur ce territoire exclusivement féminin, l’altérité à laquelle sont confrontées les femmes n’est pas de nature humaine, sexuelle: elle renvoie d’un côté, à des végétaux, les racines de pandanus, et de l’autre, à un démon, le magicien. La reproduction s’y effectue, en conséquence, sur un mode quasi végétal, parthénogénétique: les femmes n’y donnent naissance qu’à des femmes, le même engendre le même; mère et fille constituent ensemble une même entité dédoublée que le magicien-jardinier scinde en deux, la première devenant la dépouille de la seconde. La jeune pousse conçue avec une racine de pandanus est alors transformée en bouture qui vient en place de sa mère à laquelle elle se substitue entièrement.

    L’absence d’altérité sexuelle proprement humaine renvoie à l’incapacité pour les femmes de se reproduire sans mourir immédiatement: la coexistence de générations successives est impossible. Pour survivre à l’enfantement et passer ainsi d’une génération à l’autre, les femmes doivent s’adjoindre les services, non d’un magicien, mais d’un homme véritable qui les introduit à l’altérité sexuelle. Celle-ci conditionne leur accession à une fonction maternelle pleine et entière qui leur permet d’engendrer, non seulement leurs semblables, les filles, mais également les compléments sexuels de ces dernières, les garçons. Il en va ainsi pour la femme de Kae. Bien qu’elle possède un statut équivalent à celui de son mari, il est chef et elle est cheffesse, leurs identités sexuelles respectives instaurent une différence radicale entre eux: il est un homme, elle est une femme et, sur ce plan, ils sont parfaitement complémentaires. C’est à ce titre que ces deux individus qui, avant d’être mis en relation, n’avaient pas d’enfant, s’initient mutuellement à leur fonction parentale respective. Car la femme de Kae initie autant Kae à sa fonction paternelle qu’il l’initie lui-même à sa fonction maternelle: en introduisant sa femme à la sexualité humaine, il la transforme dans le même temps, de vierge et sans enfant, en mère d’un fils.

    Une confrontation réelle entre les sexes, c’est-à-dire susceptible de générer la vie et d’assurer sa continuité, impose qu’ils puissent procréer ensemble: l’enfant issu de cette rencontre sexuelle est le maillon entre les générations et les sexes. Le jouvenceau Kae et le magicien sont tout à la fois incapables d’assumer ce type de rapprochement avec l’autre sexe et de se situer dans une temporalité historique. Ils sont en conséquence responsables de l’absence de survie des femmes auxquelles ils ont affaire: la première femme de Kae meurt à l’instar des femmes incisées par le magicien, celle-là n’a pas de descendant et celles-ci sont simplement remplacées par leurs jeunes pousses, leurs filles venant simplement se substituer à elles au lieu de les insérer dans une chaîne généalogique. A l’inverse, la rencontre effective entre les sexes au travers de la reproduction, pour Kae comme pour sa deuxième femme – tous deux, en tant que chefs, étant les représentants symboliques de leur groupe d’appartenance sexuelle -, sous-tend l’accession à la génération supérieure: l’étape du vieillissement s’intercale entre la jeunesse et la mort; elle les intègre à une temporalité historique en rendant possible la coexistence des générations sur laquelle se fonde l’organisation sociale; la transmission culturelle, c’est-à-dire des règles et des principes sociaux propres à un ensemble culturel, de parents à enfants, vient compléter la transmission des éléments paternel et maternel constitutifs de la personne. De ce point de vue, la naissance d’un enfant issu de la conjonction intime de sexes différents garantit la survie, sinon physique du moins culturelle, de l’un et l’autre sexes.

    Le motif de l’île aux femmes décrit le passage d’un univers homosexué et féminin, atemporel, où l’autre du féminin est d’une espèce différente – c’est un végétal (une racine de pandanus) – à un univers différencié tant sur le plan des espèces – le végétal et l’humain ne se confondent plus – que sur le plan du genre: l’autre du féminin, au sein de l’espèce humaine, est le masculin. L’introduction du masculin au sein du féminin fait accéder l’humanité menacée de végétalisation à une temporalité généalogique qui sous-tend l’ordre culturel.

    La succession des générations est, aux dires du mythe, subordonnée à la reproduction sexuée, c’est-à-dire à la rencontre de deux sexes complémentaires qui participent conjointement au processus reproducteur. Mais à cette conjonction doit succéder, poursuit le mythe, une disjonction: dans un second temps, la femme de Kae doit accepter de voir s’éloigner d’elle son mari et son fils. En effet, dans les activités ordinaires de ce milieu traditionnel polynésien, les sphères masculine et féminine sont maintenues à distance l’une de l’autre; en fournissant les dauphins qui véhiculent son mari et son fils jusqu’à la terre des hommes, la cheffesse – la représentante de la collectivité féminine – témoigne de sa soumission à cette loi. Ainsi, pour qu’un fils devienne, à son tour, un homme adulte susceptible d’avoir des enfants avec d’autres femmes, il lui faut tout d’abord quitter sa mère et le monde féminin qui l’entoure. La séparation des contraires, mère et fils, hommes et femmes, est un prérequis indispensable à leur conjonction fertile ultérieure: la complémentarité sexuelle qui sous-tend la reproduction humaine exige la réunion de ce qui a été préalablement séparé4. Ce va-et-vient entre le masculin et le féminin est magnifiquement symbolisé par le flux et le reflux de la mer qui, tout en maintenant la distance entre les espaces insulaires qu’elle disjoint, permet également de la combler (il suffit pour cela de l’affronter): les flots qui soustraient Kae à sa femme sont ceux-là mêmes qui l’ont mené jusqu’à elle.

    Le postulat mythique selon lequel les initiations masculine et féminine sont interdépendantes vise à rappeler, semble-t-il, le caractère inéluctable de la conjonction des sexes pour que l’un et l’autre accèdent à la part spécifique qui lui revient dans le processus reproducteur. “Car, selon Lavondès, en désaccord avec ce qu’expose Platon [dans Le Banquet], les penseurs polynésiens se seraient probablement bien accommodés d’une humanité radicalement divisée selon la dichotomie sexuelle en deux moitiés autonomes, comme elles tendent effectivement à l’être dans la société, une humanité où les femmes mettraient au monde des femmes et où les hommes donneraient naissance à des hommes.” (ib.: 417) Le mythe restaure l’incontournable vérité: la fonction procréatrice masculine se réalise dans un corps féminin, les hommes ne peuvent accoucher de leurs semblables et, bien moins encore, de leurs opposés sexuels. Le fils de Kae est né d’une femme et cette femme est elle- même née d’une femme. Mais tout en rappelant cette asymétrie naturelle en faveur des femmes imposée par la grossesse, le mythe lui oppose non seulement la complémentarité des sexes, mais aussi une asymétrie strictement inverse en faveur des hommes qui seraient seuls habilités à introduire les femmes à la culture: Kae culturalise la nature représentée par les racines de pandanus et le démon qui habite le magicien, en substituant au couteau de l’horticulteur, des modalités obstétricales plus appropriées à l’enfantement humain (“on les fera accoucher, on leur fera faire des efforts”; toute cheffesse qu’elle était, sa femme en était incapable, “c’est moi qui ferait le travail”, lui dit Kae en prenant en mains l’initiation féminine). De ce point de vue, Kae accomplit une trajectoire initiatique beaucoup plus complète que celle de son épouse: d’une part, c’est lui qui vient à elle, de l’autre, il passe de l’état de novice à celui d’initiateur. L’altérité masculine incarnée par Kae sous-tend la responsabilité qui incombe aux hommes sur la fertilité de l’ensemble des femmes. Ainsi, par une manipulation symbolique coutumière en milieu traditionnel (Moisseeff 1995, 1998), on passe de l’englobement naturel du masculin par le féminin à l’englobement culturel du féminin par le masculin: sans hommes, les femmes demeureraient arrimer à une nature dangereuse, car les pouvoirs féminins sont potentiellement létaux s’ils ne sont pas domestiqués; pour engendrer ces libérateurs qui subordonnent la nature à la culture, elles doivent précisément en passer par les hommes.

    L’histoire de la transformation conjointe des modalités procréatrices et des relations hommes/femmes – au travers, notamment, du contrôle, voire de l’appropriation, des pouvoirs féminins par les hommes – est un thème mythique universel: pour que l’engendrement du masculin par le féminin soit tolérable, il faut le subordonner à la culture dont les hommes sont les garants. Dans l’univers mythique judéo-chrétien aux éléments si prégnants dans la culture américaine contemporaine, comme nous le verrons, c’est Dieu qui accomplit ce prodige: l’incarnation d’Ève à partir de la côte d’Adam et celle du Christ à partir d’une vierge mère mettent en évidence les efforts déployés par les hommes pour culturaliser l’incontournable passage par le corps d’une femme auquel les confronte l’enfantement naturel. Si, dans la Genèse, la succession des générations est censée procéder de la fonction maternelle conférée à Ève, la place de cette dernière dans le processus d’engendrement de l’humanité est néanmoins seconde par rapport à celle d’Adam et de Dieu, le père de tous. La paternité précède et englobe la maternité et il en va, bien entendu, de même pour la figure mariale. L’une des différences remarquables de ces mythes avec celui de Kae est que le mode de procréation valorisé y est indépendant de tout rapport sexuel: l’engendrement d’Adam, d’Ève, du Christ et même de sa mère (cf. l’Immaculée Conception) se passe de toute relation de nature sexuelle. C’est aussi le cas dans le cycle mythique que nous allons maintenant considérer: la conception d’Alien ne requiert aucun rapport sexuel.

    Ce récit d’anticipation reflète admirablement l’évolution des représentations et des pratiques touchant à la reproduction dans les sociétés occidentales où les activités érotiques – la sexualité – et la procréation tendent à être appréhendées comme des domaines indépendants l’un de l’autre: pour accéder à la plénitude de la jouissance sexuelle, qui serait l’apanage de l’humanité (cf. Moisseeff 2000a et b), il faut que les individus soient ‘protégés’ des risques reproducteurs. La procréation, pour sa part, appartient au domaine réservé du ‘médicalement assisté’: ce sont les spécialistes, gynécologues et obstétriciens, auxquels le lieu et la fonction maternité sont assujettis, qui en ont la charge plus ou moins exclusive. Parallèlement, le fait d’avoir des enfants ne permet pas d’acquérir un statut social particulièrement valorisé et assumer une fonction parentale ne participe pas à la définition du statut d’adulte: les identités sexuelles adultes sont censées dériver directement des identités sexuelles de naissance et le passage des unes aux autres ne requiert aucune procédure spécifique, sinon celle de mettre à la portée des individus pubères des moyens contraceptifs efficaces, visant à prévenir la grossesse (cf. Moisseeff 1992).

    Dans le mythe de Kae, la conjonction fertile et positive entre homme et femme est associée à leur rencontre sexuelle et requiert leur séparation préalable et consécutive. Dans le contexte occidental actuel, la mixité généralisée est de règle et la disjonction intervient pour opérer une césure plus ou moins radicale, non entre les sexes, mais entre la sexualité et la procréation (cf. contraception, IVG, nouveaux modes de reproduction). Cette disjonction doit être corrélée à la volonté d’aboutir à la symétrisation des rôles sexuels: une fois évacuée la problématique procréatrice, hommes et femmes apparaissent comme occupant des positions équistatutaires.

    Dans Alien et les autres films du genre, la grossesse est assimilée à un phénomène parasitaire inexorablement mortel susceptible d’affecter les hommes autant que les femmes: à l’exception de l’héroïne, les personnages masculins et féminins sont égaux sur ce plan comme sur les autres (ils exercent ensemble des activités similaires). L’altérité ne renvoie pas, comme dans Kae, à la différence des sexes, mais à la reproduction incarnée par un monstre5. Aliens, le retour aurait tout aussi bien s’intituler Grossesse, le retour: ce type de films anticipent un futur où la gestation déchue de ses droits chercherait à réinvestir le corps des humains, quel que soit leur sexe, et la terre où elle a été désavouée. Elle est présentée comme “un survivant qui n’est pas souillé par la conscience, le remords ou les illusions de la moralité” (Alien, le huitième passager). Et, comme par hasard, dans ce monde du futur où règnent la mixité et l’égalité des sexes, seule une femme est à même de combattre cette “survivance” aberrante et immorale qu’est la grossesse. Cette nouvelle forme de mythologie fait donc ressurgir de manière dramatique ce qui tend à être occulté dans nos sociétés ‘égalitaires’: l’asymétrie primordiale en faveur des femmes au plan de la reproduction qui permet de leur attribuer des pouvoirs particuliers et exclusifs. Car s’il est un invariant qui sous-tend le travail symbolique sur la différence des sexes, c’est bien celui qui consiste à corréler plus ou moins systématiquement ces pouvoirs féminins à la notion de danger, de force occulte mortifère. L’utérus est une boîte de Pandore d’où peuvent s’échapper mille démons6.

    Dans le mythe de Kae, le démon a les traits d’un magicien qui tue les femmes qu’il accouche. Il revient à un homme, un vrai, la responsabilité de domestiquer la fonction maternelle en la subordonnant à la culture. Le travail culturel sur la différence des sexes consiste ici à inverser l’asymétrie naturelle en faveur des femmes pour asseoir la supériorité des hommes au plan socioculturel. Dans le mythe d’Alien, le démon est la grossesse elle- même et c’est une femme, une vraie, qui sera à même d’en juguler les effets. Le travail culturel sur la différence des sexes qui consiste en ce cas à symétriser leurs rôles socioculturels tend, paradoxalement, à renforcer le caractère asymétrique des positions masculine et féminine sur le plan de la reproduction: en inventant des pratiques confirmant la possibilité de dissocier sexualité et procréation, telles que les nouveaux modes de reproduction (FIV, bébés éprouvette, clones), c’est-à-dire en faisant du champ obstétrical un domaine séparé de la relation entre les sexes, on ne fait que consacrer ce qui spécifie la fonction reproductrice féminine, à savoir la phase gestationnelle. La grossesse peut alors se manifester dans l’imaginaire culturel sous la forme d’une entité autonome, scindée de son support sexuel habituel, la femme. Elle prend l’aspect d’une bête dont le masque monstrueux recouvre les pouvoirs féminins occultes et mortifères que des apprentis sorciers, des docteurs Frankenstein, tenteraient sans succès et siècle après siècle de museler. On est ainsi amené à assister au combat entre La femme et sa fonction procréatrice, moyen d’associer ce qui a été préalablement dissocié. Mais si le mythe suggère une telle éventualité, il y appose aussi une solution originale: celle d’une initiation féminine autorisant les femmes à juguler elles-mêmes leur puissance maternelle.

    C’est ce que nous allons voir maintenant en passant de l’univers insulaire et traditionnel des Marquises, à l’espace intersidéral postmoderne d’une utopie américaine.

    À SUIVRE: De l’île des femmes polynésiennes à l’alien américaine (2).

    Notes

    1. Je remercie vivement Anne Lavondès de m’avoir confiée cette thèse en vue de la rédaction de cet article.

    2. Alien, le huitième passager de Ridley Scott (1979), Aliens, le retour de James Cameron (1986), Alien 3 de David Fincher (1993), Alien, la résurrection de Jean-Pierre Jeunet (1997), Twenthieth Century Fox Film Corporation.

    3. Une première analyse de ce mythe a été présentée dans un article précédent (cf. Moisseeff 2000b).

    4. Dans son analyse des pratiques et des rituels kabyles, Bourdieu repère, dans le domaine des relations hommes/femmes, des principes complémentaires identiques: “d’une part la réunion des contraires séparés (…)  qui engendre la vie, (…) et, d’autre part, la séparation des contraires réunifiés (…).” (1980: 366-367)

    5. Alien, le terme anglais servant à désigner cette créature, recouvre différentes significations indiquant sans équivoque l’altérité redoutable à laquelle elle confronte l’humanité: étranger; différent ou séparé; censé être rattaché à des êtres appartenant à d’autres mondes; spécimen venant d’ailleurs qui a été introduit et s’est acclimaté à son nouvel habitat; hostile; inacceptable ou répugnant (Allen 1990).

    6. Le film de Brian de Palma, Carrie (1972), illustre magistralement et plus directement l’aspect terrifiant conféré encore de nos jours aux pouvoirs féminins. Carrie est une adolescente innocente terrorisée par l’apparition de ses premières règles. La suite des événements va lui donner raison: une fois pubère, son innocence se mue en une force démoniaque qui détruira tous les membres de son entourage.

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    «Alien» ou la menace de l’Autre en moi (1)

    La science-fiction va chercher en nous nos peurs et nos espoirs les plus profonds puis nous les montre grossièrement déguisés: le monstre et la fusée.1

    Dans la littérature anglo-saxonne consacrée aux extraterrestres au cinéma, on s’accorde généralement à reconnaître l’importance d’Alien, le huitième passager (1979) de Ridley Scott2. Quant à préciser cette importance et le sens qu’on peut donner à la figure de l’alien, en revanche, les avis divergent. L’interprétation s’appuie souvent sur une identification du genre cinématographique dont le film semble relever. En le rapportant au genre de l’horreur, Stephen Mulhall a fait récemment de l’alien un déguisement de nos peurs relatives aux phénomènes de la nature, de la sexualité, de la grossesse et de la naissance3. Mais l’alien contient aussi quelque chose de notre sens du lointain et relève ainsi d’une réflexion typique de la science-fiction en tant qu’il s’agit bien d’un récit qui vient préciser la conception que nous nous en faisons, en s’appuyant sur une possibilité technique pour l’instant hors d’atteinte, celle de voyager à plusieurs milliers d’années-lumière. Relève également de la science-fiction, ce qui intéressait spécialement Ridley Scott selon David Thomson, à savoir l’étude de «la façon dont les gens [contraints de vivre les uns avec les autres pendant une longue période] peuvent être affectés par la claustrophobie, la mélancolie et le fait de ne pas pouvoir échapper à la compagnie de compagnons que l’on n’a pas choisis4.»

    L’alien, c’est donc à la fois le lointain, avec la menace qu’il peut représenter, et l’insociabilité humaine.

    Cependant, quand on remarque que l’alien est d’abord un extraterrestre dangereux, un monstre semblable au requin géant des Dents de la mer et aux tueurs des slashers, on n’est pas loin d’y voir l’homme masculin prédateur pour qui la femme est une proie qui le nourrit en même temps que le moyen de sa reproduction5.

    L’objet du présent texte est de proposer une autre interprétation de la figure de l’alien, qui s’appuie sur un rapprochement opéré avec un autre genre cinématographique, le «mélodrame de la femme inconnue6», et en particulier avec un autre film, Gaslight (Hantise, George Cukor, 1944). Il nous semble en effet qu’une telle lecture du film est féconde dans la mesure où elle nous rend plus attentifs aux détails que les interprétations qui, sous prétexte de ne pas commettre de violence interprétative, refusent que l’on compare des genres et des films tenus pour trop éloignés historiquement et culturellement et exercent ainsi une violence d’autant plus grande qu’elles ne se reconnaissent pas comme les interprétations qu’elles demeurent malgré tout.

    «In Space No one Can Hear You Cry»

    Dans un article publié très récemment et intitulé, «Demeter and Persephone in space: transformation, femininity, and myth in the Alien films», David Greven a soutenu l’idée intéressante selon laquelle Alien serait un mélodrame «caché7». En note, il affirme même que

    le film de femmes qui met le plus dramatiquement en avant la transformation est le classique Now, Voyager avec Bette Davis, film d’Irving Rapper de 1942, dans lequel une vieille fille de Nouvelle-Angleterre mal fagotée, mal à l’aise, Charlotte Vale (Bette Davis), tyrannisée par une mère froide et dominatrice, se transforme, à l’aide d’un psychiatre, le docteur Jaquith (Claude Rains), en une femme forte, indépendante et séduisante qui met en avant beaucoup des thèmes qui circuleront, dans une reformulation du genre de l’horreur, dans les films Alien8.

    S’appuyant sur une caractérisation du genre donnée par Robert Lang selon lequel il s’agit toujours de montrer le problème de l’impossible subjectivité féminine dans une société dominée par l’idéologie patriarcale9, Greven rappelle qu’il s’agit aussi, dans la quadrilogie, d’une subjectivité féminine qui évolue du fait de son impossibilité à se situer positivement dans l’espace logique et social défini par le patriarcat. Mais Greven ne va pas vraiment au bout de sa suggestion, car il l’abandonne au profit du mythe de Déméther et de Perséphone qu’il présente ainsi:

    Le sens d’Alien est sa représentation d’une Perséphone en guerre contre Déméther [Mother] et le sombre Roi de l’Enfer violeur [l’Alien]. Ce thème est une continuation de celui qui est central pour le film de femmes hollywoodien classique, de l’indépendance solitaire de la femme comme étant à la fois plaisante et un statut aux conséquences coûteuses10.

    Le problème est que la continuité entre le mythe de Déméther et Perséphone et le film de femmes hollywoodien ne semble pas aller plus loin qu’une commune illustration de cette dernière idée. En outre, la description du genre n’est peut-être pas la mieux adaptée, ni Now, Voyager (Une femme cherche son destin, Irving Rapper, 1942) le film le plus approprié. Cependant, ce qu’a découvert Mulhall dans un texte publié trois ans après la sortie de la seconde édition d’On Film incite à essayer de suivre néanmoins la suggestion de Greven de voir dans Alien un mélodrame «caché11».

    Après avoir résumé sa thèse principale, selon laquelle l’horreur que nous inspire l’alien tient à ce qu’il constitue l’incarnation de la prédation masculine tel qu’elle peut transformer la sexualité, la grossesse et la naissance en cauchemar, ce qui permettrait de comprendre pourquoi c’est une femme qui serait la mieux préparée pour lutter contre ce type de menace, Mulhall remarque que Ripley, en dépit de ses difficultés à s’imposer à bord du Nostromo, va finir par réussir à faire entendre sa voix. Lorsque Parker lui coupe la parole en marmonnant, elle parvient en effet à le faire taire12. Elle réussit également à avoir le dernier mot avec Ash quand elle lui dit de continuer à faire ce qu’il a toujours fait jusqu’ici, à ne savoir «rien». À quoi l’on pourrait ajouter le motif de la décapitation de Ash, qu’Hélène Cixous a associé à l’aliénation mentale et verbale des femmes qui seraient ainsi symboliquement décapitées, privées d’esprit et de voix13. Si l’on a noté la proximité entre le sang blanc de Ash et le sperme, il est aussi intéressant de remarquer que la mante religieuse peut ainsi décapiter le mâle pendant ou après l’accouplement et que, «même si le mâle a été décapité, l’accouplement peut continuer puisque le transfert des spermatozoïdes est contrôlé par le dernier ganglion nerveux abdominal14.» Même si c’est suite à un coup donné par Parker, il n’en reste pas moins que c’est Ripley qui fait parler Ash et qui décide de son temps de parole15. Enfin, lorsqu’elle met en œuvre sa stratégie pour éjecter l’alien hors de la navette, Ripley se chante une chanson pour elle-même et lorsqu’elle s’endort avec le chat, elle enregistre un message de détresse qui serait sa façon de déclarer qu’elle a une voix dans son histoire.

    Alien: un étrange cousin des «mélodrames de la femme inconnue»

    Cette attention de Mulhall au problème de savoir comment avoir une voix dans son histoire lui a été inspirée par sa lecture des textes de Stanley Cavell et notamment de ceux qui portent sur un «mélodrame de la femme inconnue», Gaslight. Nous aimerions soutenir la démarche de Mulhall en l’approfondissant, en montrant en quoi penser à Gaslight jette une lumière qui fait vaciller nos certitudes quant à l’univers d’Alien et en le rapprochant étrangement d’un environnement familier.

    On sait que les quatre films qui constituent aux yeux de Cavell les «mélodrames de la femme inconnue», Letter from an Unknown Woman (Lettre d’une femme inconnue, Max Ophüls, 1948), Gaslight (Hantise, George Cukor, 1944), Now, Voyager (Une femme chercher son destin, Irving Rapper, 1942) et Stella Dallas (King Vidor, 1937), relèvent de ce qu’il qualifie de «genre-comme-médium16» puisqu’ils «racontent différentes versions en interaction d’une même histoire, d’un même mythe, celui d’une femme qui se cherche une histoire, ou qui cherche le droit de raconter son histoire17.» Leur communauté apparaît notamment quand on les oppose au groupe de films qui forment le genre de la «comédie du remariage» que Cavell a nommé ainsi et étudié dans A la recherche du bonheur18.

    L’un des premiers critères d’identité du genre est que, contrairement à la comédie du remariage, «le père de la femme, ou un autre homme âgé (qui peut être son mari) ne défend pas le désir de la femme, mais se range du côté de la loi19.» Dans Alien, comme Dallas le dit très clairement, la loi, la «standard procedure» est de «faire ce que [la Company] te dit de faire», ce qui est aussi la position de Ash. Quant à la mère, elle est toujours présente et souvent dans une relation de compétition avec sa fille. Sans même évoquer les épisodes suivants, il va sans dire qu’il y a bien une compétition engagée entre Ripley et Mother. Dans ces films, la femme est toujours mère (ou sa relation avec un enfant est explicite). Le comportement de Ripley avec le chat pendant la sortie des astronautes, c’est-à-dire avant la crise, et le fait incroyable qu’elle puisse être si imprudente quand elle part à sa recherche alors qu’elle prépare la navette soulignent assez qu’il y va d’autre chose que d’une simple relation d’affection éprouvée envers un animal domestique. Si la plupart des spectateurs considéraient que sauver Jones n’est plus une priorité dans les circonstances de la fin, alors cela veut dire qu’il y a là un devoir qui n’est pas lié aux devoirs supposés, directs ou indirects, de l’humanité envers les animaux20, mais qui est un devoir imposé par la parenté et mieux encore par la maternité.

    Autre critère, le passé serait dans ces films représenté comme figé, mystérieux, comportant des sujets tabous, et source d’isolement. Or, il est tout simplement absent des discussions à bord, ce qui s’explique peut-être par la difficulté des membres à se supporter et à supporter surtout que les autres rabâchent leurs vieilles histoires. En outre, il y a évidemment une image du passé dans Alien: celle du vaisseau extraterrestre. S’il représente bien un passé «figé, mystérieux», il est sûr qu’on n’en parle pas non plus à bord. Dans les mélodrames de la femme inconnue, le lieu où l’action revient ou se conclut est celui où elle a commencé. L’essentiel d’Alien se déroule bien à bord du Nostromo.

    Enfin, la négation principale des caractéristiques des comédies du remariage opérée par les mélodrames réunis par Cavell est celle du mariage, en tout cas du mariage comme source d’une nouvelle identité. Cette négation du mariage est donc en même temps une négation de la conversation comme moyen de créer une identité originale. Ces femmes diraient à leurs sœurs des comédies du remariage:

    Vous pouvez vous estimer heureuses d’avoir trouvé un homme avec qui vous pouvez surmonter l’humiliation du mariage par le mariage lui-même. Pour nous, avec nos talents et nos goûts, il n’y a pas d’éducation plus profonde (further) ou heureuse à espérer ici; notre identité et notre métamorphose doivent s’accomplir ailleurs, en abandonnant cet humour, cette intelligence, cette compréhension (appreciation) exclusive et partagée21.

    Cet ailleurs s’appelle «le monde des femmes22». Il est sûr que Ripley ne saurait trouver à bord d’homme qu’elle pourrait épouser puisqu’aucun d’entre eux ne semble capable de «cet humour, cette intelligence, cette compréhension exclusive et partagée» dans la mesure où aucun, ni Parker, ni Brett, ni Ash, ni même Dallas23 ne semble plus prêt à parler avec elle de plein gré.

    Alien et Hantise

    Si l’on trouve donc en effet dans la description que donne Cavell du mélodrame de la femme inconnue, des éléments qui entretiennent une ressemblance frappante avec Alien, ces similarités se retrouvent en particulier dans l’un des mélodrames étudiés par Cavell: Hantise24. Ce film raconte comment, plusieurs années après l’assassinat non élucidé de sa tante à son domicile, une jeune femme, Paula, emménage avec son mari dans cette maison dont elle a hérité. Mais cet homme, qu’elle vient d’épouser alors qu’elle le connaît à peine, va se servir d’elle pour retrouver des bijoux dont il sait qu’ils sont cachés quelque part dans le grenier et essayer de la rendre folle en lui faisant croire notamment que les bruits qu’elle entend la nuit ne sont que des hallucinations.

    On trouve en effet plusieurs caractéristiques communes aux deux films. Tout d’abord, l’histoire se déroule essentiellement dans un milieu clos: dans Hantise, la maison où la tante de Paula a mystérieusement été assassinée; dans Alien, le Nostromo, puis le Narcissus. La dimension claustrophobique du film est particulièrement marquée lors de la séquence où Dallas traque l’alien dans le système de ventilation et accentuée par le souffle de Dallas et le bip régulier du radar que consulte Lambert. Ensuite, les variations de l’intensité de la lumière et les bruits ont un rôle important dans les deux films: dans Hantise, les variations de la lumière donnent leur titre original au film, Gaslight, puisqu’elles sont fonction des variations nocturnes d’emploi du gaz et qu’il est donc essentiel pour le projet du mari que sa femme croie avoir des hallucinations. Il en va de même pour les bruits qu’elle croit entendre dans le grenier. Dans Alien¸ les lumières s’éteignent plus ou moins sans raison25. En outre, les rejets de gaz et les bruits sont omniprésents et font l’objet de manipulation26. De plus, il y a une même difficulté à se rendre crédible auprès des subordonnés: dans Hantise, c’est le mari qui cherche à décrédibiliser sa femme devant les domestiques. Dans Alien, c’est tout l’équipage qui semble refuser de reconnaître l’autorité de Ripley. Enfin, on trouve dans les deux cas un individu étranger et dangereux (le mari est d’origine pragoise, l’alien est littéralement «l’étranger» 27), qui pratique la strangulation (la tante a été étranglée par le mari, le facehugger se maintient sur le visage de ses victimes en les étranglant à l’aide d’une longue queue) et rend muet (le mari parvient presque à réduire totalement sa femme au silence28, le facehugger empêche littéralement que le moindre son sorte de la bouche de sa victime à l’aide du membre plongé dans sa gorge).

    Ici, une différence majeure pourrait être relevée puisque la torture imposée par le mari est bien mentale, et non directement physique, et le mutisme la conséquence d’une action sur l’esprit, et non sur le corps, de sa femme Le mari fait en effet croire à Paula, en usant précisément des techniques de rhétorique dont il essaie de lui prouver qu’elle ne saurait les maîtriser, que sa parole ne saurait avoir aucun pouvoir de persuasion puisqu’elle est folle de cacher ainsi les objets qui lui appartiennent et de prétendre ne pas le faire. Bref, il cherche à la persuader que les conditions nécessaires à son expression étant absentes, elle ne doit pas chercher à faire entendre sa voix.

    S’il est évident que la coercition qu’exerce l’alien ne passe pas par les mêmes procédés, il n’en est pas moins vrai que Ripley subit bien ce type de mauvais traitements de la part de l’équipage. Outre l’échange au sous-sol, il y a ce moment où Parker et Brett se mettent à se moquer d’elle, à ne pas prendre ses paroles au sérieux, alors qu’elle incitait justement Brett à s’affirmer, à cesser de dire amen à tout ce que dit Parker, bref à faire entendre sa propre voix. De même, personne ne réagit au fait que son ordre de maintenir Kane en quarantaine a été bafoué. Lorsqu’elle reproche à Dallas de désobéir au règlement, il lui répond qu’il ne sert à rien de se réfugier derrière le règlement et qu’elle ferait mieux de bien faire son travail plutôt que de contester les décisions de son supérieur hiérarchique. Surtout, le film compte pas moins de huit conflits verbaux entre Ash et Ripley, où celui-ci se pose toujours en détenteur exclusif de la rationalité, de la logique. Cependant, c’est Lambert qui semble verbaliser ce qu’Ash et les autres pensent d’elle: quand Ripley décide de poursuivre le plan de Dallas, Lambert répond «Tu as perdu la tête29.»

    Remarquer que l’équipage semble ligué contre Ripley paraît devoir nous ramener à l’identification première entre l’alien et la domination masculine. Dans le Making of, Scott dit d’ailleurs qu’il voulait montrer que le «chauvinisme masculin» pouvait très bien traverser les siècles. Mais ce que Cavell essaie de mettre en évidence à travers le sort des femmes du mélodrame de la femme inconnue, c’est qu’«avoir une voix dans sa propre histoire30», faire une différence, compter est un enjeu qui concerne tous les individus, masculins comme féminins. Autrement dit, derrière la particularité de l’histoire de ces femmes se trouve une universalité qui est celle de la situation de tous les êtres humains confrontés à des mœurs et des traditions qui empêchent l’originalité et la singularité de l’expression.

    En effet, la difficulté à s’exprimer, à faire entendre sa voix n’est pas moins grande pour les autres personnages, ce qui semble relever d’une intention consciente du réalisateur puisque Scott explique avoir joué sur le son pour renforcer l’impression que tout le monde parle en même temps lors du petit déjeuner. Ainsi, Lambert est-elle rapidement renvoyée à ses relations sexuelles passées au cours du repas qui suit le second réveil de Kane. Ash ne parvient pas à parler à Parker, qui lui-même parle sans cesse, mais n’est jamais écouté (sur la question des primes, de la cryogénisation de Kane et du facehugger31, etc.), tandis que Brett n’a pas suffisamment confiance en lui pour s’exprimer, même dans la solitude. Incapable d’accorder sa confiance à qui que ce soit, le capitaine Dallas a lui aussi bien du mal à s’imposer: qu’on songe que tout ce qu’il trouve à dire quand Ripley mentionne la règle de quarantaine, c’est: «Il [Kane] pourrait mourir.»

    En fait, le film comprend un élément qui, selon Cavell, vient compenser la conversation, le trait principal des comédies du remariage dont Cavell a dérivé par négation le genre des mélodrames de la femme inconnue: l’ironie, dans la mesure où il s’agit d’«une négation de la conversation32». Mode normal des échanges verbaux sur le Nostromo, c’est d’ailleurs le caractère saisissant de l’ironie qui règne à bord qui a conduit Thomas Doherty à tenir Alien pour une subversion du genre du film de combat de la Seconde Guerre mondiale33. Cette ironie est le signe d’une incapacité à se faire confiance les uns aux autres, au point que l’amitié semble impossible: au contraire, à ne communiquer que sur un mode ironique, de peur de s’exposer, on finit par s’aliéner ses amis. En réalité, le scepticisme est si profondément ancré dans l’esprit des membres de l’équipage, qu’il en devient source d’agressivité et de violence. Scott parle ainsi d’une disparition de la camaraderie et de l’isolement que cela produit et qui consiste en ce que chacun se retrouve seul avec ses pensées.

    Si l’on accepte de considérer que Ripley fait le lien entre le processus de torture mentale ainsi mené par l’équipage et la torture physique exercée par l’alien, alors on pourra accepter de dire que c’est comme si le processus de pénétration, de fécondation et de parturition mené par l’alien n’était qu’un «déguisement grossier» du processus par lequel on peut insinuer en quelqu’un des doutes si forts qu’il en perde confiance en lui-même. Plutôt que d’identifier l’alien à la seule domination masculine, il serait donc préférable de l’identifier aux procédés violents qui naissent de la méfiance et de l’incapacité à coopérer les uns avec les autres. L’alien rejoindrait alors une figure de l’extraterrestre présente dans un film comme Planète interdite (Fred M. Wilcox, Forbidden Planet, 1956) où le monstre, qui a réussi à exterminer une civilisation bien plus avancée que la nôtre, est une création de l’inconscient de ses victimes34. Autrement dit, comme dans toute aliénation authentique, les artisans principaux de la servitude en sont aussi les victimes dans la mesure où la méfiance qui règle les rapports des uns avec les autres commence d’abord envers soi. De sorte que la menace que représente l’alien, c’est celle du comportement humain qui naît d’un manque de confiance en soi, du scepticisme dirigé vers soi et ses propres pensées.

    À SUIVRE: Alien ou la menace de l’Autre en moi: l’alien, Ripley et la femme inconnue (2).

    Notes

    1. «Science fiction plucks from within us our deepest fears and hopes then shows them to us in rough disguise: the monster and the rocket.» (Wystan Hugh Auden) Sauf mention contraire, les traductions sont de l’auteur de l’article. C’est l’une des deux citations sur lesquelles s’ouvre le script de juin 1978, écrit par Walter Hill et David Giler, inspiré du scénario de Dan O’Bannon et d’une histoire de Dan O’Bannon et de Ronald Shusett.

    2. Voir, par exemple, Geraghty, Lincoln, et Janicker, Rebecca, «“Now That’s What I Call a Close Encounter!”: The Role of the Alien in Science Fiction Film, 1977-2001», Scope, novembre 2004, en ligne [URL: http://www.scope.nottingham.ac.uk/article.php?issue=nov2004&id=254&section=article, consulté le 23 avril 2013.

    3. Voir Stephen Mulhall, On Film, 2e édition, New York, Routledge, 2008.

    4. David Thomson, The Alien Quartet: A Bloomsbury Movie Guide, Londres, Bloomsbury Publishing, 1999, p. 10.

    5. Carol J. Clover, «Her Body, Himself: Gender in the Slasher Film», Representations, no 20, Special Issue: Misogyny, Misandry, and Misanthropy, automne 1987, p. 187-228; repr. in The Dread of Difference. Gender and the Horror Film, Barry Keith Grant (éd.), Austin, University of Texas, 1996, p. 66-113. L’article a également été repris par Clover comme chapitre d’un des livres les plus importants dans le domaine des études féministes des films d’horreur: Men, Women, and Chainsaws: Gender in the Modern Horror Film, Princeton, New Jersey, Princeton University Press, 1992.

    6. Voir Cavell, Contesting Tears, Chicago, The University of Chicago Press, 1996; trad. fr. Pauline Soulat, La Protestation des larmes, le mélodrame de la femme inconnue, Paris, Capricci, 2012.

    7. Voir David Greven, «Demeter and Persephone in space: transformation, femininity, and myth in the Alien films», note 2, Jump Cut: A Review of Contemporary Media Jump Cut, no 52, été 2010, en ligne [URL: http://www.ejumpcut.org/archive/jc52.2010/GrevenAliens/index.html], consulté le 23 avril 2013.

    8. Voir Greven, art. cit., note 5.

    9. Robert Lang, American Film Melodrama: Griffith, Vidor, Minnelli, Princeton, Princeton University Press, 1989, p. 8; cité par Greven, art. cit.

    10. Voir Greven, art. cit.

    11. Voir Mulhall, «In Space, No one Can Hear You Scream: Acknowledging the Human Voice in the Alien Universe», in Film as Philosophy. Essays on Cinema after Wittgenstein after Cavell, R. Read et J. Goodenough (ed.), New York, Palgrave Macmillan, 2005, p. 57-71.

    12. Dans le commentaire audio du DVD, Scott avoue avoir demandé à Yaphet Kotto, l’acteur qui joue Parker, de gêner Sigourney Weaver en parlant en même temps qu’elle. Il laisse entendre qu’elle n’a donc pas seulement réussi à faire taire le personnage, mais aussi l’acteur.

    13. Hélène Cixous, «Castration ou Décapitation?», in Contemporary Literary Criticism, R. Con Davis et R. Scheifler (ed.), New York, Longman, 1989 (1976); cité par David Greven, art. cit.

    14. Santiago Aragón, «Mante», in Encyclopaedia Universalis, Paris, Encyclopaedia Universalis, 2012. Sur le sens des insectes dans la science-fiction contemporaine, voir Marika Moisseeff, «La procréation dans les mythes contemporains: une histoire de science-fiction», in Anthropologie et sociétés, vol. 29, n° 2 («Le mythe aujourd’hui»), 2005, p. 69-94. Je remercie Raphaël Bessis d’avoir attiré mon attention sur ce travail.

    15. Dans son article, Mulhall montre bien la persistance du thème dans la quadrilogie.

    16. Pour la conception cavellienne de l’essence d’un genre cinématographique, voir notamment «The Fact of Television» (1982), in Cavell on Film, William Rothman (ed.), New York, State University of New York Press, 2005, p. 59-85.

    17. Cavell, Contesting Tears, op. cit., p. 3; La protestation des larmes, op. cit., p. 17.

    18. Voir Stanley Cavell, À la recherche du bonheur, trad. fr. C. Fournier et S. Laugier, Paris, Les cahiers du cinéma, 1993.

    19. Cavell, La Protestation des larmes, op. cit., p. 20.

    20. Pour cette distinction entre deux types de conceptions des obligations de l’homme vis-à-vis des animaux, voir J.-Y. Goffy, Le philosophe et ses animaux, op. cit., p. 49-80.

    21. Cavell, Contesting Tears, op. cit., p. 6; La protestation des larmes, op. cit., p. 21 [trad. modifiée].

    22. Cavell, La protestation des larmes, op. cit., p. 21.

    23. Le mot “même” est là pour indiquer que l’on devine à certains gestes et regards qu’il y a eu, ou du moins qu’il aurait pu y avoir quelque chose entre Ripley et Dallas, ce qui fait de Dallas l’homme avec lequel elle ne pouvait pas, selon la loi du genre, se remarier.

    24. Sur Hantise, voir Stanley Cavell, La protestation des larmes, op. cit., p. 79-121et aussi Cavell, Philosophie des salles obscures, chapitre 6, Philosophie des salles obscures, trad. fr. N. Ferron, M. Girel et E. Domenach, Paris, Flammarion, 2011, p. 133-150.

    25. Lors du mauvais atterrissage sur la planète ou lorsque le module 12 ne fonctionne plus alors qu’il avait été réparé par Parker par exemple.

    26. Ils sont manipulés par Parker pour que leur bruit couvre la voix de Ripley afin de contester son autorité, puis déclenchés par le processus d’autodestruction du Nostromo.

    27. C’est le titre québécois du film. Andy Cameron nous rappelle que «le terme ‘‘alien’’ désigne en anglais américain à la fois immigrant, étranger, inconnu et extra-terrestre.» Voir Andy Cameron, «L’idéologie californienne», in Hermès: revue critique, no 5, automne-hiver 1999, en ligne [URL:  http://www.hrc.wmin.ac.uk/theory-californianideology.html], consulté le 23 avril 2013, cité par Raphaël Bessis, «Alien ou l’étranger contemporain: un imaginaire de la déficience immunitaire», issu d’un D.E.A. de Sciences Humaines Cliniques, Paris VII René Diderot, été 2005.

    28. Voir Cavell, La protestation des larmes, op. cit., p. 93.

    29. À 1:12:56: «You’re out of your mind.»

    30. Cavell, La protestation des larmes, op. cit., p. 94 qui renvoie à Cavell, Les Voix de la raison. Wittgenstein, le scepticisme, la moralité et la tragédie, trad. fr. S. Laugier et N. Balso, Paris, Seuil, 2012.

    31. Quand Parker s’étonne du comportement de Ash en demandant «Pourquoi ne le congèle-t-il pas ?», Dallas lui réponde «Tais-toi, et remets-toi au travail.».

    32. Cavell, Contesting Tears, op. cit., p. 47; La protestation des larmes, op. cit., p. 80.

    33. Voir Thomas Doherty, «Genre, Gender and the Aliens Trilogy», in Grant, B. K. (éd.), The Dread Of Difference, op. cit., 1996, p. 191.

    34. On pense aussi au personnage de Freddy Kruger dans Freddy, les griffes de la nuit (Wes Craven, A Nightmare on Elm Street, 1984).

  • «Alien» ou la menace de l’Autre en moi (2)

    «Alien» ou la menace de l’Autre en moi (2)

    Les dernières séquences d’Hantise et d’Alien: l’aria de Paula et le chant de Ripley

    Malgré la double adversité du chauvinisme masculin et de l’alien, Ripley va avoir le courage de continuer à s’exprimer au point de réussir à faire entendre sa voix jusqu’au bout. Or, on peut trouver une dernière confirmation de ce que la menace que fait peser l’alien, c’est bien celle d’une perte de confiance en soi, d’un scepticisme paralysant qui empêche l’individu de s’accomplir avec les autres et au milieu d’eux, en faisant le parallèle entre cette séquence et la dernière séquence d’Hantise.

    Les deux films se terminent en effet par une confrontation où l’un des deux protagonistes est attaché à un siège et menacé par l’autre qui est debout. Si les positions sont inverses dans les deux scènes, puisque c’est la femme qui est debout et qui menace l’homme attaché malgré lui sur une chaise dans Hantise, alors que c’est la femme qui est volontairement ceinturée à son fauteuil et menacée par l’alien, il n’en reste pas moins que c’est elle qui, dans les deux cas, va l’emporter, armée d’un objet tranchant, couteau ou harpon.

    Surtout, si l’on suit l’excellente suggestion de Cavell pour qui les paroles prononcées par Paula-Bergman, qui simule la folie, font écho à l’interprétation de «l’air de la folie» tiré de Lucia Di Lammermoore qui a fait la gloire de sa tante, alors on ne peut pas ne pas être frappé par le fait que Ripley-Weaver chante une chanson. Or, selon Cavell, l’aria de Paula constitue son cogito ergo sum, c’est-à-dire sa façon de surmonter les doutes patiemment insinués en son esprit par son mari sur sa santé mentale. En effet, en simulant verbalement la folie, Paula semble prouver l’existence de son esprit et de sa voix, puisqu’elle ne saurait douter sans penser, ni penser sans exister pour s’exprimer. Si son existence est folle, si, comme elle le dit lorsqu’elle apprend qu’il était déjà marié quand il l’a épousée, «il n’y a jamais rien eu depuis le début1», elle n’en revendique pas moins cette existence vide à laquelle son mari l’a condamnée. Elle est peut-être folle ou peut-être condamnée à le devenir comme sa mère le serait devenue selon son mari, il n’en reste pas moins que ces doutes ne pourront plus jamais l’empêcher de faire entendre sa voix.

    Dans une séquence où la tension est maintenue grâce au triple jeu des bruits, de la lumière stroboscopique et des émissions de gaz, Ripley ne chante pas l’air de la folie, mais semble tout près de la folie lorsqu’elle chante sa chanson alors qu’elle se rapproche de l’alien. Scott rappelle d’ailleurs qu’il serait possible qu’elle craque à ce moment-là. C’est ici l’occasion de citer un beau paragraphe de Martine de Gaudemar à propos de la force du cinéma:

    Les histoires racontées à l’écran viennent exprimer et capter une réalité organique et sentante qui soutient l’existence des personnes dans le monde comme personnages. Ces histoires correspondent à des schémas typiques, elles sont les mythes de notre temps, qui retravaillent les mythes de notre civilisation. L’un de ces mythes retrace le voyage de la conformité à la confiance en soi comme une seconde naissance2.

    Ce qui relève de la «réalité organique et sentante» dans cette séquence, c’est la tendance instinctive à laquelle renvoie le «chant» de Ripley. On connaît les pouvoirs des chansons et des comptines pour calmer et rassurer les enfants. Cependant, chanter pour se rassurer et se concentrer, c’est aussi une expérience irrationnelle d’adulte, quelque chose qui relève de notre fonds naturel, de ces réactions primitives, instinctives qui précèdent tous les raisonnements dont font également partie des comportements comme frapper le sol quand on est en colère, ou embrasser l’effigie ou la photographie d’un être aimé3. C’est sur ce type d’actions instinctives que s’élaborent les rituels et les superstitions, comme la croyance en une bonne étoile, qui est le contenu du refrain entonné par Ripley4. Là où des individus comme Lambert, Brett ou Dallas se seraient déjà effondrés, auraient fini prostrés, paralysés, littéralement médusés, Ripley agit et décide d’attaquer l’alien qui la laisse pourtant tranquille puisqu’il semble assoupi5. Elle ne se laisse pas arrêter par les certitudes scientifiques d’un Ash qui lui a dit qu’il était impossible de tuer l’alien et qui lui a adressé par avance ses condoléances.

    Son appel à sa bonne étoile est un appel à la confiance en soi, à la vertu pratique de détermination, en même temps qu’une anticipation ironique de ce qui va suivre puisque les paroles de sa chanson mentionnent une ouverture de portes, l’imagination d’un ciel plein d’étoiles brillantes, un être qui se trouve dans la lumière, mais aussi un film «quatre étoiles» et une femme identifiée à des héroïnes de mélodrames comme Katharine Hepburn, Jean Harlow ou Greta Garbo6.

    Si l’on devait tirer dès maintenant une morale du film, on pourrait dire que, confronté au problème du scepticisme dans un univers où les circonstances empêchent l’originalité et la singularité de l’expression, où les conditions d’une expression persuasive sont empêchées d’être réunies pour des raisons sociales, il n’est d’autre solution pour l’individu que de s’exprimer et d’agir malgré tout en essayant de s’affirmer et d’affirmer sa voix. Cela vaut dans le cas de Ripley, mais cela vaut aussi pour Sigourney Weaver et pour les actrices de sa génération qui doivent essayer de devenir des stars à une époque qui n’est plus l’âge d’or du cinéma et dans des genres qui ne sont plus ceux dans lesquels brillaient les grandes actrices d’antan. Mais cela vaut aussi pour le réalisateur qui doit faire de son actrice une héroïne et une star et de son film une réussite en prenant le risque du mélange des genres.

    Les deux séquences partagent une caractéristique supplémentaire: elles sont suivies d’un moment plus contemplatif où chacune des héroïnes va regarder le ciel étoilé et adresser ainsi ses paroles à l’avenir. Dans Hantise, Paula monte en effet sur le balcon situé sur le toit de la maison, regarde le ciel et les étoiles et dit «Ce sera une longue nuit.» Quand Ripley aura enregistré son message adressé à la postérité et qu’elle se sera allongée pour dormir, la nuit sera longue aussi, puisqu’elle durera 57 ans. Cette fin analogue est une raison de plus de chercher à savoir si notre comparaison des deux films ne comporterait pas davantage d’enseignements, y compris sur l’essence du cinéma.

    Gaslight, la lumière du projecteur de cinéma et Alien

    Dans La Protestation des larmes et dans Philosophie des salles obscures, Stanley Cavell a mis en évidence l’existence d’une analogie entre la lumière du gaz dans Hantise (Gaslight) et la lumière du projecteur cinématographique. De même que les fluctuations de la lumière du gaz sont cause de folie, de même la lumière du projecteur pourrait-elle, elle aussi, être cause de folie. En effet, dans la mesure où le cinéma est l’image mobile du scepticisme, notre position est identique à celle de Paula: nous sommes victimes d’un processus qui nous prive d’un accès sûr au réel et nous conduit à l’hallucination, tout près de la folie7. Mais puisque les fluctuations de la lumière ont une cause qui n’a rien d’irrationnel, on peut dire que le film établit un lien entre l’hallucination et l’idée d’hypnotisme. Cavell cite une phrase où Paula dit à son mari: «Ne me regarde pas comme ça», ce qui fait penser à la façon dont Ripley évite de regarder l’alien-Méduse lors de la dernière scène. Mais où trouver l’équivalent de l’analogie entre la lumière du gaz et la lumière du projecteur dans Alien? Si Cavell a raison de voir dans la séquence de l’air de la folie une pensée du film sur notre condition de spectateurs, alors il est peut-être légitime de concevoir également la scène paroxystique du Narcissus comme proposant plutôt un miroir dans lequel le spectateur est invité à se regarder. À bien y réfléchir, il y a d’ailleurs un objet qui fait office de miroir: le casque de Ripley.

    Or, cela n’est pas sans nous rappeler un autre plan du film dans lequel notre attention est attirée sur le pouvoir de réflexion de la visière d’un casque. Il s’agit d’un des premiers plans de l’intérieur du Nostromo. Après nous avoir montré un lieu constitué de plusieurs couloirs octogonaux qui n’est pas sans rappeler le design des vaisseaux spatiaux de 2001, l’Odyssée de l’espace (2001: A Space Odyssea, Stanley Kubrick, 1968), la caméra fait un panoramique qui passe sur un bureau où l’on perçoit une veste posée sur une chaise, un oiseau buveur, d’autres couloirs et des écrans de contrôle, une machine qui démarre et des pages de papier qui s’envolent et, finalement, des casques de secours qui sont positionnés d’une façon telle, en haut de fauteuils disposés face à un écran, qu’on croit au départ qu’il s’agit de têtes. Apparaît alors sur la visière de l’un de ces casques le reflet d’un écran d’ordinateur qui s’allume et transmet le message «Nostromo 180924609». Cette projection lumineuse sur un casque que l’on peut prendre pour une tête pourrait faire penser à la projection du film dans la tête des spectateurs. Mais comment peut-on dire que le film est projeté dans l’esprit des spectateurs? La projection lumineuse ne se fait-elle pas typiquement sur un écran, plutôt que sur la tête des spectateurs?

    Il est remarquable que deux auteurs très souvent cités des film studies, Jean Baudrillard et Stanley Cavell, aient proposé, à peu près à la même époque, des analyses convergentes qui permettent de répondre à cette question. Le premier décrit ainsi le changement induit par le dispositif télévisuel quant à notre rapport aux images: si dans le cas du cinéma, les images sont projetées sur un écran qui les réfléchit en même temps que s’y réfléchissent les fantasmes et l’imaginaire des spectateurs, ce qui permet le maintien d’une distance entre le réel et l’imaginaire dans leur esprit, dans le cas de la télévision, les images sont projetées directement sur l’écran ou le terminal qu’est devenu l’esprit des téléspectateurs:

    L’image “télé” […] ne suggère rien, […] magnétise, […] n’est, elle, qu’un écran, même pas: un terminal miniaturisé qui, en fait, se trouve immédiatement dans votre tête – c’est vous l’écran et la télé vous regarde – en transhistorise tous les neurones et passe comme une bande magnétique – une bande, pas une image8.

    De son côté, dans l’un des rares textes philosophiques consacrés à la télévision, Stanley Cavell a cherché à montrer que la caméra de télévision s’apparente à une caméra de surveillance de mises en scène du confinement9. Or, ce qu’Alien semble avoir compris dès 1979 et que les films d’horreur épidémique récents ont retrouvé, c’est que cette logique du confinement est celle-là même qui détermine l’espace et les rapports entre citoyens américains depuis que les résidents du centre-ville ont quitté leurs logements pour ne plus avoir à affronter les dangers de la nuit10. En permettant au spectateur de surveiller une intrusion dangereuse d’un individu étranger dans un espace confiné, le film Alien ne fait donc que reprendre le mode de perception proprement télévisuel11. La peur qu’il exprime est la peur d’être condamné à exister dans un monde qu’il est de plus en plus difficile d’habiter.

    Mais qu’en est-il alors du statut du spectateur? Pourquoi prendre la peine d’attacher Ripley au siège et de lui faire porter le casque de secours du début? Le rapport avec Alien tient peut-être à l’idée selon laquelle

    la condition cinématographique est pour Cavell une condition métaphysique, qui révèle notre situation dans le monde: nous sommes divisés, dans une distance insurmontable de soi à soi, et de soi à autrui. Notre condition est une condition d’exil, dans un monde où nous nous trouvons tels des étrangers12.

    Cette citation de Martine de Gaudemar résume très bien le film tout entier. La condition d’exil d’individus qui en deviennent étrangers à eux-mêmes, aux autres et au monde est en effet une bonne description du voyage du Nostromo. Mais alors, le film décrit de façon narrative l’expérience cinématographique en tant que telle. Et si nous sommes en tant que spectateurs des passagers du Nostromo, «displaced from our natural habitation within », qu’en est-il de l’alien?

    Une hypothèse serait de le penser comme le pouvoir du cinéma (ou de la télévision) lui-même. En tant qu’image mobile du scepticisme, le cinéma (ou la télévision) constitue une menace pour le spectateur tant que celui-ci pense qu’il fournit une représentation adéquate de la réalité. Mais pour qui saisit que le cinéma ne nous propose qu’une image de la réalité et qu’il existe une distance aussi irréductible entre cette image et le monde qu’entre nous et le monde dans lequel nous vivons, une possibilité s’offre de prendre conscience de cette distance et d’ainsi accepter l’existence indépendante du monde, de la reconnaître13. Pour le dire autrement, ce que le titre du film semble vouloir dire finalement, c’est que nous ne pourrons habiter le monde contemporain en niant son altérité (comme au début du film, les personnages nient la réalité de la menace) ou en étant fascinés par elle (comme Dallas et Lambert) ou en cherchant à la connaître d’une façon scientifique qui ressemble à une «pro-vocation» (comme les projets d’Ash, du faux Bishop, de la Company et des scientifiques de Resurrection), mais en reconnaissant sa radicalité et donc notre irréductible distance d’avec le monde. Le cinéma pourrait ainsi être conçu comme un émetteur de signaux d’avertissement dont le message serait brouillé par des interférences, mais que le spectateur attentif pourrait comprendre. Le message contiendrait essentiellement l’idée que la recherche de certitudes met en péril l’esprit dans la mesure où il en perd la capacité à saisir le sens et l’importance des figures et des pouvoirs propres au cinéma.

    Mais si le cinéma est une image mobile du scepticisme, quel sens peut-on espérer y trouver? Peut-être faut-il d’abord remarquer qu’on ne saurait répondre a priori, mais qu’il faut s’intéresser aux films et aux genres particuliers. Pour Alien, cela signifiera que derrière les relations exécrables entre les membres de l’équipage, on peut voir poindre certaines façons proprement humaines de se rapporter aux autres et au monde qui sont irréductibles à l’individualisme possessif, au sexisme ou au scientisme qui nuisent à la camaraderie: le secours apporté à l’homme blessé, le soin qui lui est prodigué, le geste protecteur de Dallas vis-à-vis de Ripley, les réjouissances qui font suite au réveil miraculeux de Kane, le repas partagé, l’attention portée au chat par tous les membres de l’équipage, le sacrifice de Parker pour sauver Lambert lorsqu’il renonce à utiliser son lance-flammes contre l’alien de peur de la brûler et attaque le monstre à mains nues, les dangers encourus par Ripley pour sauver le chat. On a vu que ce dernier point n’a pas manqué de susciter bien des commentaires et des interprétations14. On a par exemple trouvé absurde que Ripley sauve le chat alors qu’elle s’est montrée auparavant très attachée aux règles de mise en quarantaine15.

    Pourtant, il n’est pas absurde d’y voir précisément une leçon offerte par le cinéma: en nous montrant les rapports d’affection qui unissent certaines espèces domestiques à l’homme, le film ne nous rappelle pas seulement que certaines espèces ne sont pas faites pour vivre avec nous, qu’elles sont naturellement trop différentes (alien) de nous pour que nous puissions nous entendre avec elles, mais surtout que notre façon de nous rapporter aux êtres et aux phénomènes diffère elle-même fortement d’un type d’être à un autre, d’un phénomène à un autre16. Autrement dit, le film nous rappelle certaines de nos tendances naturelles, parmi lesquelles figure la façon dont nous pouvons manipuler les chats. Que Ripley enfreigne le principe de la quarantaine qui proscrit les contacts physiques non protégés signifie alors peut-être que nous ne pouvons pas, en tant qu’animaux humains, vivre en quarantaine, confinés, sans effectuer notamment ce que Mary Douglas a appelé des rites de «manipulation corporelle» 17. De façon générale, le film met en évidence que nous devons nous laisser instruire par les expériences quotidiennes et les façons ordinaires que nous avons de nous rapporter aux différentes choses et aux différents êtres qui nous entourent pour redécouvrir le sens et l’importance de l’ensemble que constitue la «forme de vie de l’animal humain18» et ainsi dépasser en le reconnaissant notre scepticisme naturel.

    Conclusion

    Partant du constat que la situation à bord du Nostromo n’est pas éloignée de celle qui caractérise les mélodrames étudiés par Stanley Cavell, à savoir une situation où une femme est obligée de se transformer hors de la relation sociale, hors du groupe pour faire entendre sa voix et où règne l’ironie, nous avons considéré que cette rupture de la conversation a non seulement pour conséquence l’incapacité à se comprendre, mais aussi la création d’un monstre: l’être humain isolé, muré dans son silence, autre absolu trop éloigné de tous ses congénères. On comprend alors que certaines interprétations féministes aient conçu l’alien comme la femme moderne, plutôt que comme le prédateur masculin. On pourrait généraliser: l’alien, ce serait l’autre du solipsisme. Mais quand on commence à remettre en cause les rares certitudes dérivées de notre intériorité, on s’aperçoit, comme dans l’horreur cinématographique, que l’alien, c’est l’autre en moi, celui qui est là, prêt à s’imposer à moi, à faire de moi un aliéné mental. Enfin, à considérer les passages réflexifs du film sur sa condition de film, on peut en venir à dire que l’alien, c’est le monde avec lequel je n’arrive pas à coïncider et que le cinéma et la télévision peuvent me rendre encore plus étranger et moins accueillant en tant qu’ils sont aussi «l’image mobile du scepticisme». On atteint alors une définition qui semble comprendre toutes les autres: l’alien, c’est la perte du sens et de l’espoir, de la confiance en soi19. Le jugement de David Thomson semble ainsi bien exprimer le caractère vain d’une assignation de l’identité plus exclusive:

    Pendant des années, beaucoup de gens impliqués dans les films Alien ont parlé du besoin d’expliquer les aliens […] ça a toujours été une erreur compréhensible. En tant que figures à l’écran et qu’entités dans une histoire, ils avaient une magnificence, un arbitraire qu’on aurait gâchés par l’explication. […] Être alien, c’est être inconnaissable. […] C’est un peu comme la force du mal […] ou la négation de la raison et de l’espoir, en voyant que cela pourrait aussi bien prendre une forme humaine20.

    Mais la seule façon de vaincre l’alien et d’habiter le monde est d’apprendre à le reconnaître, et non à le connaître de manière agressive, «pro-vocatrice», mais en nous laissant instruire par nos expériences ordinaires et nos manières familières de nous rapporter à lui malgré son altérité: «C’est la chose que nous ne savons pas qui peut nous sauver21.»

    Notes

    1. «If that were true, then from the beginning there would have been nothing.» Détective: «Nothing real, from the beginning.»

    2. Voir Martine de Gaudemar, «Le personnage de la femme inconnue: philosophie, psychanalyse, cinéma», Revue Internationale de Philosophie, février 2011, vol. 65, no 256, p. 227. Sur le personnage de Paula, voir La Voix des personnages, Paris, Cerf, 2011, p. 289-293.

    3. Voir Wittgenstein, Remarques sur le Rameau d’or de Frazer, trad. Jean Lacoste, Actes de la recherche en sciences sociales, 1977, vol. 16, no 16, p. 39,  en ligne [URL: http://revueagone.revues.org/797], consulté le 23 avril 2013.

    4. «You are my lucky star.»

    5. Dans le Director’s Cut, une scène a été rajoutée qui montre l’alien endormi à 1:06:46. Voir la séquence où Brett cherche le chat Jones et va trouver l’alien.

    6. «Though you are never seen, Up on some movie screen, You are my Schear, Crawford, Hepburn, Harlow, and my Garbo, You are my lucky star».

    7. Cavell, La protestation des larmes, op. cit., p. 108-109.

    8. Jean Baudrillard, Simulacre et simulation, Paris, Galilée, 1981, p. 80.

    9. Cavell, «The Fact of Television», art. cit. Nous simplifions. Pour une idée équivalente, voir Patrice Maniglier, La perspective du diable. Figurations de l’espace et philosophie de la Renaissance à Rosemary’s Baby, Montpellier, Actes Sud/Villa Arson, 2010, p. 123-129.

    10. Voir William Rothman, «Hollywood and the Rise of Suburbia», The “I” of the Camera. Essays in Film Criticism, History, and Aesthetics, 2e éd., Cambridge, Cambridge University Press, 2004 (1988), p. 167-176.

    11. David Thomson nous apprend que, malgré le succès du film dans les salles, ce n’est qu’avec les locations vidéo, particulièrement nombreuses, que les producteurs ont pu rentrer dans leurs frais. On pourrait donc y voir un signe de l’adéquation du message à la condition du spectateur vidéo. Voir Thomson, The Alien Quartet, op. cit., p. 54-55.

    12. Voir Martine de Gaudemar, «Le personnage de la femme inconnue», art. cit., p. 233-234 qui cite S. Cavell, The World Viewed, chap. 6, p. 41: «we are displaced from our natural habitation within [the world], placed at distance from it. The screen overcomes our fixed distance; it makes displacement appear as our natural condition.»; trad. fr. C. Fournier, La projection du monde, op. cit., p. 71: «nous sommes dé-placés, exilés, de notre habitation naturelle dans le monde, […] nous sommes placés à distance du monde. L’écran triomphe de notre éloignement imposé; il fait apparaître le déplacement, l’exil, comme notre condition naturelle.»

    13. Mulhall, Stanley Cavell: Philosophy’s Recounting of the Ordinary, Oxford, Oxford University Press, 1999, p. 228-230.

    14. David Thomson écrit ainsi: «J’aime vraisemblablement un peu plus les chats que le commun des mortels, mais je dois dire que ce Jones a dépassé toutes les limites qu’un chat peut franchir sans en être puni.» Thomson, The Alien Quartet, op. cit., p. 46-47.

    15. Voir Barbara Creed, «Horror and the Monstrous-Feminine: An Imaginary Abjection», Screen, vol. 27, no 1, p. 68.

    16. Voir le tableau sémantique inspiré de Greimas proposé par James Kavanaugh pour indiquer les relations entre les différents genres d’êtres de l’univers d’Alien. James H. Kavanaugh, «‘‘Son of a Bitch’’: Feminism, Humanism, and Science in Alien», October, vol. 13, été 1980, p. 90-100.

    17. Mary Douglas, De la souillure. Essais sur les notions de pollution et de tabou, Paris, La Découverte, 1992 (1967), p. 235.

    18. Cavell, Une nouvelle Amérique encore inapprochable, in Qu’est-ce que la philosophie américaine?, Paris, Folio, 2009, p. 67-68.

    19. David Thomson, The Alien Quartet, op. cit., p. 171.

    20. Ibid.

    21. Stanley Cavell, «L’évitement de l’amour («Le Roi Lear»)», Dire et Vouloir Dire, Paris, Cerf, 2009, p. 485.

  • «La philosophie de l’horreur» de Noël Carroll à l’épreuve d’«Alien»

    «La philosophie de l’horreur» de Noël Carroll à l’épreuve d’«Alien»

    Le livre récemment traduit Alien. La genèse d’un mythe, décrit l’une des premières projections du film à Dallas au Texas, au printemps 1979, dans les termes suivants: «On raconte que quelqu’un est tombé et s’est cassé le bras. Des spectateurs se seraient battus pour s’approprier des places plus éloignées de l’écran. La femme de Ladd Jr., devenue son ex-femme depuis, refusa de sortir de chez elle pendant une journée et demie. À un moment, un ouvreur est même tombé à la renverse, terrassé par la scène où Ash se fait arracher sa tête synthétique…»1

    Si les réactions des spectateurs de 2013 ne sont plus celles des spectateurs de 1979, elles demeurent vives et posent la question de savoir comment on peut éprouver du plaisir à voir non seulement des hommes mourir sous les coups de l’alien, mais aussi à souffrir soi-même d’une émotion aussi pénible que celle de l’horreur. À la suite de Noël Carroll, les philosophes analytiques du cinéma parlent du «paradoxe de l’horreur» (Carroll 1990, 10) pour désigner la difficulté générale suivante: il semble contradictoire d’éprouver du plaisir à regarder ce qui provoque de l’effroi et du dégoût.

    La philosophie de l’horreur de Noël Carroll

    Le paradoxe de l’horreur

    S’il peut sembler contradictoire d’éprouver du plaisir à regarder des films horribles, c’est parce que l’amateur de film d’horreur semble en effet dire à la fois «C’est un spectacle si plaisant que je suis prêt à payer dix euros pour y assister!» et «C’est un spectacle si déplaisant que je n’aspire qu’à m’en détourner!» On peut reconstruire le paradoxe de la façon suivante:

    1. Un film d’horreur réussi doit produire un sentiment d’horreur.
    2. L’horreur est un sentiment de peur et d’aversion.
    3. Un sentiment de peur et d’aversion pousse à se détourner plutôt qu’à rechercher ce qui le provoque.
    4. Un film d’horreur réussi doit donc pousser le spectateur à fuir la salle de cinéma plutôt qu’à y entrer.
    5. Un film d’horreur réussi attire l’amateur du genre parce qu’il produit un sentiment de peur et d’aversion.

    La solution du paradoxe peut difficilement être que les amateurs du genre sont des personnes étranges qui aiment souffrir en général et donc aiment souffrir en regardant des films d’horreur en particulier. En effet, il est probable que l’immense majorité des amateurs n’aimeraient pas être réellement dans une situation susceptible de provoquer en eux un sentiment de peur et d’aversion. Le paradoxe exige donc que l’on rende compte du fait que l’on puisse aimer les films d’horreur parce qu’ils produisent un tel sentiment, alors que l’on n’aime pas avoir peur et éprouver du dégoût d’ordinaire.

    Les paradoxes du cœur

    Dans sa Philosophy of Horror (Carroll 1990), Noël Carroll mentionne en outre un autre paradoxe: ce que les philosophes analytiques appellent le «paradoxe de la fiction». Si le paradoxe de l’horreur est soulevé par la question «comment les gens peuvent-ils être attirés par ce qui est repoussant?», le paradoxe de la fiction apparaît quand on essaye de répondre à la question «comment les gens peuvent-ils émus par ce qu’ils savent ne pas exister?»

    On peut reconstruire le paradoxe de la façon suivante:

    1. Il est absurde de s’émouvoir pour le sort d’une personne qui n’existe pas.
    2. Un personnage de fiction n’existe pas.
    3. Il est donc absurde de s’émouvoir pour le sort d’un personnage de fiction.
    4. La plupart des gens sont émus par le sort de certains personnages de fiction.

    En effet, la proposition 1) indique qu’il semble d’abord impossible de s’émouvoir pour ce qui n’existe pas puisque nous ne comprendrions pas quelqu’un qui prétendrait, par exemple, pleurer la mort d’une personne qui n’a jamais vécu2; Un tel comportement passerait pour irrationnel puisqu’il semblerait dénué de raison. Pourtant, la proposition 4) énonce un fait incontestable: la plupart des gens sont émus depuis l’enfance par les histoires fictives qu’on leur raconte ou qu’ils peuvent trouver dans les livres, au théâtre, au cinéma ou à la télévision. Par exemple, la plupart des lecteurs du roman de Tolstoï ne manquent pas de pleurer la mort d’Anna Karénine tout en sachant qu’elle n’a jamais existé3. Nous sommes confrontés à un dilemme: soit la plupart des gens sont irrationnels dès qu’ils suivent une histoire fictive, ce qu’il est difficile d’admettre, soit il est rationnel de s’émouvoir pour ce qu’on sait ne pas exister, c’est-à-dire sans raison, ce qui semble encore plus difficile à accepter. Le «paradoxe de la fiction» consiste donc en ceci que le fait massif et incontestable selon lequel la plupart des gens sont émus par des fictions ne semble pas possible quand on réalise qu’une fiction n’est pas la réalité et qu’il est absurde de s’émouvoir pour ce qui n’existe pas4. Paradoxe de l’horreur et paradoxe de la fiction constituent ce que Carroll appelle les «paradoxes du cœur». Dans la perspective de Carroll et de la plupart des philosophes analytiques du cinéma, la tâche du philosophe de l’horreur cinématographique est donc triple: il faut définir le genre de l’horreur, résoudre le paradoxe de l’horreur et le paradoxe de la fiction5.

    Les trois théories de Carroll

    La solution du paradoxe de la fiction: la théorie de la pensée émouvante

    Pour résoudre le paradoxe de la fiction, il faudrait donc trouver une théorie qui permette de comprendre comment nous pouvons être réellement émus par des personnages dont nous savons en même temps qu’ils n’existent pas réellement. Une telle théorie existe qui consiste à soutenir que les personnages de fiction ont une certaine réalité: s’ils n’existent pas en dehors des pensées que nous formons à leur propos, ils existent réellement dans nos têtes quand nous pensons à eux. Ce ne sont donc pas les personnages de fiction en eux-mêmes qui nous émeuvent, mais les pensées qu’ils provoquent en nous. Autrement dit, dans cette théorie de la pensée émouvante (thought theory)6, il n’est pas nécessaire de croire en l’existence ou même en la possibilité de quelque chose pour être ému, il suffit d’y penser7. Par exemple, si nous nous trouvons en haut d’un précipice, mais en parfaite sécurité, nous pouvons être saisis d’une émotion à la seule pensée de tomber. De même, nous pouvons être horrifiés par les zombies sans croire que de tels êtres existent ou puissent exister (Carroll 1987, 56).

    En résumé, la solution du paradoxe de la fiction peut être reconstruite ainsi:

    • Il est absurde de s’émouvoir pour le sort d’une personne dont on croit qu’elle n’existe pas.

    Mais:

    1. Il n’est pas absurde d’être ému par une pensée.
    2. Il n’est pas absurde d’être ému par une pensée relative à un personnage de fiction, sans croire que ce personnage existe.

    Mais si nous sommes réellement horrifiés par les pensées que suscitent en nous les films d’épouvante, pourquoi y prenons-nous du plaisir?

    La solution du paradoxe de l’horreur: la théorie «co-existentialiste» du plaisir pris à la découverte du monstre

    La théorie de la pensée émouvante est complétée chez Carroll par une solution du paradoxe de l’horreur.

    Si l’on reprend le paradoxe de l’horreur sous une forme condensée en trois points, 1) Un film d’horreur réussi doit produire un sentiment d’horreur; 2) Un film d’horreur réussi doit donc pousser le spectateur à fuir la salle de cinéma plutôt qu’à y entrer; 3) Un film d’horreur réussi attire l’amateur du genre parce qu’il produit un sentiment de peur et d’aversion, on peut alors dire que la stratégie de Carroll consiste à préciser la proposition 3) de la façon suivante: 3)’ «Un film d’horreur réussi attire l’amateur du genre parce qu’il produit un sentiment de peur et d’aversion qui s’accompagne d’un plaisir de découverte qui le surpasse au final.»

    La prémisse initiale de son argument principal soutient que l’horreur n’est pas d’abord ce qui recherché par les amateurs du genre, car le plaisir pris aux récits d’horreur est en fait pris à la structure narrative (Carroll 1990, 181). Or, la structure narrative la plus fréquente est celle qui est orientée par la découverte et la confirmation de l’existence et des propriétés du monstre (ibid., 181-184). Le plaisir pris aux films d’horreur est donc le plaisir de la découverte de l’existence et des propriétés du monstre (ibid., 184).

    Carroll qualifie sa théorie de «co-existentialiste» au sens où l’émotion d’horreur «coexiste» avec le sentiment de plaisir sans le provoquer: il n’y a donc rien de paradoxal. Lorsque l’existence du monstre et la nature de ses pouvoirs sont confirmées, le spectateur voit sa curiosité satisfaite et en retire du plaisir.

    La définition du genre de l’horreur par le monstre conçu comme être scientifiquement impossible

    Il est essentiel à cette théorie de l’horreur que le monstre soit conçu comme un être impossible selon les critères de la science contemporaine. En effet, le plaisir de la découverte n’est pas propre au genre et l’on pourrait se demander pourquoi l’on devrait préférer un film d’horreur à un bon film policier si, en plus, le film nous procure des émotions pénibles comme celle de l’horreur.

    Carroll répond que «la fiction d’horreur est une variante spéciale (special variation) de cette motivation narrative générale, parce qu’elle a pour centre quelque chose qui est donné comme inconnaissable en principe.» (Carroll 1990, 162) En effet, Carroll définit le monstre de film d’horreur comme ce qui peut susciter l’horreur, c’est-à-dire à la fois la peur et le dégoût. Or, il emprunte à une anthropologue, Mary Douglas, l’idée que ce qui nous dégoûte, c’est ce qui dépasse nos catégories culturelles et qui est tenu pour impossible par la science contemporaine. Un monstre est donc un être menaçant et scientifiquement impossible.

    On doit comprendre qu’aucune œuvre n’est capable de susciter une curiosité aussi forte qu’un récit d’horreur dans la mesure où le monstre est par définition ce qui ne saurait entrer dans aucune catégorie culturelle préalable, c’est-à-dire ce qui peut toujours susciter notre curiosité. Lorsque nous sommes confrontés à l’image d’un monstre qui nous effraie et nous répugne, «[c]e n’est pas que nous désirions le dégoût, mais ce dégoût est le concomitant prévisible de la découverte de l’inconnu.» (Carroll 1990, 85) L’émotion d’horreur est donc l’indice de ce que notre curiosité ne sera pas déçue par l’histoire, car on nous propose de découvrir ce que nous n’avons jamais vu auparavant: elle «est le prix à payer pour que nous soit révélé ce qui est impossible et inconnu, ce qui viole notre schème conceptuel.» (Carroll 1990, 186) Dans l’argument de Carroll, le plaisir pris aux récits d’horreur n’est donc pas pris aux événements horribles, mais au récit lui-même et plus particulièrement à voir satisfaite une curiosité suscitée par le récit. Pour que cette curiosité soit éveillée, il lui faut un objet inconnu et même impossible à connaître: c’est le monstre surnaturel qui défie nos catégories culturelles usuelles et provoque le dégoût et l’horreur. L’horreur est le prix à payer pour éprouver le plaisir de la découverte qui serait seul recherché.

    L’alien semble bien illustrer cette théorie dans la mesure où le réalisateur a pris grand soin nous le montrer le moins possible: l’alien n’est en effet jamais présent dans le même plan que ses victimes sauf pour l’embrassade mortelle. Il est filmé en contre-plongée et en gros plan, voire en très gros plan, de sorte qu’il déborde toujours du cadre, laissant hors champ la menace que font peser ses membres invisibles, mais nécessairement actifs et présents8. Cette difficulté à le voir, doublée de son évolution constante (au moins trois formes différentes) ne fait donc qu’accroître notre désir de connaître sa nature et l’étendue exacte de ses pouvoirs. Le film apparaît donc comme un récit de découverte de l’alien: lorsqu’à la fin, nous le voyons clairement exposé dans la lumière des réacteurs, notre curiosité est satisfaite et le film peut se terminer.

    La théorie de la pensée émouvante est donc complétée par une théorie du plaisir de la découverte pour résoudre les paradoxes de la fiction et de l’horreur d’une façon qui soit cohérente avec la définition de l’horreur9 par le monstre, conçu comme créature catégoriquement interstitielle, c’est-à-dire scientifiquement impossible. Ces différentes théories sont mobilisées pour constituer une «grande théorie» 10 qui définit et explique l’horreur artistique: c’est l’émotion suscitée à la pensée d’un monstre dont l’impureté surnaturelle échappe aux limites du scientifiquement possible et aiguise ainsi la curiosité du spectateur pour le récit.

    La philosophie de l’horreur de Carroll à l’épreuve d’Alien

    Le monstre: un être impossible?

    Si l’on comprend bien que l’impossibilité des monstres soit exigée par la cohérence de la théorie de Carroll, cela présuppose néanmoins un point difficile à admettre, à savoir que les monstres des films d’horreur ne peuvent pas exister. Or, cela conduit à exclure des films très populaires et décisifs pour l’histoire du genre comme Psychose d’Alfred Hitchcock (1960) 11 et le sous-genre cinématographique du «slasher film» qui s’en est inspiré (Clover 1996 [1987]). Les films fondateurs du sous-genre comme Massacre à la tronçonneuse (Hooper, The Texas Chainsaw, 1974), La Colline a des yeux (Craven, The Hills Have Eyes, 1977), Halloween: La Nuit des masques, Vendredi 13 (Cunningham, 1980) mettent tous en scène des tueurs dont la science contemporaine ne nie pas l’existence (Gaut 2003 [1993])12.

    Carroll a anticipé cette objection en répondant par avance que ces tueurs ont cependant une certaine invincibilité qui semble contraire aux lois de la nature, comme le personnage de Freddy Kruger dans Freddy, les griffes de la nuit (Craven, A Nightmare on Elm Street, 1984) ou celui de Michael Myers dans Halloween, et que cela vaut davantage encore pour les suites (Carroll 1990, 37).

    Cependant, il se pourrait que cette invincibilité ait des raisons contingentes: on comprend en effet assez bien pourquoi les propriétaires de franchises aussi rémunératrices ont pu désirer que le personnage principal ait une certaine invincibilité. En outre, et il faudrait entrer dans le détail, avant d’être assassiné et de réapparaître dans les rêves des enfants de ses bourreaux et d’ainsi échapper aux lois de la nature telle que la science la conçoit13, Freddy Kruger était un psychopathe pédophile, un type d’hommes dont la science ne nie pas l’existence. De même, John Carpenter a pris grand soin d’entretenir l’ambiguïté sur la question de la nature des pouvoirs de Myers.

    Carroll a rétorqué que les personnages, dérivés de Norman Bates, relèvent de la «science-fiction psychologique» (science fiction of the mind), par opposition aux monstres des séries Alien et Predator (McTiernan, 1987) qui relèveraient, quant à eux,  de la «science-fiction du corps» (science fiction of the body), dans la mesure où ils ne rentreraient pas dans les classifications psychiatriques officielles (Carroll 1995, 68).

    Mais plusieurs critiques ont mentionné l’existence d’un autre sous-genre, celui de «l’horreur réaliste» qui raconte les méfaits de tueurs en série ayant réellement existé: par exemple, le film The Honeymoon Killers (L. Kastle, 1969) raconte les crimes du couple maudit formé de Raymond Fernandez et Martha Beck,  Deranged (J. Gillen et A. Ormsby, 1974) s’inspire de l’histoire vraie du personnage qui a aussi inspiré Psychose, Ed Gein, Henry: Portrait of a Serial Killer (J. MacNaughton, 1986) raconte l’histoire horrible d’Henry Lee Lucas14.

    Quant à l’alien, il n’est pas invincible et beaucoup d’efforts sont faits pour lui donner un aspect organique qui le rattache à des formes de vie connues: qu’on songe à la scène de dissection du facehugger où Ash attribue à l’alien des comportements fidèles aux lois de la nature [«c’est un réflexe»], à l’aspect du chestburster qui rappelle celui d’un animal à la naissance, à l’alien adulte, le xénomorphe, qui est un mélange d’humain et d’insecte, de mante religieuse. D’ailleurs, ce n’est pas parce que les robots androïdes, la cryogénisation ou les voyages en cargo sont impossibles qu’ils provoquent le dégoût. En outre, il faudrait préciser: physiquement ou techniquement impossible ne veut pas dire logiquement impossible, i.e. impensable. Nous n’avons pas de mal à penser la possibilité de robots androïdes, encore moins à concevoir des bêtes dangereuses qui n’existent pas encore, mais que l’on pourrait créer comme des armes biologiques par croisement ou modification hormonale ou génétique.

    Est-ce la pensée de l’alien qui nous fait horreur?

    Pour illustrer sa théorie de la pensée émouvante, Carroll soutient que penser à la collection des propriétés qui sont attribuées aux «Grands Anciens» (Great Ones) de Lovecraft dans L’appel de Cthulhu (Lovecraft 1991 [1926]), à savoir des «têtes de seiche, des ailes écaillées, des corps de dragons, une odeur intolérable, une texture gélatineuse, et une peau verte» (Carroll 1990, 81) 15, c’est être horrifié artistiquement.

    Si la théorie de la pensée émouvante était correcte, nous devrions tous être horrifiés à la lecture de cette phrase puisqu’en faisant de cette description des Grands Anciens le contenu de nos pensées, nous développons une pensée susceptible de nous émouvoir. Pourtant, nous ne le sommes pas, alors que nous pourrions l’être si nous lisions le texte de Lovecraft. Cela veut dire que l’objet de l’émotion, le Grand Ancien, ne saurait être à lui seul la cause de l’émotion. La philosophe américaine Susan Feagin formule une objection d’un esprit similaire, lorsqu’elle attire l’attention sur le fait que Carroll ne distingue pas assez ce par quoi nous sommes effrayés, ce qui suscite (elicit) la peur et ce qui nous effraie. Par exemple, je peux me réveiller la nuit et avoir peur que quelqu’un ne se tienne debout dans la chambre, alors qu’il ne s’agit en fait que de vêtements posés sur une chaise. Si la cause de ma peur est bien la masse informe que produisent dans la pénombre les vêtements entassés sur la chaise, il ne saurait s’agir de l’objet de ma peur: je n’ai pas peur de mes vêtements, mais bien de la présence d’un intrus dans ma chambre. (Feagin 1992, 78-79)

    Si la description du Grand Ancien est bien l’objet de l’émotion sans qu’elle suffise à susciter l’horreur, c’est, semble-t-il, que la cause de l’émotion n’est pas à trouver dans la pensée, mais qu’elle a davantage à voir avec les vertus émouvantes du récit. De la même façon, ce que montre l’étude des procédés des réalisateurs de films d’horreur, c’est que l’horreur qu’inspire le monstre ne peut tenir à sa seule représentation mentale, mais suppose que sa monstration soit préparée et mise en scène. Par exemple, scénaristes comme producteurs d’Alien ont très tôt compris qu’ils tenaient quelque chose lorsque l’idée de montrer un homme mourir en donnant naissance à un alien a été conçue. On peut considérer qu’il s’agit là d’une pensée horrible, au sens d’une pensée apte à provoquer l’horreur. Mais, contrairement à ce que pourrait suggérer la théorie de Carroll, cela ne tient sûrement pas seulement au fait qu’il s’agit d’une transgression caractéristique de nos catégories culturelles, un phénomène «interstitiel» quasi littéral. Si l’on devait l’expliquer à l’aide d’une seule raison, on pourrait dire que le caractère génial de cette idée de cinéma d’horreur tient plutôt au fait qu’elle réunit les phénomènes les plus universellement producteurs d’émotions: la naissance, la sexualité et la mort. Or, si l’idée en elle-même peut, dans certaines circonstances et selon l’imagination et la sensibilité des personnes, provoquer de l’horreur, il n’en reste pas moins que les auteurs du film savaient que son succès, et celui du film, allait dépendre de la qualité de sa mise en scène, c’est-à-dire de son adaptation cinématographique. Ridley Scott dit très clairement dans les commentaires du DVD que la scène pouvait être horrible comme risible. L’histoire aura retenu qu’elle fut perçue comme horrible par les premiers spectateurs. Si l’on analyse la séquence, on s’aperçoit qu’elle intervient au cours d’un repas où, pour la première et la seule fois du film, les personnages semblent détendus et se laisser aller à une certaine camaraderie. Cette détente est bien sûr conçue pour crisper davantage encore le spectateur qui sent bien qu’après avoir attendu aussi longtemps que l’alien se manifeste vraiment, les choses ne peuvent pas bien se terminer. D’ailleurs, le personnage de Ash ne participe pas à la bonne humeur générale et ajoute à la tension émotionnelle en ne cessant d’observer le comportement de Kane. Lorsque celui-ci commence à suffoquer et que son t-shirt se retrouve maculé d’un sang venu de l’intérieur, l’horreur surgit en même temps que le chestburster force son passage à travers le ventre du malheureux Kane. L’émotion est suscitée au moyen d’un montage qui fait alterner les plans de Kane se tordant de douleur et les plans des autres membres de l’équipage hurlant, bouche ouverte, yeux exorbités. L’extrême brièveté des plans et la rapidité progressive de leur alternance provoquent chez le spectateur un effet de clignotement bien connu des cinéastes depuis au moins les impressionnistes français des années 2016 et propre à susciter le vertige du spectateur, tandis que le comportement d’horreur adopté par les personnages doit probablement enclencher quelque chose comme un mimétisme spontané de la part du spectateur17.

    Bref, si l’idée de faire qu’un homme accouche d’un alien peut être l’objet d’une émotion d’horreur, les cinéastes savent bien qu’il ne suffit pas d’avoir des idées pour faire un film qui suscite l’émotion du public: ces éléments d’analyse tendent à mettre en évidence le fait que la cause de l’horreur cinématographique doit, la plupart du temps, être distinguée de son objet. Ce que le spectateur trouve horrible, c’est bien le processus au cours duquel Kane va donner naissance à l’alien en trouvant la mort. Mais ce qui cause l’horreur au moment de la vision du film, ce sont ces techniques employées par le réalisateur pour traduire cinématographiquement l’idée horrible.

    L’analyse des procédés par lesquels le réalisateur suscite notre émotion conduit à s’intéresser davantage au film, à sa structure, à ses effets. Or, quand on essaye de décrire la structure du film, on s’aperçoit qu’il ne s’agit pas vraiment, ou plutôt pas seulement d’un récit de découverte. Pourtant, il est essentiel à la théorie de Carroll que la structure des films d’horreur soit celle d’un récit de découverte du monstre. Or, dans Alien, on ne retrouve pas seulement un récit de découverte du monstre qui est certes présent dans la première partie du film. À partir de l’épisode du chestburster, on suit plutôt ce que Carroll appelle une histoire de commando (platoon): après avoir suivi une description des circonstances à l’origine de l’apparition du monstre (onset), le film suit les efforts de quelques personnages pour survivre à ses attaques (confrontation) (Carroll 1990, 112).

    Carroll pourrait répondre qu’il ne s’agit donc pas vraiment d’un film d’horreur. Pourtant, il s’agit bien d’un film d’horreur, car le spectateur peut éprouver du plaisir à trembler de peur quand Ripley retourne sauver le chat Jones ou à sursauter lorsque le bras de l’alien se détend dans la séquence du Narcissus. Il serait absurde dans un cas de ce genre de prétendre que ce qui nous fait horreur, c’est l’idée de ce qui se passe: lorsque nous voyons ce dernier événement à l’écran, nous n’associons pas une sensation avec une pensée, mais nous percevons directement, corps et âme, l’action du monstre avant d’avoir la moindre information sur ses pouvoirs et sa nature. Ce genre d’émotions «cognitivement impénétrables», c’est-à-dire qui ne peuvent être suscitées par une connaissance (Jinhee Choi 2003)18, sont si fréquentes dans les films d’horreur que l’on pourrait presque considérer qu’elles définissent le genre.

    Or, ce plaisir de sursauter, d’être surpris, ne semble pas réclamer d’explication: il est aussi facile de comprendre que l’on puisse aimer s’émouvoir qu’il est aisé de voir pourquoi l’on peut aimer se mouvoir dès que l’on rejette le présupposé selon lequel les émotions comporteraient nécessairement des pensées. On a par exemple comparé les sensations fortes de l’horreur aux plaisirs des montagnes russes qui tiennent notamment au fait que la tension liée à l’attente et la terreur de l’accélération sont plaisantes dans la mesure où l’on croit que tous ces événements sont contrôlés. (Pinedo 1997) 19 Or, dans le commentaire du DVD, Scott compare explicitement la bande-son de la scène du chestburster aux cris des montagnes russes avec ses moments de silence qui correspondent à l’anticipation de la descente vertigineuse qui s’annonce. Il n’est d’ailleurs pas anodin que le réalisateur d’Alien ait fait fortune dans la publicité: il détient un savoir-faire propre à susciter des émotions. Or, que nous apprend l’analyse de ses techniques? On apprend que l’objectif de Scott était de maintenir la tension tout au long du film. Pour cela, il ne fit pas seulement en sorte de créer une tension réelle entre les acteurs (en demandant à Yaphet Kotto de ne pas se lier avec Sigourney Weaver, par exemple), mais il chercha à accentuer l’impression de discorde (amplification des voix lors du premier repas de façon à créer un effet cacophonique désagréable, sinon anxiogène), à multiplier les séquences tenues par un délai, les séquences de recherche et à inquiéter le spectateur par l’emploi d’une bande-son faite d’infrabasses qui font vibrer le corps tout entier20. Le jeu sur la bande-son, avec l’alternance du silence et de la musique, se retrouve dans une scène pleine de suspense, celle de la recherche du facehugger à l’infirmerie.

    Le plaisir pris à regarder Alien est-il pris à découvrir ce qu’est l’alien?

    Plaisir intrinsèque et plaisir extrinsèque

    Carroll fait un usage trop vague du concept de plaisir en confondant le plaisir pris à faire une chose pour elle-même (se lever de bonne heure) et le plaisir pris à faire une chose pour autre chose qu’elle-même (se lever de bonne heure pour conquérir le monde ou encore aller chez le dentiste pour soulager sa douleur) (Turvey 2004, 73-75) 21. En effet, si l’on pouvait trouver un autre moyen d’atteindre le plaisir de la découverte, alors on pourrait se passer de l’horreur. Or, il est des genres artistiques qui proposent de découvrir la nature d’être que la science tient pour impossibles: les mythes ou les contes de fée, par exemple. Pourtant, il y a fort à parier que les amateurs de films d’horreur ne seront pas tous intéressés par la lecture de contes de fées. Autrement dit, soutenir que regarder un film d’horreur est un moyen d’obtenir un plaisir de découverte d’un être impossible ne nous permet toujours pas de comprendre pourquoi l’on peut aimer employer ce moyen «terrifiant» alors que nous n’aimons pas en employer d’autres moins terrifiants. Le paradoxe surgit de nouveau: il faut expliquer le désir intrinsèque de regarder des films d’horreur, c’est-à-dire le plaisir pris aux films d’horreur en eux-mêmes22.

    La clarification de nos émotions

    Plusieurs théoriciens s’accordent pour penser que les films d’horreur forment une famille, qu’ils partagent entre eux des ressemblances familiales plutôt qu’un ensemble de caractéristiques qu’on pourrait retrouver dans tous. Mais les expériences des spectateurs forment probablement elles aussi une famille: on ne saurait donc s’empresser de les réduire à l’unité sous peine de manquer leur richesse et leur diversité.

    Cependant, si l’on devait donc ne donner qu’un trait saillant de la famille des films d’horreur23, ce serait celui d’une découverte contrôlée et sécurisée de nos émotions d’horreur et des contextes où elles se produisent. Capables de mettre un terme à l’expérience à tout moment si elle devenait trop insupportable et à l’abri de la menace, nous pouvons en effet éprouver et analyser notre peur et notre dégoût devant les images avec plus de lucidité que ne le permettrait la rencontre réelle d’agents ou d’événements horribles24.

    En outre, le cinéma d’horreur contribue à cet effort de clarification «soignée» dans la mesure où les choix qui s’imposent au cinéaste le contraignent à analyser les concepts qu’il cherche à mettre en scène en ne les extrayant pas abstraitement des contextes particuliers dans lesquels seuls ils prennent un sens. Cette activité permet donc de clarifier ce qui, hors du cinéma, est rendu confus par l’urgence et les responsabilités qui sont les nôtres quand on assiste à ce type d’événements. Plutôt qu’une purgation des émotions, on a proposé une interprétation de la catharsis d’Aristote qui va dans ce sens en en faisant une clarification de nos émotions par leur analyse artistique (Golden 1973, 473-479)25. L’horreur n’est donc pas un ingrédient nécessaire, mais dont on aimerait pouvoir se passer pour éprouver le plaisir de la découverte; c’est ce que nous cherchons à connaître, au double sens de ce dont nous voulons faire l’expérience et de ce dont nous voulons nous faire une idée plus précise, en même temps que nous voulons apprécier dans le film le jeu inextricable de la forme et du contenu, de l’histoire et de l’émotion. Le désir de regarder un film d’horreur est donc bien «intrinsèque» et non pas «extrinsèque» au sens défini plus haut.

    La clarification de notre connaissance des cauchemars

    Si nous recherchons les films d’horreur parce qu’ils sont l’occasion d’une découverte de nos émotions en général et de ce qui nous fait horreur en particulier, alors on pourra continuer à décrire notre expérience de l’horreur cinématographique en la rapportant, comme Dennis L. White, dans un article assez ancien, mais qui n’a pas perdu de sa pertinence, à «notre peur fondamentale de l’inconnu, notre peur d’être incapables de composer avec notre environnement» (White 1971, 8): c’est évidemment ce que ressent Lambert avant d’entrer dans le Derelict. Par exemple, l’horreur peut naître quand nous anticipons ce qui va nous arriver sans pouvoir ne rien y changer, comme dans L’opération diabolique (Frankenheimer, Seconds, 1966) ou dans La lettre du Kremlin (Huston, 1970) ou comme dans Alien avec la mort de Kane, ou quand nous sommes privés des moyens de fuir et de nous mettre en sécurité, comme dans la première séquence de Rendez-vous avec la peur (Tourneur, The Curse of the Demon, 1958) ou dans la dernière séquence d’Alien à bord du Narcissus, ou quand des événements imprévisibles font que la situation nous échappe alors que nous pensions la contrôler, comme dans la séquence qui conduit à la mort de Dallas dans le conduit de ventilation, ou encore quand nous réalisons que notre personnalité peut être scindée et notre intégrité physique comme psychologique violée (ibid., 9), comme dans la séquence du Narcissus. Mais il est évident qu’il s’agit là d’une liste caractéristique de phénomènes dont on fait l’expérience dans le cauchemar. Le cinéma d’horreur est donc souvent l’occasion d’une clarification de notre connaissance des cauchemars, tant du point de vue du contenu que de l’expérience émotionnelle que nous en faisons et il n’est peut-être pas d’autre genre dont on puisse dire qu’il vérifie autant l’analogie entre expérience cinématographique et expérience onirique (Cavell 1999, 102-103).

    Notes

    1. I. Nathan, Alien. Genèse d’un mythe, Paris, Huginn & Muninn, 2011, p. 146.

    2. Voir Radford (2005, 333): «Ce qu’il est difficile de comprendre, c’est que nous soyons émus par la mort de Mercutio et que nous pleurions tout en sachant qu’il n’est pas réellement mort, qu’aucune vie n’a été fauchée à la fleur de l’âge.»

    3. Voir Radford (2005, 330-331) et Roger Pouivet pour une présentation de l’article (Cometti, Morizot et Pouivet 2005, 322-323) et de différentes stratégies pour résoudre le paradoxe (Pouivet 2006, 192-202).

    4. Voir Radford (2005, note 1, 330).

    5. L’article se concentre sur la question de la fiction et de l’horreur cinématographiques et ne prétend donc pas que les solutions proposées valent pour les autres disciplines artistiques ni pour l’horreur en général.

    6. Je me permets d’ajouter l’adjectif «émouvant» pour traduire plus précisément l’expression «thought theory» dont la traduction littérale ne fait pas sens en français. Une théorie de la pensée émouvante soutient que l’on ne peut pas identifier l’émotion d’un individu indépendamment du contenu de ses pensées, autrement appelées «états mentaux». Voir Carroll (1987, 54) et (1990, 26-27).

    7. Cette théorie a été avancée parallèlement par Peter Lamarque dans Lamarque (2005 [1981]) et par Carroll dans Carroll (1987) et dans le premier chapitre de Carroll (1990). Dans le champ de ce qu’on appelle la «théorie cognitive du film», Murray Smith a proposé une solution assez semblable même si les «pensées émouvantes» sont conçues chez lui comme des «scénarios imaginaires» résultant d’une «activité imaginative» du spectateur. Voir Smith (1995, 118).

    8. Voir les commentaires d’Eric Dufour sur cette nouvelle représentation de l’altérité dans le film de SF de la fin des années 1970; voir E. Dufour, Le cinéma de science-fiction, Paris, Armand Colin, 2011, p. 59-62.

    9. En fait, Carroll ne cherche pas à définir l’émotion d’horreur ordinaire, mais l’émotion d’horreur suscitée par les œuvres d’art: il parle d’art-horror. (Carroll 1990,13-15)

    10. L’expression est une référence à un chapitre du livre coédité avec Bordwell dont le titre est «Contemporary Film Studies and the Vicissitudes of Grand Theory» (Bordwell et Carroll, 1996, 3-36). Le chapitre est écrit par Bordwell, mais les deux philosophes ont la même analyse sur ce point. Ce faisant, j’essaye de penser avec Carroll contre lui en lui reprochant d’avoir cherché à produire l’une de ces «grandes théories» qui prétendent rendre compte d’un ensemble de phénomènes trop hétérogènes et trop divers, comme les films d’horreur, pour pouvoir être définis à l’aide d’une liste de caractéristiques nécessaires et suffisantes. Cela pose évidemment la question de savoir quelle est l’essence d’un genre cinématographique.

    11. Carroll s’en explique (Carroll 1990, 38-39): si l’on a tendance à ranger à tort Psychose dans la catégorie de l’horreur, c’est justement parce que Norman Bates est un monstre psychologique, plutôt que biologique: «He is Nor-man, neither man nor woman but both. He is son and mother. He is of the living and the dead. He is both victim and victimizer. He is two persons in one. He is abnormal, that is, because he is interstitial.» (Carroll 1990, 39) Plutôt que de constituer un contre-exemple à sa théorie, le film d’Hitchcock en illustrerait la puissance explicative pour rendre compte de la logique sous-jacente et souvent ignorée de nos tendances classificatrices. Le problème est que des individus comme Norman existent. S’il est un monstre, alors il faut redéfinir la catégorie du monstre de façon à ce qu’elle ne coïncide pas avec l’impossible. Si Psychose n’est pas un film d’horreur, mais simplement un conte de terreur («tale of terror»), alors le paradoxe de l’horreur ne fait qu’être déplacé sur cet autre «genre» par la décision de Carroll (Gaut 2003, 296).

    12. Voir aussi Clover (1996 [1987], 66-113). Parmi les films très populaires que la définition de Carroll exclut du genre de l’horreur, Shaw (2001) cite également les films Peeping Tom de Michael Powell (1960), Repulsion de Roman Polanski (1965) ou Sisters de Brian de Palma (1973).

    13. Voir la séquence d’étude expérimentale du rêve en laboratoire.

    14. Voir Cynthia Freeland (1995) et (1999), Robert Yanal (2003) et les films The Honeymoon Killers (L. Kastle, 1969),  Deranged (J. Gillen et A. Ormsby, 1974), Henry: Portrait of a Serial Killer (J. MacNaughton, 1986) cités par Steven Jay Schneider (2000).

    15. Pour la description de Cthulu dans le texte de Lovecraft, voir Lovecraft (1991, 85-87).

    16. Voir David Bordwell et Kristin Thompson (2003, 94-95) qui analysent deux séquences de La Roue (1922) d’Abel Gance et de Cœur fidèle (1923) de Jean Epstein.

    17. Voir l’enthousiasme des philosophes analytiques pour les fameux «neurones miroir». Sur la discussion des «réflexes miroir», voir Carroll (2008, 85-90).

    18. Cité par Danièle Moyal-Sharrock (2009, 172).

    19. Cette idée est reprise par Feagin (1992, 81) et critiquée par Carroll dans sa réponse (Carroll 1992, 87) qui affirme que, bien qu’amateur de montagnes russes, il n’aime pas particulièrement être secoué dans les virages au point d’en avoir la nausée, mais apprécie surtout la beauté des points de vue offerts, la nouvelle façon de se mouvoir dans l’espace, etc. Mais la question devient alors celle de savoir si Carroll renoncerait aux montagnes russes si on lui proposait un moyen de locomotion moins violent, comme une sorte de «petit train» pour touristes, mais offrant les mêmes attraits que ceux qu’il dit rechercher dans les montagnes russes. Il n’est pas sûr qu’une réponse positive de sa part suffirait à vider de son sens une expression comme celle d’«amateur de sensations fortes».

    20. Sur le rôle de la musique dans la création d’émotions, voir Laurent Jullier, «Being human through music. On The Matrix Revolutions», conférence à l’International symposium «Sound objects in films», N. J. Bullot, E. Pasquinelli, G. Hindemith dir., CRAL & Institut Jean Nicod, ENS Ulm, oct. 2008 qui cite E. Hatfield, J. Cacioppo et R. L. Rapson éd., Emotional contagion, Cambridge, Cambridge University Press, 1994, p. 5.

    21. L’exemple est de G. H. Von Wright (1963, 78-79) et cité par Turvey (2004, 77).

    22. Dans le jargon philosophique contemporain, un désir «intrinsèque» désigne une activité, ou une propriété de cette activité, qui n’est pas désirée pour autre chose qu’elle-même. Voir Turvey (2004, 73-74) qui fait référence à R. Audi (1998, 20-21).

    23. Pour une description riche en références cinématographiques et en analyses philosophiques pertinentes d’autres caractéristiques majeures du genre, voir Dufour (2006).

    24. Or, comme le notait déjà Aristote,«nous en avons une preuve dans l’expérience pratique: nous avons plaisir à regarder les images les plus soignées des choses dont la vue nous est pénible dans la réalité, par exemple les formes d’animaux parfaitement ignobles ou de cadavres [car] apprendre est un plaisir non seulement pour les philosophes, mais également pour les autres hommes» (Aristote 1980, 43)La conception ici proposée rejoint donc par d’autres voies la «théorie de l’expérience enrichissante» proposée par Aaron Smuts en réponse au paradoxe de l’art douloureux; voir Smuts (2007).

    25. Cité par Moyal-Sharrock (2009, 179). Comme l’écrit Smuts (2007, note 8, 75), il est impossible de rendre compte ici de la vaste littérature sur la question de l’interprétation de la catharsis aristotélicienne.

  • Le cinéma reaganien, une réactualisation du héros populiste

    Le cinéma reaganien, une réactualisation du héros populiste

    On utilise souvent le terme de «populisme» de manière hasardeuse en Europe. L’épithète «populiste» peut être attribuée à des personnalités très différentes comme Jean-Luc Mélenchon, Pierre Poujade, Silvio Berlusconi ou encore Jean-Marie Le Pen. De l’autre côté de l’Atlantique, le terme renvoie plutôt à une idéologie très précise fondée sur l’alliance privilégiée des ouvriers d’usine et des petits fermiers indépendants, il se proposait de remplacer le “gouvernement de Wall Street, par Wall Street et pour Wall Street”- selon la formule de Mary Elisabeth (1850-1933)- par le “gouvernement du peuple, par le peuple et pour le peuple”1. Déjà présent dans la culture américaine dès la guerre d’indépendance des colons britanniques d’Amérique du Nord contre la Grande-Bretagne de 1775 à 1783, le populisme américain a surtout connu son heure de gloire avec The People’s Party en 1890. De fait, ce parti populiste a cristallisé la colère des fermiers américains (dont des Afro-américains2) très endettés de la fin du XIXe siècle. Ce mouvement agraire était attaché aux idéaux pionniers et se méfiait du développement économique et du salariat (qu’il jugeait incompatible avec la liberté et la démocratie). Selon l’historien Christopher Lasch, cette idéologie n’était pas réservée aux fermiers, mais s’est également répandue parmi les ouvriers des grandes villes3. Les Populistes défendaient l’égalité des chances, une libre entreprise tempérée par le common sens4 (le bon sens), un pouvoir détenu par des hommes vertueux. De plus, ils soutenaient également toute forme d’opposition à la haute-finance, aux machines politiques centralisées, au fédéralisme omniprésent, à l’intellectualisme citadin. Les héros des Populistes se nommaient Jésus-Christ et surtout Abraham Lincoln. Ce dernier incarnait, en plus de l’humanisme, la possibilité pour le common man (l’homme ordinaire) de devenir Président des États-Unis.

    L’influence de l’idéologie du populisme américain sur le cinéma hollywoodien est également indéniable. Les films qui décrivent la vie quotidienne des hommes “ordinaires” de l’Amérique et leur lutte contre la corruption du système politico-économique sont qualifiés de “populistes”. La version hollywoodienne du populisme souhaite surtout mettre en avant des valeurs traditionnelles américaines comme le sens de l’effort pour la réussite, les relations de bon voisinage, l’honnêteté, l’ingéniosité ou la résilience du common man. Ces vertus lui permettent de triompher de la corruption des élites. On reconnait immédiatement une grande partie des idées qui ont permis le succès du People’s party au XIXe siècle. Toutefois, le cinéma hollywoodien s’inspire plutôt de l’esprit du populisme5 (un leader qui vient du peuple, la majorité est spoliée par une minorité mal intentionnée, adhésion aux valeurs traditionnelles, optimisme, la vertu vient des gens simples…) plutôt que du programme politique détaillé du parti agraire.

    Le réalisateur David W. Griffith a sans doute été le premier à mettre en image l’esprit contestataire du populisme dans ses courts-métrages Corner in weath (1909) et One is business, other is crime (1912). Dans le premier, un spéculateur  fait monter les cours à la Bourse du blé (et doubler le prix du pain) afin de s’enrichir au détriment de la misère du peuple. L’auteur utilise son fameux montage parallèle afin de mettre en avant l’iniquité de la situation. D’un côté, le magnat profite de son enrichissement avec un fastueux festin. De l’autre, le peuple affamé ne peut plus s’acheter du pain. Finalement, le spéculateur est puni de sa rapacité. Quelques années plus tard, One is business, other is crime continue de propager une vision du monde proche de celle du populisme américain. Un judicieux montage alterné décrit le destin de deux jeunes couples. L’un est pauvre, le mari est chômeur et est tenté de voler malgré les promesses faites à sa femme. L’autre couple est riche, mais le mari veut accepter un important pot-de-vin dans le cadre d’un vote pour l’attribution d’un marché. Désespéré, le chômeur décide de cambrioler la maison du corrompu. Surpris par la femme de ce dernier, le pauvre homme se repentit et permet à la jeune femme de découvrir la tentative de corruption de son mari. Finalement, le riche mari va retrouver son common sense et refuser le pot-de-vin. Plus important, il va offrir du travail au chômeur. Ce court-métrage démontre que l’entraide et le common sense sont indispensables au bon fonctionnement de la société américaine.

    Malgré tout, les films des années 30 restent l’apogée du cinéma populiste à cause de la terrible crise économique de 1929. La comédie populiste est clairement un plaidoyer pour la justice sociale. Il permet, sur un ton léger, de mettre en valeur le common man, l’homme anonyme. Les comédies populistes sont plutôt optimistes et mettent en avant des valeurs comme la simplicité et l’honnêteté. La campagne ou les petites villes américaines sont décrites comme des lieux préservés de la corruption des grandes métropoles. Les idéaux des pères fondateurs des États-Unis (comme le rêve américain) sont également célébrés. La comédie populiste s’inspire aussi du roman Letters of Major Jack Downing de Seba Smith publié en 1830. Selon Wes Gehring6, le personnage de Jack Downing représente le Crackerbarrel Yankee philosopher (que l’on peut traduire par «philosophe de comptoir») et possède de nombreuses caractéristiques.

    Le Crakerbarrel Yankee philosopher est un homme respectable, habitant une petite ville et exerçant un emploi honnête. Il aide ses voisins notamment en leur prodiguant des conseils pleins de bon sens. Une figure que l’on retrouve finalement dans la plupart des films populistes.

    Le cinéaste Frank Capra est l’un de ceux qui ont le mieux retranscrit le populisme américain sur grand écran7 en compagnie de films comme L’extravagant Mr Ruggles de Leo McCarey (1935) ou encore Vers sa destinée de John Ford (1939). L’extravagant Mr Deeds (1936), sans doute le chef-d’oeuvre de son auteur, décrit l’arrivée d’un homme un peu naïf à New-York. Longfellow Deeds (Gary Cooper) a été habitué à l’entraide et au bon voisinage dans sa petite ville de Mandrake Falls. Le contraste avec la grande ville urbaine et déshumanisée va chambouler le jeune héritier. Frank Capra met en scène de manière évidente l’esprit du populisme américain dans cette comédie où l’humanisme et le common sense de Deeds triomphent du cynisme de l’élite. Frank Capra a toujours voulu rappeler les mythes fondateurs de l’Amérique à ses spectateurs. En effet, le cinéaste originaire de Sicile montre souvent ses héros se ressourcer auprès de monuments symboliques. Ainsi, Deeds se rendra devant le tombeau du président Ulysses Grant (autre symbole du rêve américain). En plein doute, Jefferson Smith (James Stewart) retrouvera la force de se battre pour la justice devant la statue imposante de Lincoln dans Monsieur Smith au Sénat (1939). On peut également noter que les personnages de Frank Capra rappellent le Crackerbarrel Yankee philosopher de Seba Smith. Longfellow Deeds ou Jefferson Smith viennent de la campagne, sont idéalistes et pleins de bon sens.

    De son côté, le cinéaste John Ford souhaite également de mettre en valeur le fameux Crackerbarrel Yankee philosopher avec sa trilogie Doctor Bull (1933), Judge Priest (1934) et Steamboat Round the Bend (1935). Le réalisateur s’associe avec l’acteur Will Rogers pour ces trois films. Will Rogers, très peu connu en Europe, était issu de l’Amérique profonde. Satiriste, critique des transformations de la vie américaine sur scène comme à la ville, Rogers revendiquait ses racines indiennes et il a même failli être candidat à la présidence des É.-U. en 1932. Il était l’acteur le plus populaire des États-Unis lors de son décès en 1935 suite à un accident d’avion en Alaska. Will Rogers représentait l’image que beaucoup d’Américains aiment avoir d’eux-mêmes. Un homme plein de bon sens, humaniste et méfiant vis-à-vis du développement économique et du salariat, qu’il estimait incompatible avec la liberté et la démocratie américaine. Will Rogers incarnait au cinéma uniquement des personnages qui lui ressemblaient intimement. Le succès de Will Rogers permet aussi me mettre en lumière l’importance du choix de l’acteur qui incarne l’esprit du populisme à l’écran. Gary Cooper, James Stewart ou Henry Fonda, à l’instar de Will Rogers, étaient des personnalités qui représentaient d’abord des valeurs aux yeux du public8. Quelques décennies plus tard, le cinéma que l’on appelle reaganien prouve également l’importance du choix de l’acteur qui symbolise le populisme à l’écran (Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenegger ou Bruce Willis ont un parcours personnel qui représente à merveille le rêve américain).

    Après la Seconde Guerre mondiale, la représentation du populisme américain disparaît progressivement des écrans. Désormais, le peuple fait «peur» et n’est plus synonyme de common sense. En effet, les common men ont soutenu des dictateurs comme Adolf Hitler ou Benito Mussolini en Europe. Le cinéma américain devient également très suspicieux envers les masses. Le cinéaste Elia Kazan n’hésite pas à réaliser un long-métrage qui critique ouvertement Will Rogers (le producteur répète au personnage principal qu’il peut devenir le nouveau Will Rogers). Le film Un homme dans la foule (1957) raconte l’itinéraire d’un vagabond, surnommé Lonesome Rhodes (Andy Griffith), qui va devenir la vedette d’un célèbre talk-show grâce à sa personnalité et son éloquence.  Mais, en réalité, le personnage méprise son public et n’hésite pas à prendre en main la campagne électorale d’un gouverneur réactionnaire. Même Frank Capra montre son pessimisme dans son film L’enjeu (1948). Les personnages politiques sont toujours corrompus, mais le common man n’intervient plus pour déjouer leurs plans. Ce long-métrage avec Spencer Tracy met en évidence la façon dont les common men sont ignorés par le système politique. Ce dernier est d’ailleurs contrôlé par les groupes d’intérêts. En 1955, l’ouvrage de Richard  Hofstadter, The Age of Reform, enfonce le clou en critiquant sévèrement le People’s party. Selon lui, le mouvement présentait des tendances antisémites et une psychologie fasciste. Le héros populiste va donc se faire progressivement rare sur les écrans américains durant les décennies suivantes (même si, en 1951, un long-métrage comme Le jour où la terre s’arrêta de Robert Wise peut aussi être considéré comme un film populiste).

    Le cinéma américain est caractérisé dans les années soixante-dix par un cinéma d’auteur aux préoccupations historiques, sociales et politiques, suite aux troubles de la guerre du Vietnam et aux mouvements contestataires. La lutte pour les droits civiques des Noirs, la révolte des minorités et les appels à la révolution lancés par la contre-culture forment le contexte indispensable à la compréhension de l’Amérique des années soixante et soixante-dix. Mais, c’est véritablement l’opposition à la guerre du Vietnam qui fédère beaucoup de mouvements contestataires de l’époque. De plus, le scandale du Watergate et la démission de Richard Nixon ont considérablement affaibli l’image du président des États-Unis en 1974. Le moral des Américains est au plus bas et le «rêve américain» est en déclin. Le héros populiste se devait revenir sur le devant de la scène pour redonner confiance au peuple américain.

    C’est d’abord sur le petit écran que l’on va retrouver l’éloge de la petite ville et le crackerbarrel Yankee philosopher. Michael Landon, réalisateur-acteur-producteur-scénariste, décide d’adapter les ouvrages autobiographiques de Laura Ingalls Wilder. Ces récits pittoresques sont également une description de la vie difficile des pionniers américains à la fin du XIXe siècle. La série télévisée La petite maison dans la prairie est un très grand succès dès sa diffusion en 1974. En effet, ce programme reflète les grandes difficultés dont souffrent les fermiers américains de l’époque. L’agriculture familiale américaine est alors en pleine crise. Les petits fermiers indépendants n’ont même jamais autant souffert depuis la fin des années 1920 et la Grande Dépression. De plus, le personnage de Charles Ingalls rassure le peuple américain. Bon père de famille, honnête, voisin irréprochable, doté du common sense et cultivant la terre, il ressemble à l’image idéalisée du fermier9 mise en avant dans les discours de Thomas Jefferson (le troisième président des États-Unis de 1801 à 1809). Charles Ingalls et le village de Walnut Groove rappellent aux Américains l’importance des mythes fondateurs (et les rêves qui les accompagnent) du pays.

    Surfant sur ce retour du populisme américain sur les écrans, un acteur inconnu va écrire un scénario qui va bouleverser l’Amérique. Sylvester Stallone est un comédien de seconde zone en 1976. Il a tourné quelques séries B (comme Capone de Steve Carver ou La course de l’An 2000 de Paul Bartel), mais sa carrière ne semble pas décoller. Il décide de rédiger un script qui rendra hommage à Frank Capra, l’une de ses idoles10. L’histoire du long-métrage reprend le récit classique d’un héros solitaire qui a rendez-vous, un jour, avec le destin et qui entrevoit la possibilité de réaliser son rêve (devenir champion du monde de boxe). Le long-métrage de John Avildsen hérite de la structure narrative de films comme L’Extravagant M. Deeds ou M. Smith au Sénat. Sylvester Stallone, à l’instar de Capra, souhaite nous montrer un homme un peu naïf qui se confronte à la corruption et à la malhonnêteté, mais qui va triompher grâce à son coeur pur. Rocky Balboa, le boxeur loser, est choisi par Apollo Creed et les promoteurs, car il n’a aucune chance de gagner. Il est le jouet de l’élite dans ce combat organisé pour amasser un maximum d’argent. C’est un film qui met en avant les classes populaires (typique du cinéma de l’époque) et qui permet de réhabiliter les grands mythes fondateurs américains que le cinéma des années soixante-dix a éreinté (l’action du film se déroule à Philadelphie, ville où.a été rédigée la déclaration d’Indépendance des États-Unis en 1776). La vie de Rocky Balboa change lorsqu’il décide de croire à nouveau au «rêve américain». En effet, le promoteur de boxe lui rappelle ce grand mythe fondateur de l’Amérique lors de sa proposition de combat face à Apollo Creed: «Rocky, croyez-vous que ce pays donne sa chance à ceux qui veulent la saisir?» Le héros au cœur pur est également accompagné d’un crackerbarrel Yankee philosopher. L’entraîneur de Rocky, Mickey Goldmill (Burgess Meredith), guide le héros dans sa quête en l’entraînant et lui prodiguant de nombreux conseils. Lauréat de l’Oscar du meilleur film, l’histoire de ce boxeur italo-américain annonce les héros du cinéma américain des années quatre-vingt que l’on a appelé «reaganien» avec l’arrivée de Ronald Reagan à la Maison-Blanche en 1981.

    Durant la décennie des années quatre-vingt, Hollywood produit quantité de films dans lesquels l’action devient le principal moteur narratif, un cinéma fait de longs-métrages dans des genres très différents: action (les sagas Rambo avec Sylvester Stallone ou de L’Arme fatale avec Mel Gibson), policier (Police fédérale, Los Angeles de William Friedkin, King of New-York d’Abel Ferrara, Le Retour de l’inspecteur Harry de Clint Eastwood), science-fiction (Terminator de James Cameron, Predator de John McTiernan, Robocop de Paul Verhoeven, Invasion Los Angeles de John Carpenter), aventure (A la poursuite d’Octobre rouge de John McTiernan, Conan le barbare de John Milius). Ce cinéma est fortement marqué par la présidence de Ronald Reagan et son idéologie, au point que l’expression de «films reaganiens» fut inventée pour qualifier les longs-métrages de cette période. Dans les années quatre-vingt, le cinéma américain rompt avec les différentes orientations qu’il tendait à prendre jusqu’à la fin des années soixante-dix, c’est-à-dire un cinéma d’auteur aux préoccupations historiques, sociales et politiques, suite aux troubles de la guerre du Vietnam et aux mouvements contestataires (avec le succès de cinéastes comme Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Brian De Palma ou Michael Cimino). Les films américains des années soixante-dix pointent du doigt les erreurs du système et révèlent les multiples crises américaines: échec des guerres à l’extérieur, inégalités sociales, corruption du politique… Ces films des années soixante-dix, marqués par le thème de l’échec, mettent en avant la figure de «l’antihéros» (souvent incarné par des acteurs comme Dustin Hoffman ou Al Pacino). Ce dernier laisse sa place, dans le cinéma des années quatre-vingt, au héros bodybuildé (Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenegger ou Dolph Lundgren).

    Selon Pascale Fauvet11, le héros reaganien, héritier de John Wayne, doit être l’incarnation du «rêve américain». C’est aussi ce qu’on appelle un «self-made man», c’est-à-dire que son courage et son travail doivent lui permettre de venir à bout de toutes les difficultés et même de prendre une éventuelle revanche sur la vie. Ce héros doit également être invulnérable et, pour transmettre efficacement l’idéologie reaganienne, affronter de véritables méchants dans une lutte symbolique entre le Bien et le Mal. Il garde cependant sa part d’humanité sans laquelle le principe d’identification ne fonctionnerait pas. Finalement on retrouve, chez le héros cinématographique des années quatre-vingt, les deux grandes caractéristiques du président Reagan: c’est un Vainqueur, celui qui réussit avec sa seule volonté (socialement pauvre et défavorisé) et qui devient riche et célèbre (comme Reagan, modeste acteur de films, est devenu président des États-Unis). Et c’est aussi un Survivant, celui qui résiste aux pires épreuves de la vie et devient plus fort (comme Reagan a survécu à un attentat en 1981 et au cancer en 1985). À la télévision, c’est la série Madame est servie (Who’s the boss?) qui met en scène un héros populiste. De 1984 à 1992, Tony Danza va incarner avec succès le personnage de Tony Micelli, un ancien joueur de baseball12 professionnel de Brooklyn, qui devient homme à tout faire dans une famille aisée du Connecticut. Surmontant le décès brutal de sa femme, luttant pour élever au mieux sa fille Samantha (Alyssa Milano), l’Italo-américain va ensuite s’inscrire à l’Université et réussir à devenir professeur. Tony Micelli est un homme optimiste et doté du common sense. Il représente la possibilité de réussir en Amérique si on s’en donne la peine. Le personnage s’inscrit dans la lignée de ceux des comédies populistes de Frank Capra. Le double épisode de la saison sept (Road to Washington), où Tony Micelli est envoyé à Washington pour soutenir les droits des personnes âgées devant les sénateurs, fait clairement référence à  Mr Smith Goes to Washington.

    Le second mandat de Ronald Reagan se termine en 1988 avec la sortie de Piège de Cristal de John McTiernan, long-métrage ouvertement populiste. En premier lieu, John McClane est un common man (un simple policier de New-York) qui doit lutter seul face à des terroristes qui ont pris en otage plusieurs employés (dont sa femme) d’un gratte-ciel de Los Angeles. Le héros populiste doit faire face à la trahison de l’élite. En effet, un otage (un cadre supérieur cocaïnomane) n’hésite pas à  négocier avec les terroristes étrangers pour les aider à tuer John McClane. Les institutions sont présentées comme incrédules (la police) ou carrément incompétentes (le FBI). Enfin, John McClane indique qu’il est un admirateur de Roy Rogers lors d’un dialogue avec Hans Gruber (Alan Rickman), le chef des terroristes. Ensuite, il affirme s’appeler «Roy» lors de ses conversations avec le policier Al Powell (Reginald Veljohnson). Le chanteur de country et acteur Roy Rogers (1911-1998) s’appelait à l’origine Leonard Franklin Slye. Il a choisi le nom «Rogers» en référence au célèbre Will Rogers13. Il était un grand admirateur de la personnalité et des valeurs représentées par l’un des acteurs fétiches de John Ford. En prenant ce pseudonyme, John McClane se présente également, d’une certaine manière, comme l’un des héritiers de la pensée populiste de Will Rogers.

    Malgré tout, le terme cinéma reaganien semble mal adapté aux films des années quatre-vingt. On pourrait plutôt lui préférer celui de «populiste». De fait, un long-métrage comme Rocky IV (1985) est souvent considéré comme un exemple flagrant de propagande pour la politique américaine de l’époque. Dans ce quatrième volet, le boxeur italo-américain affronte Ivan Drago, un redoutable boxeur soviétique. Pourtant, ce film de Sylvester Stallone est plutôt ambigu vis-à-vis de l’Amérique de Ronald Reagan14. S’il est virulent envers le régime soviétique, il n’épargne pas pour autant son pays. Sylvester Stallone place plusieurs critiques à l’Amérique «fric et frime» du président Reagan dans son film. En premier lieu, le boxeur remet en cause la conception du rêve américain mise en avant pendant les années Reagan aux États-Unis (argent, succès, maison, voitures…) lorsqu’il discute avec sa femme Adrienne après la mort d’Apollo Creed: «La villa, les voitures et tout ce qui va avec, c’est tout et c’est rien». Apollo Creed symbolise toutes les dérives des années quatre-vingt (démesures et spectacle) avant son combat contre le boxeur soviétique Ivan Drago. Le boxeur américain arrive habillé en Oncle Sam et il fait un véritable show devant un public enthousiaste. L’Amérique de Ronald Reagan est comme ce personnage, prétentieuse, mais «au pied d’argile». Pour vaincre son ennemi, Rocky est obligé de partir en Union soviétique pour retrouver de grands espaces qui rappellent l’Amérique originelle des pionniers. D’ailleurs, dans le roman Rocky IV (basé sur le scénario du film), Sylvester Stallone exprime parfaitement l’estime de son personnage pour les Soviétiques et ce pays durant son séjour15. Le discours final de Rocky IV renvoie également à ceux des films populistes de Frank Capra (L’extravagant Mr Deeds ou Mr Smith au Sénat). Qualifié de simpliste ou naïf, le discours de Rocky Balboa prône simplement le common sense.

    Le héros populiste réapparaît toujours dans le cinéma hollywoodien lorsque la société américaine est en crise. Sa fonction est de rassurer le peuple en lui rappelant les mythes fondateurs du pays. Depuis plusieurs années, les États-Unis ne sont pas épargnés par la terrible crise économique mondiale. Il est donc logique que les héros populistes des années quatre-vingt ont fait progressivement leur retour avec succès sur les écrans avec des films comme Rocky Balboa (2007), John Rambo (2008), Die Hard 4 (2007) et 5 (2013) ou encore Expendables 1 (2010) et 2 (2012).

    Notes

    1. Michéa (Jean-Claude), Le Complexe d’Orphée, Climats, Paris, 2011, p. 88.

    2. Zinn (Howard), A people’s history of the United States, Longman, Londres, 1980 rééd. 1994, p. 284: «When the Texas People’s party was founded in Dallas in the summer of 1891, it was interracial, and radical.»

    3. Lasch (Christopher), Le Seul et Vrai Paradis, Champs/Flammarion , Paris, 2002, p. 257: «Au XIXe siècle, l’expression «mouvement agrarien» servait de terme générique pour définir le radicalisme populaire, ce qui doit nous rappeler que l’opposition aux monopoles, aux intermédiaires, aux créanciers publics, à la mécanisation, et à l’érosion de la connaissance du métier  par la division du travail n’était en rien l’apanage de ceux qui travaillaient la terre.»

    4. C’est aussi le titre d’un célèbre ouvrage de Thomas Paine publié en 1776. Ce pamphlet critique sévèrement l’administration britannique.

    5. Stokes (Melvin), «Le déclin du populisme dans le cinéma hollywoodien» in Trudy Bolter (dir.), Cinéma anglophone et politique, L’Harmattan, Paris, 2007, p. 107: «Le populisme à la mode hollywoodienne reposant sur l’imagination individuelle et le sens de l’effort dans un monde de plus en plus organisé (…) Le populisme à l’écran ressemblait à son prédécesseur agrarien des années 1890 sur un point central: il développait la critique de la corruption inhérente aux relations aux relations entre le monde des affaires et le gouvernement.»

    6. Gehring (Wes), Handbook of American Film Genre, Greenwood, USA, p.125-144.

    7. Cieutat (Michel), Frank Capra, Rivages, Paris, 1999, p. 26.

    8. Bourget (Jean-Loup), Hollywood, la norme et la marge, Nathan, Paris, 1998 rééd. 2004, p. 137: «La star tend à projeter, en premier lieu, sa propre personnalité, sa propre essence, comme si le rôle qu’elle joue, quel qu’il soit, n’en était qu’un avatar.»

    9. Thomas Jefferson cité in Le Flohic (Claude), «Le retour à l’écran du populisme pastoral: Les fermières héroïques foulent à nouveau les raisins de la colère» in Frédéric Gimello-Mesplomb (dir.), Le cinéma des années Reagan, un modèle hollywoodien?, Nouveau Monde, Paris, 2007, p. 122: «Ceux qui cultivent la terre sont les élus de Dieu […] La corruption des mœurs parmi la masse des cultivateurs est un phénomène dont aucune époque ni aucune nation n’a jamais fourni l’exemple.»

    10. Lipton (James), interview de Sylvester Stallone, Inside the Actors Studio, http://www.youtube.com/watch?v=cAx5gsd_J6Q: «Pour moi, Frank Capra est un véritable génie».

    11. Fauvet (Pascale), «Le héros américain» in Frédéric Gimello-Mesplomb (dir.), Le cinéma des années Reagan, un modèle hollywoodien?, op.cit., p. 153-165.

    12. Selon Jeffrey Richards, le baseball, le sport le plus populaire du pays, représente à merveille l’esprit du populisme américain. «Frank Capra et le cinéma du populisme», Positif, n°133, décembre 1971, p. 54-67.

    13. Phillips (Robert W.), Roy Rogers: À Biography, McFarland, USA, 1995, p. 19: «Len [Leonard] was a great admirer of Will Rogers.»

    14. D’ailleurs, Sylvester Stallone n’a jamais soutenu publiquement Ronald Reagan contrairement à des acteurs comme Chuck Norris ou Clint Eastwood.

    15. Stallone (Sylvester), Rocky IV, Presses de la cité, Paris, 1986, p. 160: «L’entraînement de Rocky était aussi primitif et dur que le pays qui l’environnait. Il était devenu une silhouette familière pour les fermiers du coin, qui s’étaient habitués à le voir courir à travers les terres infertiles (…) Il comprit comment ce pays avait écrasé l’armée nazie lors de la Seconde Guerre mondiale. C’était un pays rude, qui avait engendré une rude race d’hommes. Il leur fallait être dur, parce que c’était pour eux le seul moyen de survivre. Plus le corps de Rocky se durcissait, plus il sentait croître son estime pour ces gens.»