Dans cet épisode, deux doctorantes discutent de leurs sujets de thèse respectifs traitant tous les deux de procréation, reproduction, maternités dans les fictions d’anticipation contemporaine. Elles s’interrogent entre autre sur leurs approches respectives à leurs sujet, les relations entre procréation et pouvoir, entre la reproduction et le dérèglement climatique, la notion de collectif.
Mot-clé: Féminisme
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«Alternate Universe»
«Fan fiction is a way of the culture repairing the damage done in a system where contemporary myths are owned by corporations instead of owned by the folk.» (Harmon, 1997) C’est ainsi que Henry Jenkins explique, ou plutôt justifie, la tendance des fans à s’approprier des éléments de la culture de masse pour créer leur propre culture à l’origine de communautés, de nouvelles formes de médias et de ramifications créatives d’une richesse inouïe. Jenkins, chercheur et essayiste américain, pionner dans le domaine des nouveaux médias, a ouvert la voie, en 1992, avec son premier essai sur le sujet, Textual poachers, qui propose de réfléchir aux réelles connotations derrière les pratiques de ces «braconniers», les fans (Jenkins, 1992). Par la création et la contribution aux fandom1, les fans s’inscrivent au cœur du principe de la culture participative que Jenkins développe au fil de ses recherches. La culture participative s’oppose à la culture de consommation de la société capitaliste en réhabilitant les individus en tant que producteurs actifs de culture plutôt que d’être encastrés dans le rôle passif de consommateurs (Jenkins et al., 2016 : 214). Bien que présente dans nos pratiques culturelles depuis des siècles, la culture participative a connu une incroyable effervescence grâce à l’émergence du Web 2.0 qui facilite les processus de publication et de partage entre internautes. En d’autres mots,
with the advent of convergent new media and the plethora of choice in sources for information, as well as the increased capacity for individuals to produce content themselves, this shift away from producer hegemony to audience or consumer power would seem to have accelerated, thus eroding the producer-consumer distinction (Miller, 2011: 87).
Pour Jenkins, «le numérique n’a pas rendu le fandom plus participatif, mais il a considérablement accru l’éventail des participants potentiels.» (Jenkins et al., 2017: 15) Grâce aux nouvelles technologies, les zines, les blogues, les balados et certains types de vidéo s’inscrivent parmi la liste des médiums favoris de la culture participative. Néanmoins, la fanfiction, une des plus anciennes formes, reste parmi les plus populaires aujourd’hui encore.
Il est difficile d’exactement situer la naissance de la fanfiction dans la mesure où, selon la définition que l’on en a, les origines diffèrent. Bien que la première utilisation retraçable du terme «fanfiction» remonte aux années 1930, si l’on considère que la fanfiction consiste à se baser sur l’œuvre d’autrui pour créer une œuvre qui vient compléter ou poursuivre la première, Le siège de Thèbes de Lydgate, écrit en 1421, serait une fanfiction puisqu’il s’agit de la suite des Contes de Canterbury de Chaucer écrits entre 1387 et 1400 (Aragon et al., 2019: 13). Un exemple plus parlant serait celui de la saga Sherlock Holmes durant la période de Sherlockiana, l’époque de grande popularité du héros de Doyle au tournant du 20e siècle. Le magazine anglais Tit-bits a largement contribué à sceller l’iconicité du personnage en invitant ses lecteurs à soumettre des récits de leur cru mettant en scène le détective et son acolyte. Ainsi, les pratiques de culture participative conjointement à l’avènement des technologies, comme la presse, ont réussi à transformer une figure culturelle en élargissant ses horizons dans le champ de production culturelle (Aragon et al., 2019: 13). Cependant, la fanfiction a connu un réel tournant dans les années 1960 grâce à la série Star Trek qui l’a façonnée en ce qu’elle est aujourd’hui (McArdle, 2016).
Dans un désir de se réapproprier la culture que ce soit pour la prolonger, l’amender ou la transformer, la fanfiction permet aux fans de mettre en scène les éléments de leurs choix d’un objet culturel–film, roman, série télévisée–afin de les explorer selon les fantasmes de leur imagination. La fanfiction est donc une multiplicité de récits écrits par des fans, pour des fans, qui permettent l’épanouissement de lieux culturels communs dans des perspectives auxquelles les médias de masse ne donnent pas accès. La fanfiction peut s’inscrire dans le canon de l’histoire dont elle se base comme elle peut seulement s’en inspirer pour donner naissance à tout autre chose, le fanon 2. Jenkins recense dix types de fanfictions selon leur fonction primaire (Jenkins, 1992 : 165-182):
- Recontextualisation: Les fans auront tendance à remplir les trous de l’histoire d’origine en écrivant des scènes manquantes ou en développant certaines scènes, notamment celles qui permettraient d’expliquer le comportement d’un personnage.
- Expansion de la trame narrative d’origine: L’expansion permet aux fans d’explorer des zones grises du récit en produisant du matériel inédit à la diégèse. Par exemple, l’expansion permet l’exploration du passé inconnu, mais sous-entendu d’un personnage.
- Refocalisation: Ce procédé permet d’accorder une importance plus grande à des personnages secondaires peu exploités dans l’histoire d’origine. Cette pratique est privilégiée pour donner plus d’exposition aux personnages féminins (Paris, 2016) et queers (Michaud, 2020).
- Réalignement moral: Il s’agit ici d’une transformation du paradigme actantiel où le vilain se voit octroyer une position de héros ou l’inverse. Il est surtout question de jouer sur le système de valeurs mis en place initialement.
- Transformation du genre: Tout bonnement, il est de la prérogative du fan de pouvoir brouiller les frontières entre les différents genres en transposant une histoire d’un genre à un autre.
- Croisement avec d’autres fandoms (cross-overs): Les cross-overs permettent la collision de personnages et de concepts provenant de différentes fandoms. Par exemple, on pourrait inscrire des personnages de la série Harry Potter dans l’univers de Hunger Games.
- Dislocation de l’identité d’un personnage: Le phénomène de dislocation a lieu lorsqu’un personnage est destitué de son identité première puis transposé dans un univers alternatif au sien.
- Personnalisation: Les fans peuvent, par la fanfiction, donner un caractère plus réel à un personnage qui, dans le contenu d’origine, leur apparait comme séparé de leur expérience de vie.
- Intensification émotionnelle: Par la fanfiction, les fans explorent en profondeur la psychologie des personnages afin de donner une tangibilité à leur affect. Ce type de récit se délecte de la décortication des grands moments de crise dans la trame narrative afin d’en élaborer toutes les ramifications sur le plan du ressenti.
- Érotisation: Libérée des restrictions des médias de masse, la fanfiction permet l’exploration de la dimension érotique, souvent latente, dans l’histoire d’origine.
Ainsi, les possibilités sont infinies, la fanfiction donne une liberté créatrice peu égalée à ses auteurs notamment du fait que ceux-ci n’ont pas à se soucier de maintenir une cohérence avec le matériel d’origine dans la mesure où le récit produit n’est pas restreint à être une continuité du récit d’origine. Par ailleurs, un auteur de fanfiction pourrait produire plusieurs récits qui, dans une perspective traditionnelle, se contrediraient sans que cela ne pose un problème puisque chaque fanfiction est une entité à part entière. L’auteur d’une série publiée pourrait difficilement se le permettre (Soller, 2019).
In summary, writing fanfiction is a way of imaginatively engaging with fictional stories that extends beyond consumption of the source material. It can be seen as similar to both daydreaming about fictional characters and pretending to be or to interact with those characters; however, many of the ways in which fanfiction writers contribute imaginatively to the fictions they write about also parallel readers’ imaginative participation in the consumption of stories more broadly. (Barnes, 2015: 73)
En outre, il y a consensus entre les différentes études menées au fil des dernières décennies pour affirmer que les fanfictions sont principalement produites et consommées par des femmes. D’une part, cela s’expliquerait du fait que la modalité de l’écriture serait une approche genrée plutôt propre aux femmes qui leur permettrait d’établir une relation affective avec le matériel source dans un environnement où cela n’est pas proscrit comme cela pourrait l’être dans d’autres sphères. D’autre part, la prédominance d’autrices de fanfiction permettrait de pallier la marginalisation des audiences féminines dans le monde des médias de masse dont le public cible est masculin hétéronormé (Jenkins, 1992). Ainsi, la fanfiction est un lieu de convergence pour les femmes qui peuvent s’engager ouvertement dans des échanges sur leur sexualité, leurs désirs, etc. (Paris, 2016). Par le fait même, la fanfiction peut se présenter comme un espace d’exploration sécuritaire des identités marginalisées comme les identités queers (Floegel, 2020). Enfin, le principe de communauté est au cœur de ce monde dont le point nodal est avant toute chose l’intérêt que l’on porte pour l’objet culturel en question. À partir d’un principe d’anonymat soutenu par l’organisation des différentes plateformes, les communautés se nourrissent d’un constant échange entre écrivains et lecteurs, entre fans (Bronwen, 2011). En ce sens, il persiste un principe de démocratisation de l’accès à la culture dans ces communautés qui ont élaboré respectivement leur propre mode de fonctionnement et d’organisation.
Il apparait clair que la fanfiction chevauche plusieurs champs. Rappelons qu’un champ, selon la théorie de Bourdieu, est un espace de «forces agissant sur tous ceux qui y entrent, et de manière différentielle selon la position qu’ils y occupent […] en même temps qu’un champ de luttes de concurrence qui tendant à conserver ou à transformer ce champ de forces» (Bourdieu, 1991: 5). En d’autres mots, le champ est un espace structuré de positions qui définissent la relation qu’un agent entretient avec les autres agents du champ. Ce champ est structuré aussi par un rapport de force lié à une lutte symbolique qui lui est spécifique, mais qui, ultimement, est une lutte pour la légitimité. La nature même de la fanfiction fait d’elle un objet littéraire: elle est un récit de fiction écrit. Ceux qui la produisent sont des auteurs, ceux qui la consomment sont des lecteurs. Les plateformes qui hébergent ces récits agissent, bien que l’esprit hiérarchique soit tout à fait différent, telles des maisons d’édition. Elles font la promotion de ces œuvres et permettent à ceux qui le souhaitent de s’engager dans des projets d’édition des œuvres, de marketing, d’organisation, de concours littéraires et plus encore. Tout compte fait, il y a un aspect intrinsèquement littéraire à la fanfiction. Or, cette appartenance semble être reniée par le champ littéraire. La fanfiction est étudiée depuis des décennies par les sciences de la communication, les sciences de l’éducation, les études queers, mais presque pas l’ombre d’un écho du côté des études littéraires. En ce sens, il est légitime de se demander: comment la fanfiction s’inscrit-elle dans le champ littéraire? Par ailleurs, considérant qu’elle est régie par un système de collaboration dû à son appartenance à la culture participative, quelle est la position des agents de celle-ci? Ont-ils des prises de position qui diffèrent les unes des autres ?
À l’analyse du portrait global de notre objet d’étude, nous constatons que la fanfiction possède un faible capital symbolique dans le champ littéraire. Le capital symbolique est l’amalgame des différentes formes de capital–économique, culturel, social–et représente la capacité d’un agent à mobiliser l’ensemble de ses ressources dans un contexte social donné se traduisant ainsi par le niveau de prestige et de reconnaissance qui peuvent lui être octroyés (Sapiro, 2020). En ce qui concerne la fanfiction, cette constatation s’explique, entre autres, du fait que la fanfiction semble relever du «mauvais goût». «Le jugement de goût […] un des enjeux les plus vitaux des luttes dont le champ de la classe dominante et le champ de production culturelle sont le lieu […] est la manifestation suprême du discernement qui, réconciliant l’entendement et la sensibilité […] définit l’homme accompli» (Bourdieu, 1979 : 9). La distinction est donc cette capacité, que les classes dominantes considèrent leur être innée, à discriminer le vulgaire et le commun du distingué. Bien que cette sensibilité à la distinction soit le produit d’une socialisation qui débute dès la petite enfance, être capable de bon goût, avoir l’œil pour les finesses de l’art octroie un capital symbolique qui renforce l’appartenance à une classe sociale dominante distinguée. Cette appartenance et cette tendance à la distinction, à leur tour, renforcent l’idée d’une élite qui mérite ses privilèges puisqu’elle possède un caractère de raffinement intrinsèque à sa constitution plutôt que le simple fruit de la somme de ses expériences sociales. Les champs de production culturelle, le champ littéraire y compris, ont des fondations ancrées dans cette «dialectique de la distinction» (Bourdieu, 1992: 211). «Un des enjeux centraux des luttes littéraires est le monopole de la légitimité littéraire.» (Bourdieu, 1991: 14) Ce qui possède le plus de capital symbolique au cœur du champ littéraire, ce qui est le plus légitime et prestigieux, ce sont toutes ces œuvres qui se détachent des exigences du marché, qui rejettent les goûts vulgaires et communs, car «le véritable plaisir artistique serait le plus pur, le plus loin des nécessités immédiates». (Riondet, 2003: 83) Permettant l’expérience de l’art en tant que finalité,
Le roman «pur» est le produit d’un champ dans lequel la frontière tend à s’abolir entre l’écrivain qui ne fait si bien la théorie de ses romans que parce qu’une pensée réflexive et critique du roman et de son histoire est à l’œuvre dans ses romans, et le critique qui se donne pour mission de lire les romans non comme «l’écriture d’une aventure, mais comme l’aventure d’une écriture». (Riondet, 2003: 26)
La fanfiction, quant à elle, rejette cette quête. Ses dix fonctions en sont une preuve. Les agents de la fanfiction ne sont pas à la recherche d’une expérience esthétique pure. La qualité de l’écriture, bien qu’appréciée lorsque relevée, n’est pas l’objectif de la fanfiction (Soller, 2019) qui relève plutôt de l’affect, alors que dans le champ littéraire «bien parler, c’est parler comme un livre. Un bon livre est celui qui a un beau langage. Et le beau langage est ce qui est possédé par les dominants» (Riondet, 2003 : 83). De plus en plus d’études tendent à confirmer l’hypothèse que les fans-auteurs entretiennent des relations parasociales très fortes avec leurs personnages favoris. Par conséquent, la production de fanfiction, par le fait même sa réception chez les fans-lecteurs, servirait tant à maintenir qu’à solidifier les liens affectifs entre les fans et les personnages (Van Steenhuyse, 2011). Par la mise en récit de ces objets culturels, les fans réussissent à engendrer une expérience émotionnelle satisfaisante qui intensifie les émotions sous-jacentes au texte d’origine (Jenkins, 1992). Nous l’aborderons sous peu, mais une des principales formes de classement des récits se base, justement, sur le ressenti que cause une histoire chez son lecteur. «Hurt/comfort», «angst», «fluff», c’est par ces indicatifs que les fans naviguent à travers les milliers de récits à leur portée (Busse et al.). En outre, ce rapport complexe et intime avec l’objet culturel en question tend à donner aux fans la perception qu’ils connaissent leurs personnages favoris mieux que leurs créateurs. Ainsi, au-delà de l’aspect affectif, il y a une dimension de réhabilitation de leur identité (Barnes, 2015). «It is perhaps unsurprising, then, that the act of writing fanfiction has been characterized not only as a way to understand the characters one cares about, but also to assert some level of ownership over them.» (Barnes, 2015 : 76) Ce rapport de possession est d’ailleurs mal reçu par certains agents du champ littéraire (Fathallah, 2015 : 77)3, car «le professionnel tend à ‘haïr’ le ‘vulgaire profane’ qui le nie en tant que professionnel en se passant de ses services: il est prompt à dénoncer toutes les formes de ‘spontanéisme’ […] propre à le déposséder du monopole de la production légitime» d’œuvres. (Bourdieu, 1987 : 199)
À la lumière de tout cela, il apparait évident que la fanfiction s’inscrit dans un rejet de l’autorité littéraire canonique (Busse et al.) ce qui fait d’elle et de ses agents des hérétiques aux yeux du champ littéraire.
The stereotypical conception of the fan, while not without a limited factual basis, amounts to a projection of anxieties about the violation of the dominant cultural hierarchies. The fans’ transgression of bourgeois taste and disruption of dominant cultural hierarchies ensures that their preferences are seen as abnormal and threatening by those who have vested interest in the maintenance of these standards. […] Fan culture muddies those boundaries, treating popular texts as if they merited the same degree of attention and appreciation as canonical texts. Reading practices (close scrutiny, elaborate exegesis, repeated and prolonged rereading, etc.) acceptable in confronting a work of ‘serious merit’ seem perversely misapplied to the more ‘disposable’ texts of mass culture. […] From the perspective of the dominant taste, fans appear to be frighteningly out of control, undisciplined and unrepentant, rogue readers. […] Fan culture stands as an open challenge to the ‘naturalness’ and desirability of dominant cultural hierarchies, a refusal of authorial authority and a violation of intellectual property. (Jenkins, 1992: 16-19)
En somme, nous pourrions postuler que la fanfiction a une position de dominée et est au bas de l’échelle dans le champ littéraire dans la mesure où elle n’a aucun capital en son sein. Toutefois, un bémol s’impose. La fanfiction relève du populaire qui «représent[e] [l’]obstacle à l’imposition de la légitimité» (Bourdieu, 1987: 199), tout en le revendiquant ce qui ne peut que causer des frictions au sein du champ littéraire puisque «l’aversion pour les styles de vie différents est sans doute une des plus fortes barrières entre les classes […] et le plus intolérable pour ceux qui s’estiment détenteurs du goût légitime, c’est par-dessus tout, la réunion sacrilège des goûts que le goût commande de séparer» (Bourdieu, 1979 : 60). Par toutes ces tensions qu’elle soulève, la fanfiction a une prise de position assez claire par rapport à la lutte symbolique pour la légitimité qui caractérise le champ. Bien que le champ littéraire la reconnaisse peu, la fanfiction est en interaction avec sa lutte, ses agents, son système de valeurs4. En fait, elle s’affranchit des dictats du champ littéraire: elle ne cherche à atteindre ni la forme du roman pur ni son public. «L’objectif du littéraire […] est d’assurer une domination. Il cherche à conquérir une position prédominante.» (Riondet, 2003 : 84) Ce n’est pas l’objectif de la fanfiction dont les agents désavouent cette posture autoritaire et s’identifient, avant tout, comme des fans et des novices (Bronwen, 2019: 214). Considérant l’autonomie indéniable de la fanfiction5 qui opère dans des sphères qui lui sont propres, il semblerait que la fanfiction aurait réussi à se nicher dans un sous-champ qui a son propre mode de fonctionnement. La fanfiction régit un monde parallèle qui admet, parfois, une perméabilité avec le champ littéraire selon certaines circonstances.
Cette perméabilité est remarquable, en particulier, lorsque l’on considère certains des grands succès économiques des dernières années telles les séries Fifty Shades of Grey et After6 (Soller, 2011) qui sont toutes deux des fanfictions à l’origine. Ce succès est tout de même de mauvais augure dans le champ littéraire pour qui «le succès populaire entraine une forme de dévaluation, voire de disqualification du producteur» (Bourdieu, 1987: 199). Les auteurs qui font la transition entre le monde de la fanfiction et celui de la publication légitime en sont très conscients puisque, systématiquement, la transfiguration de leur posture d’auteur au sein du champ littéraire nécessite l’oblitération de leur présence dans le monde de la fanfiction (Flegel et al., 2016). C’est ainsi que nous pouvons constater à quel point, au sein du champ littéraire, la fanfiction a une position déplorable. Ce travail de nettoyage de l’image d’auteur passe par le retrait de toute trace de la fanfiction originale en ligne à un déni total de la part de l’écrivain de son implication dans le monde de la fanfiction. Cette refonte de l’identité de l’auteur, nécessaire pour sa prospérité au sein du marché de grande production du champ littéraire qui dévalorise l’amateurisme, ostracise tout de même le public premier, les fans de fanfiction, sans qui un tremplin vers la popularité aurait été bien peu probable. Ce processus est plutôt mal reçu par les fans. En fait, ce n’est pas tant le succès économique qui dérange les agents de la fanfiction. C’est plutôt l’appropriation, par l’auteur, d’un travail collaboratif qui a été soutenu par toute une communauté dans le but d’engendrer du capital économique et symbolique qui lui serait propre. Ainsi, le rejet de l’appartenance au monde de la fanfiction par l’auteur qui cherche à gagner en légitimité dans le champ littéraire est vu comme une trahison des principes mêmes qui régissent la fanfiction (Soller, 2011: 69).
Dans le grand champ de production culturelle, la culture libre illégitime « ne vaut qu’à la mesure stricte de son efficacité technique, sans aucune valeur sociale ajoutée. » (Bourdieu, 1979 : 24) Pour ainsi dire, ce sous-champ littéraire qui admet la fanfiction, en fin de compte, relève du domaine de l’amateur et de l’agentivité du lecteur devenu créateur. Il est impossible de reléguer aux oubliettes tout le travail et l’engagement de ces fans qui adoptent des postures et des comportements au caractère fortement littéraire simplement parce qu’ils ne sont pas conformes à la doxa. (Jenkins, 1992: 19) «Restituer la lecture et le texte lu dans une histoire de la production et de la transmission culturelles, c’est se donner une chance de contrôler le rapport du lecteur à son objet et aussi le rapport à l’objet qui a été investi dans cet objet.» (Bourdieu, 1987: 156) La fanfiction donne cette chance au lecteur par la réhabilitation de ses droits par rapport au texte et à ses interprétations. L’intégration de la télévision dans les foyers, lors des années 60, était «censée niveler, homogénéiser peu à peu tous les téléspectateurs» (Bourdieu, 1997: 27). Le changement de paradigme que cette nouvelle technologie a engendré s’est transfusé dans le rapport qu’entretiennent les fans avec le texte7 en donnant naissance à la fanfiction (Jenkins, 1992: 6) qui homogénéise, elle aussi, tous les lecteurs. L’illusio, «au sens d’investissement dans le jeu qui arrache les agents à l’indifférence et les incline et les dispose […] à distinguer ce qui est important» (Bourdieu, 1992: 332), qui motive les agents de ce sous-champ de la fanfiction est différent de celui du grand champ littéraire. Privilégiés sont: l’agentivité du fan, le mentorat entre fans, le respect de l’apport de tout un chacun sans entrave à la créativité et le partage (Jenkins et al., 2017).
En tenant compte de tous ces aspects de la spécificité de l’inscription dans le champ littéraire de la fanfiction par l’intégration d’un sous-champ spécifique, il importe de se tourner vers les plus grands agents de ce domaine particulier, les plateformes, afin d’identifier les dynamiques de la structuration de ce sous-champ. Une étude menée en 2016 (Figure 18) auprès de près de huit mille fans de fanfiction a déterminé que les trois principales plateformes utilisées par ces derniers sont: Archive Of Our Own (AO3), Tumblr et Fanfiction.net (FFN) (Klink et al.). Ces résultats ne sont pas étonnants dans la mesure où FFN est l’une des plus anciennes plateformes hébergeant plus de six millions de récits (Aragon et al., 2019: 16) pour un million et demi d’auteurs, alors que AO3 recense plus de deux millions de récits et accroit constamment en popularité depuis son apparition sur le web. Toutefois, la plateforme Wattpad est parmi les moins sélectionnées par les répondants de ce sondage ce que les recherchistes expliquent par la démographie de leur public. Le résultat n’est pas tout à fait représentatif de l’actuelle popularité du site qui héberge plus de cent trente millions de récits écrits par des auteurs amateurs (Pianzola et al., 2020). Nous privilégierons ces trois plateformes pour notre analyse en laissant de côté la plateforme Tumblr en raison de son interface9.
L’allure de Fanfiction.net semble ne pas avoir été rafraichie depuis sa création au tournant du millénaire en 1998 (Figure 2). Ce qui est mis de l’avant, sur cette plateforme, c’est avant tout la fanfiction. Les sections qui s’offrent à nous nous invitent à parcours les nouveaux récits, les communautés et les forums. L’accès à la fanfiction, par FFN, est limpide. Le slogan du site confirme cette intuition : les fans n’ont plus qu’à «unleash [their] imagination» (fanfiction.net, consulté le 7 avril 2022). Au contraire, l’accès à AO3 est entravé par une demande de consentement aux conditions d’utilisation du site (Figure 3). En outre, la page d’accueil du site (Figure 4) solidifie sa prise de position au sein de ce sous-champ puisque la plateforme se revendique comme «a fan-created, fan-run, nonprofit, noncommercial archive for transformative fanworks, like fanfiction, fanart, fan videos, and podfic» (archiveofourown.org, consulté le 7 avril 2022). Nous pouvons constater que le mode premier d’organisation des fandoms entre les deux sites est similaire. Pour accéder aux fandoms, le fan se réfère à la source d’origine de celle-ci: livres, télévision, dessins animés, etc. Les similarités ne s’arrêtent pas là notamment par la présence d’un espace réservé à un fil d’actualité et au compte Twitter des gestionnaires de ces plateformes.
The user demographics of Fanfiction.net and AO3 are very different. Although 90 percent of the members of both archives self-identify as female or nonbinary genre, we fund the median self-reported participant age on Fanfiction.net is sixteen (Yin et al., 2017). […] Qualitative research describes typical users of AO3 as longer-term adult fans, with a median age in their thirties (De Kosnik, 2016). (Aragon et al., 2019: 21)
De ce fait, au-delà de l’efficacité simple à exécuter de ce modèle, nous pourrions émettre l’hypothèse que les similarités entre les deux sites s’expliquent aussi du lien particulier qui les unis. Les utilisateurs de AO3 y migrent après avoir fait leurs premiers pas sur FFN. (Floegel, 2020: 794) La création de AO3 ne remontant qu’à la fin des années 2000, il est plus que probable que les fondateurs de la plateforme étaient d’avides usagers de FFN. La démographie des utilisateurs de AO3 expliquerait, par le fait même, la prise de position forte du groupe par rapport à la lutte symbolique du sous-champ et du champ littéraire. Ces fans sont davantage conscients du stigma lié à l’illégitimité de la fanfiction, mais revendiquent ce rejet de l’autorité canonique, de la doxa littéraire, dont il a été mention plus haut pour créer un espace où «all fannish works are recognized as legal and transformative and are accepted as a legitimate creative activity» (transformativeworks.org, consulté le 7 avril 2022). Il persiste donc une intention sous-jacente à l’activité fan sur AO3 de s’opposer activement, par l’interaction au sein de la communauté de fanfiction, aux exigences du grand marché de production culturelle.
La posture de Wattpad est, quant à elle, complètement opposée à celle que nous venons d’aborder (Figure 5). Bien que la prise de position de Wattpad ne soit pas aussi explicite que celle de AO3, il est indéniable que la plateforme cherche à s’inscrire comme un agent légitime dans le domaine de grande production tant dans le champ littéraire que celui des médias. En observant la page d’accueil dont l’allure professionnelle détone des deux dernières, nous constatons une absence quasi totale de mention fanfiction. Avant tout, Wattpad se présente comme un tremplin vers le succès commercial en misant sur une de ses plus grandes réussites, l’adaptation cinématographique de la série After, et sur ses relations de partenariats avec des maisons d’édition légitimes telles que Penguin Random House UK ou des compagnies de production comme Sony et Hulu. Alors que AO3 refuse d’héberger du contenu original qui ne serait pas du fanwork parce que cela va à l’encontre de sa politique de contenu (terms of service, sur archiveofourown.org, consulté le 7 avril 2022) et que FFN redirige les contenus originaux vers sa plateforme sœur, FictionPress.com, Wattpad «brouille la distinction entre texte fan et texte amateur original [en] archiv[ant] ainsi côte à côte des textes originaux et des fanfictions [qui] sembl[ent] représenter un genre littéraire parmi d’autres.» (Lata, 2020: 71) Les conséquences de ces prises de position divergentes sont apparentes au niveau des classements qui s’opèrent.
Selon la théorie de Bourdieu, les classements sont un produit de l’histoire, conçus dans un contexte donné et influent, par le fait même, ce contexte. Les classements ont une fonction sociale de structuration en stratifiant le monde, ou plus précisément un champ, selon un code de valeurs propre à ses normes. En d’autres mots, les classements relèvent de la subjectivité. En ce sens, les classements représentent une forme de domination puisqu’ils imposent une position aux agents d’un espace social tout en reconduisant la lutte symbolique pour la légitimité. Dans le champ littéraire, les classements discriminent les genres littéraires en accordant plus de capital symbolique à certains genres plutôt que d’autres (Bourdieu, 2015).
Pour ce qui est de FFN et de AO3, le système d’organisation se présente de manière plutôt homogène. Au premier niveau de classement, le fan doit sélectionner le type de médias dont le fandom qu’il cherche est originaire. Une fois ce choix fait, le fan doit sélectionner l’objet culturel qui est à l’origine du fandom. Le lecteur peut soit accéder à une liste décroissante des plus populaires séries (Figures 6 et 7) ou à une liste alphabétique. Sur les deux plateformes, la série la plus en vogue dans la catégorie «livres» est incontestablement celle de Harry Potter cumulant plus d’un million d’entrées en tout. Ensuite, plusieurs filtres permettent de raffiner la recherche. Il est question du nombre de mots, de la langue d’écriture, du statut de complétion de l’histoire, de sa date de parution ou encore du nombre de commentaires publiés sur une fanfiction (Figures 8 et 9). Toutefois, c’est le second niveau de classement, les genres et les étiquettes, qui se démarque et traduit davantage l’esprit unique de la fanfiction. Comme dans la plupart des éléments d’analyse qui ont précédé, FFN est plus timide dans l’exécution des principes qui régissent la fanfiction. Les classements proposés sont plutôt traditionnels (aventure, crime, science-fiction) rappelant le mode d’organisation d’une librairie par exemple. Deux genres, cependant, se démarquent: «hurt/comfort» et «angst». Considérant que FFN a très peu évolué depuis sa création, alors que la fanfiction est en constante croissance, il serait plausible de postuler que la plateforme est restée figée dans sa forme embryonnaire. Son mode de classements démontre l’ébauche d’un système distinct, mais pour lequel il n’y aurait pas eu aboutissement.
Au contraire, la richesse des classements sur AO3 est inégalable grâce à la grande liberté qu’on les fans de pouvoir catégoriser eux-mêmes les récits qu’ils produisent. En effet, l’auteur peut mettre autant d’étiquettes qu’il le souhaite, alors qu’il y a une limite de deux sur FFN, et en inventer à sa guise aussi. Parmi les étiquettes les plus populaires sur AO3 (Figure 10), nous retrouvons à nouveau «angst», «hurt/comfort», mais aussi «fluff» ce qui rejoint les résultats de l’étude menée par Fansplaining. (Klink et al.) De ce fait, les classements sur Archive Of Our Own s’inscrivent clairement dans le système de valeurs qui régit la fanfiction: ils permettent l’agentivité du créateur ainsi que le respect de l’apport de tout un chacun sans commettre une entrave à l’esprit de créativité et de partage. Par ailleurs, ce mode de classements illustre davantage le rapport complexe et singulier que les fans entretiennent avec la fanfiction. Comme cela a été abordé, la fanfiction est, avant tout, une expérience émotionnelle pour le fan. Ainsi, un système tel celui de AO3 traduit plus honnêtement le caractère d’ouverture et d’inclusivité qui règne sur la fanfiction (Hill et al., 2017: 852). De surcroit, la responsabilité de maintenir un ordre et un équilibre dans ces classements est une responsabilité partagée entre les auteurs et des bénévoles, les «tagwranglers», les démêleurs d’étiquettes (Hill et al., 2017 : 851). Cette implication de tous les membres de la communauté, la possibilité de négociation des codes de classements préserve l’esprit de démocratisation de la culture que propose la culture participative. (Lata, 2020: 74) Les classements sur AO3 ne sont pas des dictats ou des impositions. Ce sont des repères collectivement déterminés et maintenus dans le but de permettre l’expérience de fanfiction la plus optimale possible. Pour toutes ces raisons, AO3 possède plus de capital symbolique dans le domaine que FFN, par exemple, car les fans la préfèrent pour la liberté qu’elle leur offre (Floegel, 2020).
Quant à elle, la plateforme Wattpad est aux antipodes des considérations que nous venons d’aborder. Les classements sur le site opèrent une ségrégation entre la fanfiction, qui devient une catégorie à part entière, et les autres genres comme «aventure», «horreur» ou «romance» (Figure 11). Une fois dans la section «fanfiction», certaines étiquettes générées par l’algorithme du site sont proposées au lecteur qui ne peut contrôler le mode de recherche autrement (Figure 12). Ce n’est que dans la section «rechercher» que celui-ci peut appliquer ses propres étiquettes, mais le succès de la recherche n’est pas assuré si l’étiquette n’est pas officiellement répertoriée sur la plateforme. D’une part, nous constatons un mode de classements qui limite l’utilisateur en le restreignant à des balises structurantes. D’autre part, les valeurs plutôt mercantiles de la plateforme sont traduites par les classements qui mettent de l’avant, en premier lieu, des histoires payantes. D’ailleurs, à de nombreuses reprises, l’utilisateur est invité à débourser des frais pour accéder à un service de meilleure qualité offrant l’accès à plus de publications en s’abonnant à Wattpad Premium (Figure 13). Enfin, nous remarquons aussi une séparation dans les classements, visible par une démarcation de couleur grise entre deux sections: l’ensemble des récits accessibles et ceux spécialement sélectionnés par Wattpad. Alors que sur d’autres plateformes ce qui permet d’identifier les récits les plus populaires est les nombres de commentaires et de mises en favoris par les fans, sur Wattpad, c’est un choix éditorial selon des critères qui ne sont pas révélés. Par le fait même, ces éditeurs se positionnent comme intermédiaire entre les lecteurs et leurs récits. Les lecteurs n’élisent plus eux-mêmes le palmarès de leur fanon. De la sorte, contrairement à la prise de position explicite de AO3, Wattpad s’engage davantage dans une logique de marché qui rejoint la lutte symbolique du domaine de grande production du champ littéraire. Plutôt que de rejeter cette lutte pour la légitimité, la plateforme cherche à s’imposer comme agent de taille en misant sur la valeur commerciale des objets littéraires marchandés.
Web 2.0 did represent a fairly fundamental rethinking of how cultural production operates under capitalism, though it did not make producing culture more democratic in any absolute sense. […] Today’s technologies are shaped by and help shape the commercial landscape. As a result, much of what we’re seeing in participatory culture is affected, for better and for worse, by capitalism and the economic, political, and legal landscape that underpins contemporary business. […] Some parts of participatory culture are quite resistant to capitalism. Other aspects are less critical and, perhaps, some may be more heavily shaped by corporate logics. (Jenkins, 1992: 161; 195)
Nous pourrions alors postuler que l’absence des caractéristiques de classements propres à la fanfiction, comme la catégorisation par l’émotion, s’explique du fait que la plateforme Wattpad, pour apparaitre comme un agent légitime du champ littéraire et non comme un agent de ce sous-champ spécifique, absorbe davantage les normes du marché littéraire tel que nous le connaissons afin de répondre aux besoins et aux attentes d’un public plus large que celui de la fanfiction. La plateforme privilégie une catégorisation a priori plutôt qu’un classement modulé par les goûts et les habitudes concrètes du lectorat. Par ces pratiques, Wattpad ne cherche pas à accumuler du capital symbolique au cœur de ce sous-champ, mais plutôt à miser sur sa perméabilité avec le champ littéraire pour entreprendre une transition marquante des meilleures productions des fans et des auteurs amateurs.
Nous constatons que les trois plateformes abordées ont toutes des prises de position différentes les unes des auteurs à l’intérieur du sous-champ de la fanfiction et par rapport au champ littéraire. Alors que Fanfiction.net reste plutôt dans les marges d’une position définie, Archive Of Our Own incarne, par son projet, l’essence des valeurs qui coordonnent la fanfiction. Par le fait même, cette plateforme qui rejette les dictats traditionnels du champ littéraire possède un plus grand capital symbolique auprès des fans qui apprécient l’engagement de AO3. Enfin, Wattpad maximise la portée de son lectorat en jouant sur la frontière floue entre fanfiction et récit amateur original. En brouillant ainsi les distinctions, la plateforme crée un espace où la culture libre illégitime commence à rejoindre celle légitime de la grande production. Par cette entreprise, la fanfiction réussira peut-être à gagner en légitimité au cœur du champ littéraire.
En guise de conclusion, tout comme la fanfiction privilégie le alternate univers pour l’exploration libre d’objets culturels, elle-même s’est nichée dans un univers alternatif à celui du champ littéraire afin de permettre aux fans devenus lecteurs et créateurs de prendre part à l’activité de production culturelle selon des exigences qui leur sont uniques. Par rapport au champ littéraire, la fanfiction entretient une relation ambivalente ponctuée par une sorte de rejet mutuel dans la mesure où les systèmes des valeurs qui régissent les deux univers sont plutôt opposés. En ce sens, la fanfiction a une position très faible au sein du champ littéraire, mais de récents succès littéraires, ainsi que certaines pratiques commencent à ouvrir la voie à la reconnaissance de la fanfiction dans le champ. Ceci n’est toutefois pas l’objectif de la majorité des agents du sous-champ de la fanfiction qui revendiquent leur autonomie par rapport aux dictats du marché et du champ littéraire.
En outre, nous ne pouvons que souligner le fait que cette réflexion ne dévoile qu’à peine la pointe de l’iceberg. Maints aspects de la fanfiction et leurs implications quant à la question du rapport au champ restent peu explorés. Considérant les prises de position variées entre les plateformes, il serait pertinent de se tourner vers les pratiques des agents sur ces plateformes afin de les comparer. La review culture étant une composante intégrale des interactions entre fans, une analyse plus poussée permettrait de déterminer quels genres de relations ces agents entretiennent les uns entre les autres, ainsi que d’identifier si la nature de la prise de position des différents sites influence les relations qui s’y tissent. Certaines études ont déjà permis d’entamer le processus de catégorisation des commentaires laissés par les fans (Magnifico et al., 2015), alors que d’autres ont étudié l’impact de l’interface des plateformes sur la longévité des leurs communautés (Fathallah, 2015). Par ailleurs, une étude colossale concernant un corpus de plus de trente millions de récits tirés de Wattpad récemment publiée a permis l’analyse du rapport du sujet-lecteur à l’univers de la fanfiction en recensant les émotions et les tropes littéraires favoris des fans en relation avec la langue d’expression privilégiée (Pianzola et al., 2020). La prochaine étape serait alors de mettre en corrélation tous ces résultats afin de mettre en relief les comportements que l’on retrouve auprès des utilisateurs de Fanfiction.net, de Archive Of Our Own et de Wattpad par exemple. Par ailleurs, ces trois plateformes ne sont pas uniques. Il reste encore à voir quels sont les enjeux de classements, de prise de position sur des plateformes comme Tumblr, Commaful, Quotev, Livejournal, etc. Une autre question que nous pourrions poser dans le cadre de cette recherche concerne notamment la reconduction de la violence symbolique par la fanfiction. Considérant le contexte de production de plusieurs objets culturels à l’origine de fandoms, il n’est pas rare de retrouver dans le contenu d’origine des formes de violence symbolique envers les femmes, les groupes marginalisés, etc. La série Twilight, par exemple, a été à l’origine de maintes divergences quant à l’interprétation du système de valeurs mis de l’avant. L’ambiguïté de la diégèse fait en sorte que le texte peut être lu comme un récit conservateur qui renforce des rôles genrés et des valeurs traditionnelles comme l’abstinence avant le mariage, mais peut être aussi abordé comme un texte qui prône la rébellion contre les systèmes conventionnels (Paris, 2016). Par le fait même, la fanfiction Fifty Shades of Grey née de Twilight reconduit ce paradigme polémique. Ainsi, il serait pertinent de porter une attention plus minutieuse aux fanfictions produites afin d’identifier le rapport des fans à la violence symbolique. La fanfiction est-elle réellement un outil pour pallier la violence symbolique comme semblent le sous-entendre certaines études queers qui s’intéressent au phénomène de queer-baiting dans les médias ? (Floegel, 2020) D’une plateforme à une autre, la conscience de la violence symbolique chez les fans varie-t-elle ? En fin de compte, la fanfiction est un univers qui nous renseigne sur les pratiques littéraires et culturelles d’un public qui a soif de participer à l’effervescence de sa communauté. Réhabiliter la fanfiction et l’amateurisme dans les champs de production culturelle, c’est réhabiliter aussi l’individu dans sa culture, c’est redonner propriété à tout un chacun sur les histoires et les mythes qui ont constitué notre imaginaire collectif. C’est ramener, dans nos pratiques quotidiennes, le bonheur du conteur et son auditoire.
Notes
1. Le terme fandom vient de la fusion entre les termes «fan» et «domain» plutôt que «kingdom» comme on a tendance à le croire. Le fandom représente la communauté qui entoure un objet culturel: un film, un roman… D’une part, le monde de la fanfiction est régi, majoritairement, en anglais. D’autre part, les recherches et les écrits savants concernant la fanfiction, encore très peu étudiée dans les domaines francophones, sont principalement en anglais. En ce sens, nous privilégierons les termes anglais qui n’ont pas de réels équivalents en français et qui sont plus susceptibles d’être employés dans le monde élargi de la fanfiction.
2. Le canon des fans. Par exemple, un personnage hétérosexuel dans le canon pourrait être considéré comme homosexuel dans le fanon. Il y aurait alors consensus entre les fans à ce sujet.
3. Dans le champ littéraire, par exemple, deux auteurs prolifiques, Diana Gabaldon et George R. R. Martin, se sont publiquement positionnés contre l’appropriation de leurs univers fictifs dans le souci de défendre ce qu’ils considèrent être leur propriété intellectuelle sous les lois du droit d’auteur. Toutefois, suite à l’adaptation à la télévision de leurs œuvres littéraires, ils ont adopté des postures moins rigides face à la fanfiction ayant eux-mêmes ouvert la voie à la transposition de leur création à d’autres sphères de production culturelle.
4. Au fil de nos recherches, nous n’avons pu trouver que très peu d’instances appartenant au champ littéraire francophone (article de revue, billet dans un carnet de recherche, etc.) qui faisaient mention de la fanfiction en tant qu’objet littéraire ou en tant que phénomène littéraire. Dans le champ littéraire francophone, la fanfiction ne semble pas du tout exister. Néanmoins, la plateforme AO3 se démarque sur ce point dans la mesure où, en 2019, elle est devenue récipiendaire du prix littéraire Hugo. Ce prix littéraire très prestigieux dans le champ littéraire anglophone célèbre les meilleurs récits de science-fiction et de fantasy de l’année. Ainsi, les seules mentions de la fanfiction que nous avons pu trouver dans le champ de production culturelle francophone proviennent de divers articles abordant la réussite de la plateforme AO3. Nous avons choisi de ne pas aborder plus largement ce phénomène dans la mesure où il nous semble que pour pouvoir produire une analyse juste et pertinente, il faudrait d’abord se tourner vers les particularités qui différencient les champs littéraires francophones et anglophones. Nous tenions à souligner cet événement marquant dans le monde de la fanfiction, mais les postulats émis ne sont pas invalidés cette donnée aberrante. (Dulieu, 2019; Tual, 2019)
5. Parce qu’elle existe dans des plateformes à part, la fanfiction n’a pas a répondre aux exigences du marché de production culturelle. La plupart des plateformes de fanfiction sont fondées et gérées par des fans. Par ailleurs, celles-ci sont souvent aussi financées par ces derniers. En ce sens, ils n’ont pas à répondre aux besoins d’investisseurs ou autres. Dans la plupart des cas, les fans élaborent les codes de fonctionnement et de valeurs de ces plateformes d’où cette autonomie dont il est mention.
6. La série Fifty Shades of Grey de E.L. James est née d’une fanfiction de la série littéraire Twilight. En ce qui concerne After, il s’agit plutôt d’une fanfiction qui relève du domaine du «real person fiction» puisque l’autrice Anna Todd a écrit son récit sur Wattpad à propos du chanteur Harry Styles.
7. Nous entendons ici le terme «texte» dans un sens très large qui englobe les autres objets culturels à l’origine de fanfiction comme les séries télévisées, les films, etc.
8. Toutes les figures sont inclues dans le document disponible en téléchargement.
9. La plateforme Tumblr est, avant tout, une plateforme hébergeant des blogues personnels et n’a pas pour but d’être un lieu de partage pour les fans de la fanfiction. Ainsi, il serait très difficile de tirer de quelconques conclusions sur les enjeux reliés à notre sujet sur une telle plateforme puisque la recherche systématique est extrêmement ardue.
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Futurs queer
Dans le cadre de cet épisode, Elaine Després reçoit Marion Gingras-Gagné, Lisa Haristoy et Hélène Machinal pour discuter de romans de science-fiction futuristes qui proposent des conceptions alternatives du genre féminin. Elles abordent notamment Le Silence de la cité et Chroniques du pays des mères d’Elisabeth Vonarburg, The Stone Gods et Frankissstein de Jeannette Winterson, Salt Fish Girl et The Tiger Flu de Larissa Lai, L’Ordre et la Doctrine de Marie-Josée Martin et Wollstonecraft de Sarah Berthiaume.
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Le (dernier) jour de la Terre et les éco-catastrophes
Elaine Després, Antonio Dominguez Leiva, André-Philippe Lapointe, Jérémy Cornec et Claire Le Gall reviennent sur la longue histoire de ces récits de catastrophes écologiques, puis abordent leur temporalité, la figure de Cassandre, la représentation télévisuelle de la catastrophe et les tentatives de reconstruction sous la forme de communautés féministes postapocalyptiques. Pour ce faire, ils abordent plusieurs oeuvres telles que les films Don’t Look Up et Jurassic Park, les séries Chernobyl et Into the Night, et les romans Timescape, The Friend of the Earth et The Carhullan Army. Une version un peu sombre du jour de la Terre, mais non sans optimisme!
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«Blonde et Légale»
«Je vais vous montrer de quoi Elle Woods est capable.» (Robert Luketic, 42:37-42:43)
La culture pop a longtemps été produite afin de servir les intérêts des hommes blancs occultant les femmes, sauf à de rares exceptions où on pouvait les voir dans des représentations de victimes d’hypersexualisation ou de misogynie. Depuis quelques années, tout en reconnaissant que bien du chemin reste à parcourir, on constate l’apparition de personnages féminins forts et dignes dans des textes importants et respectés de la culture populaire. Ce nouvel archétype féminin est bien différent de l’ancien, car la femme est dépeinte comme étant à la fois douce et féminine, mais aussi rusée et imparfaite, prête à surmonter les barrières qui lui sont fixées par une société patriarcale. Bien que souvent catégorisée comme une autre comédie romantique dénuée de sens, Blonde et Légale (2001) de Robert Luketic est l’un des textes pionniers de la culture populaire en ce qui concerne la représentation du nouvel archétype féminin qui met en scène une femme charmante et astucieuse, une guerrière des temps modernes en plus d’une amante contemporaine.
Elle Woods, la protagoniste de ce film, à la fois séduisante et intelligente, véhicule une féminité qui n’est pas réductrice. D’entrée de jeu, elle se fait larguer par son petit ami Warner, futur étudiant à Harvard. Elle rebondit et réussit à être admise à la Faculté de droit à son tour, mais elle est toujours considérée comme la blonde stupide stéréotypée. Malgré cela, elle parvient à décrocher un stage convoité et remporte finalement un procès important. Sa féminité est un atout et n’est pas supprimée pour s’adapter à un moule ou à un trope populaire. Au contraire, elle démontre que les femmes contemporaines ne sont pas limitées à une simple existence ordinaire. Elle Woods a des traits de personnalité bien féminins et, par le fait même, correspond aux normes sociétales de beauté. Par exemple, sa garde-robe se compose principalement de tout ce qui est rose et scintillant. Par ailleurs, son style sert de critique à une construction assez exclusive du féminisme. En effet, les rivaux de Woods aimeraient croire que sa garde-robe rose et le nuage doux au-dessus de son stylo indiquent qu’elle n’est pas aussi intelligente qu’eux, et qu’elle n’a alors pas sa place parmi eux (Kelly A. Marsh, p.203). Elle prouve plutôt, tout au long du film, que le féminisme et la féminité ne doivent pas être séparés (Jazmine M. Moreno, p.17). Luketic entérine cette qualité bien au-delà de la garde-robe de Woods: l’étudiante en droit utilise ses connaissances de la beauté pour devenir une bonne avocate. En effet, le film va à l’encontre de la notion galvaudée et limitative qui est toujours si présente dans la culture populaire selon laquelle «soit elle peut choisir d’être féminine, soit elle peut choisir d’être compétente, mais elle ne peut pas être les deux». (ibid., p.84). Dans le procès pour meurtre du mari de Brooke Windham, Hayworth Windham, Woods gagne finalement le procès en attrapant Chutney Windham, sa fille, dans ses mensonges lorsqu’elle déclare: «Au risque de désactiver le thioglycolate d’ammonium?» (Robert Luketic 1:26:19-1:26:23) L’agresseur s’était fait faire une permanente et ne pouvait donc pas se retrouver sous la douche lorsque le coup de feu a été tiré, ce qui lui a fait perdre son alibi. Woods représente bien sa cliente, car elle comprend l’industrie de la beauté et la condition féminine (Linda Holmes, 12:41-12:48). Elle démontre perpétuellement un féminisme girlie dans lequel elle est à la fois résolument féminine et compétente.
À travers ses relations et ses interactions avec d’autres femmes, Elle Woods illustre les qualités d’une guerrière des temps modernes et d’une Amazone. Les Amazones «incarnent l’extrême féminin hérétique et insoumis, et leur caractère barbare souligne de manière moralisatrice la menace que représentent les femmes s’écartant des normes prescrites» (Fanie Demeule, p.11). Elle Woods est une leadeure positive dans sa communauté de femmes. Elle n’est pas aussi agressive que l’Amazone traditionnelle (Heidi-Jo Davis-Solyu, p.115), et incarne plutôt une version plus moderne de la guerrière: la Néo-Amazone. Ces femmes dépeignent une adaptation plus souple de l’Amazone: ce sont des guerrières contemporaines qui ne sont pas forcément hostiles aux hommes, mais se présentent comme émancipées et indépendantes (Fanie Demeule, p.21). Dans l’une des scènes du film, ce qui commence par une visite réconfortante dans un salon de beauté devient rapidement une marque de Woods, une Néo-Amazone qui montre à toutes les femmes au salon le Bend and Snap, qui les amène à acquérir une nouvelle confiance en elles. De manière plus concrète, elle offre une aide juridique à son esthéticienne et confidente, Paulette. En effet, ensemble, elles vont réussir à rapatrier le chien de Paulette que son ex-mari gardait, montrant la force de ces deux femmes guerrières au cœur brisé qui se réunissent. D’abord vus comme des femmes solitaires, ces personnages découvrent la force qui existe dans l’unité (idem). Les interactions de Woods avec son mentor, la professeure Stromwell, montrent également ses dispositions en tant que Néo-Amazone. Bien que semblant antipathique à première vue, Stromwell montre du respect à l’étudiante en la traitant sur un pied d’égalité et en la sortant de la classe pour ne pas avoir terminé les lectures assignées: «Elle part du principe qu’Elle est une étudiante sérieuse comme n’importe qui d’autre dans la salle et qu’elle devrait être tenue aux mêmes standards qu’eux» (Kelly A. Marsh, p.205). Plus tard, lorsque Woods veut quitter Harvard après avoir subi les avances déplacées de la part d’un professeur, Stromwell lui dit: «Si vous laissez un gros connard stupide bousiller toute votre existence, je serais très déçue d’avoir cru en vous» (Robert Luketic, 1:18:32-1:18:44). C’est d’une manière sévère et directe que la professeure encourage son étudiante, lui montrant un respect sans limites dans un champ dominé par les hommes. De même, la relation de Woods avec la nouvelle fiancée de Warner, Vivian, est initialement présentée de manière défavorable. Vivian est dépeinte comme un personnage féminin intellectuel traditionnel aux cheveux bruns, malveillant, qui utilise son style comme «une tentative de minimiser sa sexualité» (Kelly A. Marsh, p.205), ce qui renforce l’idée que les femmes n’ont pas leur place en droit. Plus l’histoire évolue, plus Vivian discute avec Woods et commence à comprendre sa collègue et rivale. Woods se met alors à encourager la féminité de Vivian, ce qui aura comme résultat le rejet de Warner, par toutes les deux, montrant une fois de plus le pouvoir des femmes qui se regroupent telles les Néo-Amazones.
Woods incarne également le nouvel archétype féminin à travers ses interactions avec les hommes dans un domaine académique et professionnel dominé par ces derniers. En effet, elle suit son ex-petit ami Warner à Harvard dans l’espoir de le reconquérir, mais lui montre qu’elle est bien plus qu’une blonde idiote en remettant en question à la fois ce qu’il pense d’elle et de ses capacités. Elle Woods est une femme dévouée et travaillante, car même après que Warner lui ait déclaré: «Tu n’es pas assez intelligente mon cœur» (Robert Luketic, 27:18-27:23) elle parvient à obtenir une note de 179 sur son LSAT (ibid., 42:07-42:09) et à être admise à la Faculté de droit de Harvard. On apprend également plus tard que Warner était d’abord sur une liste d’attente, renforçant l’impression que la protagoniste mérite amplement sa place. Woods excelle dans ce qu’elle fait et ne s’excuse pas auprès des hommes qui se dressent sur son chemin. Dans une plaidoirie sur les droits parentaux accordés aux donneurs de sperme, elle affirme que «toute émission masturbatrice où le sperme par définition ne féconde rien est un abandon de paternité» (ibid., 48:26-48:33). À ce moment-là, non seulement défend-t-elle son point de vue d’une perspective féministe, mais elle réclame aussi le respect de ses pairs en leur montrant qu’elle peut penser comme une avocate. Par ses réflexions dans son cours d’éthique, Woods capte l’attention du professeur Callahan qui deviendra plus tard son mentor de stage. En l’acceptant comme stagiaire, Callahan donne à Woods l’impression qu’elle est digne et qu’elle mérite son poste. Cependant, au cours de ce stage, le professeur demande souvent aux femmes d’aller chercher son café et parle par-dessus elles, et par conséquent, les invalide, les objective et les minimise. Plus tard, Callahan va même faire des avances sexuelles à sa stagiaire et lui faire des attouchements sans son consentement, ce qui la déstabilisera et détruira sa confiance et son estime. Elle décidera alors de confronter son professeur:
Elle Woods: C’est quoi, une proposition?
Professeur Callahan: Vous êtes une jolie fille.
Elle Woods: Tout ce que vous venez de me dire . . .
Professeur Callahan: Je suis un homme qui sait ce qu’il veut.
Elle Woods: Et moi je suis une étudiante qui s’aperçoit que son prof est un pitoyable trou du cul (ibid., 1:15:35-1:16:02)Bien que sa réponse soit une démonstration de force, Woods demeure assez ébranlée et réfléchit à l’idée de quitter la Faculté de droit. Cette situation montre les dangers de l’inconduite sexuelle sur le lieu de travail qui va bien au-delà de l’acte et peut ruiner l’estime de soi.
Le film de Luketic met également en vedette des personnages masculins comme Emmett, qui renversent le stéréotype selon lequel chaque homme qui réussit a derrière lui une femme qui reste immobile, qui est jolie, et qui l’aime inconditionnellement (Linda Holmes, 11:30-11:35 ). Emmett respecte Woods et lui dit: «Tu sais, être blonde ça te donne un pouvoir non négligeable. Tu as plus d’atouts en main que tu ne le crois. Personnellement, j’aimerais te voir assumer ce pouvoir» (Robert Luketic, 1:04:04). Les actions d’Emmett vont à l’encontre du récit patriarcal traditionnel qui dépeint les hommes comme dominants et nonchalants. Il encourage Woods et l’aide à réaliser son plein potentiel, avec amour et patience. À la fin du film, elle est élue major de promotion par ses pairs, ce qui témoigne de son succès à intégrer le monde des hommes et à être respectée par eux, malgré sa féminité ostentatoire qui l’aurait, normalement, empêché de gagner une telle considération, jetant ainsi les bases pour les générations futures.
Blonde et Légale de Robert Luketic présente un nouvel archétype féminin dans lequel les femmes sont à la fois féminines et intelligentes, présentent les qualités d’une guerrière Néo-Amazone et interagissent avec les hommes dans des domaines traditionnellement dominés par ces derniers, le fameux boys club, tels le droit et le monde universitaire. Bien que pionnière, la production n’est toujours pas à la hauteur en ce qui concerne la représentation des femmes, ainsi que de personnages marginalisés, racisés ou appartenant à la communauté LGBTQ+ dans la culture populaire. Blonde et Légale offre néanmoins aux spectateurs et spectatrices une perspective novatrice en mettant en scène une femme à qui s’identifier qui n’a pas besoin de prendre des attributs masculins pour réussir dans un univers masculin.
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Martine, une aventurière du quotidien
Dans cet épisode, Antonio Dominguez Leiva s’entretient avec la chercheure belge Laurence Boudart à propos de son plus récent ouvrage: Martine, une aventurière du quotidien, publié en mars 2021 dans la collection «La Fabrique des héros» aux éditions Les Impressions nouvelles. Ils abordent la naissance de Martine en tant qu’héroïne sans quête et sans péripéties en plein cœur des Trentes glorieuses et son évolution au fil des décennies. Pour plus d’information sur l’ouvrage, consultez le site officiel de l’éditeur.
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«The Queen’s Gambit»
Dans cet épisode de la série Pop-en-stock transatlantique, Elaine Després (animation), Hélène Machinal (co-animation), Stéfany Boisvert, Jean-François Chassay, Anaïs Lefevre-Berthelot et Anne-Martine Parent discutent de la mini-série Netflix, The Queen’s Gambit (2020) de Scott Frank et Allan Scott, adaptée du roman éponyme de Walter Tevis. Ils abordent la représentation des échecs, de la dépendance, mais aussi du positionnement féministe (ou non) de la série, sa structure classique, son traitement des couleurs, de l’histoire et de la culture populaire, etc.
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Communautés web et activisme numérique
Face aux grands bouleversements amorcés en Occident par l’industrialisation et l’entrée dans la modernité, de nombreux penseurs issus des disciplines tant anthropologiques que philosophiques, économiques ou sociologiques, ont proclamé, non sans amertume, le passage d’une culture essentiellement folklorique et populaire, à une culture dite « de masse ». Dès le XIXe siècle en effet, l’on assiste à une mutation des éléments de la culture populaire traditionnelle, qui change de mode de production et de diffusion, sous l’impulsion notamment de nouvelles techniques de communication (d’abord la presse, ensuite la radio, puis la télévision) qui vont relayer l’information de manière massive et influencer les productions artistico-culturelles à chaque époque. La culture populaire ou culture de masse selon l’angle à partir duquel on l’observe (comme contenu ou comme structure), soit cette « culture d’une société en tant qu’elle ne s’identifie pas à ses élites[1] » se transforme dès lors au gré des mutations sociales, économiques et politiques des sociétés modernes. Que l’on observe ces mutations d’un œil « apocalyptique » ou « intégré[2] », force est de constater que cette culture venue du peuple, change sans cesse de support, d’angles, de priorités, et que ses produits se reconfigurent à chaque époque, pour venir épouser les contours de réalités nouvelles. J’aimerais me focaliser ici sur certaines manifestations contemporaines de ces mutations du populaire, à l’heure d’Internet et du numérique.
À ce propos, Alice Marwick résume la pensée de plusieurs chercheurs et chercheuses qui pressentent aujourd’hui le passage d’une société de consommation (maintes fois décriée notamment par l’École de Francfort et les situationnistes) à une société de production[3]. Cette logique se cristallise en particulier dans la transition du Web 1.0 au Web 2.0 : d’un internet statique, conçu uniquement pour la lecture, sans échange aucun entre professionnels du web et particuliers, on transite alors peu à peu vers un web participatif, social, qui incite au partage et à l’échange d’informations. Actuellement, on assiste même à la mise en place d’un Web dit 3.0, car axé sur la personnalisation des composantes du net. En effet, le contenu des sites est aujourd’hui extrêmement personnel, personnalisé et personnalisable grâce au partage de données, ce qui incite les internautes à militer, s’éduquer, prendre des engagements au sein d’une communauté qui partage les mêmes valeurs qu’eux[4]. Nous sommes bien loin en effet de cette passivité absolue des consommateurs face à leur écran, dénoncée à grands tirs par les intellectuels du siècle dernier.
C’est sur cette dimension participative de la culture sur Internet que je me pencherai ici, en interrogeant en particulier la manière dont de nouvelles formes de productions culturelles, issues du Web, permettent la mise en place de communautés sociales, culturelles et politiques. Par l’expansion et la diffusion sans précédent des contenus qu’il autorise, le Web actuel contribue fortement au dynamisme culturel moderne, incitant les objets populaires à se réinventer constamment, en prenant de nouvelles formes comme en choisissant de nouveaux canaux de communication et de diffusion, ce pour rester toujours au top des tendances et stimuler l’intérêt d’un public qui consomme les contenus médiatiques comme jamais. À cet égard, j’étudierai les « memes[5] » numériques en tant que mutations du populaire, dans la mesure où ces “piece[s] of culture, typically a joke, which gains influence through online transmission[6]” m’apparaissent comme la meilleure illustration de la dynamique participative d’Internet. Ces éléments culturels (tant des images, que des musiques, des citations, ou des vidéos) n’existent effectivement que par l’interaction entre des contenus populaires et des internautes. Plus précisément, je me focaliserai sur les memes féministes, qui, à l’instar de nombreux autres memes prenant pour thème les luttes identitaires et sociopolitiques, sont créateurs de réseaux, voire de communautés web qui se rassemblent ici sous l’étendard de la lutte, humoristique ou plus sérieuse, contre le sexisme, la misogynie, le patriarcat etc. À la suite de Carrie A. Rentschler et Samantha C. Thrift, j’argumenterai que les capacités de réseautage et de distribution de certaines plateformes en ligne, “cultivate new modes of feminist cultural critique and models of political agency for practicing feminism through meme production and propagation[7]”. Après avoir établi un bref historique des origines du meme numérique, je le relierai à plusieurs mouvements sociaux qui l’utilisent comme arme critique de la société et de ses biais rétrogrades (sexistes, racistes, homophobes, entre autres). Enfin, j’analyserai plus en détails quelques exemples de memes féministes, ce pour mettre en évidence leur potentiel politique et rassembleur.
Petit historique du même : mémétique et politique
La première occurrence du terme « meme » (qui se prononce « mème » en français et se distingue du terme « même ») apparaît dans les théories évolutionnistes du biologiste Richard Dawkins. Ce dernier, analysant les modalités de transmission du matériel génétique, en vient à affirmer que le matériel culturel se propage de manière similaire, suivant une logique d’imitation du comportement d’une personne par rapport à une autre. Dans ce contexte, les memes renvoient alors à de “small cultural units of transmission” qui, suivant le principe de propagation des gênes, “flow from person to person by copying or imitation[8]”. Il identifie par la suite trois éléments essentiels à une réplique génétique/mémétique réussie : la copy-fidelity, comprise comme la capacité à répliquer fidèlement; la fecundity, qui renvoie à la vitesse à laquelle la réplique est proposée; et la longevity, soit la stabilité du meme dans le temps[9]. Cette première entreprise de théorisation du phénomène social que représente le meme, scruté ici sous la lunette scientifique et dans un contexte pré-Internet, verra émerger dans les années 1990 la discipline « mémétique », approche qui, dans la lignée de Dawkins, cherche à penser les phénomènes socioculturels en termes évolutionnistes. Bien que la discipline soit regardée avec fort dédain par les sociologues, anthropologues et autres scientifiques, elle marque une étape dans l’étude des objets culturels que constituent les memes, puisqu’elle tente, sans franc succès il faut l’avouer, d’en faire des sujets d’études crédibles et pertinents pour de nombreuses disciplines. Propulsé dans nos interactions quotidiennes par le développement du Web accessible à tous, le meme occupe de plus en plus de place dans le champ académique et mobilise aujourd’hui les chercheurs et chercheuses de tous bords qui voient en lui un reflet de nos modes contemporains d’interactions.
Caractérisé par son fort potentiel de transmission, de diffusion, soit de « viralité », le meme tel qu’il se développe avec le numérique, consiste en la réappropriation d’un matériel visuel (images, extraits de films ou de clips) ou audio (discours, phrases de personnalités publiques etc.) par un individu, puis par une communauté qui va le faire circuler massivement. Il apparaît alors comme une forme de discours quasi-littéraire selon Jean-Michel Berthiaume qui le décrit comme « un texte, une œuvre d’art, une expression individuelle qui existe entre l’art visuel, l’art conceptuel et l’art post-internet[10] » et vise à être diffusé à un plus large public. Cette conception du meme en tant que discours littéraire nous montre bien que celui-ci constitue une sorte de mutation du populaire, en tant que reconfiguration contemporaine d’une forme ancienne sur un nouveau support. Ici, cependant, la dimension participative est essentielle, car il ne s’agit pas simplement de produire une œuvre destinée à un public particulier qui va la recevoir plus ou moins activement. Au contraire, tout l’enjeu des memes est d’inciter à la réplique, à la réappropriation infinie du gabarit originel. Pour reprendre les mots d’Alice Marwick, il importe de distinguer deux types de memes, soit les “viral videos [or images]” et les “memetic videos [or images]” : “while some memes are just trendy pictures or videos that get passed around verbatim, others encourage a type of iteration, imitation, parody, and satire that can spawn literally thousands of variants. Memes, then, can become raw material for creativity[11]”. Bien sûr, les objets devenus memes ne sont pas à l’origine destinés à cet usage, puisque tout meme est en principe « détournement » d’un objet primaire pour y apposer un sens secondaire. À l’image des situationnistes qui revendiquaient le « détournement » des objets culturels de l’élite à des fins transgressives, l’enjeu du meme contemporain est bien “the subversion of dominant meaning by ‘rerouting spectacular images, environments, ambiances, and events’ (Lasn, 1999; 103) in order to ‘[give] new meaning to the images – a meaning that carries a political message or social commentary’ (Pickerel et al., 2002; n.p. ; see also Debord, 1967)[12],” comme l’expliquent Rentschler et Thrift.
L’exemple le plus probant de cette pratique du détournement, à leur insu, d’éléments issus de la culture, pour les subvertir et en changer complètement le sens, est la réappropriation totale, par des groupuscules suprémacistes blancs, du meme « Pepe the Frog ». Cette grenouille verte, personnage principal de la série de bandes dessinées réalisée par Matt Furie, Boy’s Club, donne dans un premier temps lieu au meme « Feels Good Man », puis à son corollaire « Feels Bad Man ». Les multiples images macros[13] de Pepe se répandent comme une traînée de poudre sur le web, jusqu’à être utilisées par des célébrités comme Katy Perry et Nicki Minaj pour exprimer des sentiments allant de la frustration, à la tristesse, en passant par la colère et la suffisance. C’est d’ailleurs cette dernière expression qui voit grandir la popularité du meme de Pepe, et l’amène aux portes des mouvements de la droite alternative (alt-right) étasunienne. Le meme devient rapidement un symbole du suprémacisme blanc, du néonazisme (pensons aux memes dépeignant Pepe avec une moustache et une croix gammée sur le bras), car il sert non plus à l’expression d’émotions brutes, mais à la revendication d’idéologies racistes, islamophobes, antisémites, misogynes etc. Notons que le fait que Donald Trump, à l’époque encore en lice pour la présidentielle de 2016, tweet un meme de Pepe, grimé en lui-même aux portes de la Maison Blanche, participe à en faire un symbole politique clair que vont immédiatement s’approprier les trumpistes. Le créateur de la bande dessinée devra carrément prendre la parole publiquement pour se distancier de ces détournements de son œuvre et des discours haineux qu’ils propagent. La récupération totale de Pepe the Frog par des mouvements d’extrême droite[14], au point qu’aujourd’hui le meme reste entièrement associé aux idéologies problématiques qu’ils font circuler[15], met bien en évidence le pouvoir du détournement numérique, qui transforme malgré eux des objets culturels en les dotant de significations nouvelles et parfois radicalement éloignées de celles qu’ils exprimaient à l’origine.
Ceci nous amène à considérer le caractère éminemment politique du meme, et ce, peu importe son contenu. Comme bien d’autres penseurs et penseuses qui s’intéressent à ces phénomènes numériques, Jean-Philippe Baril Guérard souligne la fonction de divertissement, d’information, mais aussi de critique et de mobilisation des memes, dont le potentiel politique s’illustre notamment durant la campagne québécoise de 2018[16]. Le meme relaie selon lui une idéologie, et peut même à certains moments, comme on l’a vu avec l’exemple de Pepe the Frog, s’immiscer dans la vie politique et l’influencer (en renforçant une base électorale, ou encore en incitant certaines communautés à ne pas aller voter comme ce fut le cas aux États-Unis en 2016). Baril Guérard identifie d’ailleurs plusieurs autres caractéristiques des memes : ils ont toujours une cible, leur format est bref, ils incitent à la créativité des internautes, ils sont contextuels et formatés par les centres d’intérêt individuels. Ce dernier aspect nous renvoie au concept de « filter bubble[17] », développé par le militant d’Internet Eli Pariser, pour décrire la manière dont l’information sur le net est filtrée et personnalisée avant de parvenir à l’internaute, ce qui a pour effet d’isoler ce dernier ou cette dernière en l’installant dans une « bulle » unique, construite pour sa personnalité propre par les algorithmes et ses choix de navigation. Ce faisant, nous aurions tous et toutes accès à une version différent du Web, que ça soit sur les moteurs de recherche comme Google ou sur les réseaux sociaux comme Facebook, Twitter ou encore Instagram. Cette sélection d’informations fait en sorte que nous accédons presque uniquement à un contenu qui reflète nos centres d’intérêts, notamment idéologiques et politiques. Le concept de « filter bubble » nous permet dès lors de comprendre la dynamique technique grâce à laquelle des communautés d’intérêt peuvent se former autour de certaines memes : le fait que des groupes sociaux se rassemblent autour de memes ne serait donc pas uniquement le fruit de leur libre-arbitre, mais dépendrait aussi du fonctionnement actuel d’Internet qui fait en sorte que les individus accèdent en priorité à l’information et aux opinions qui leur ressemblent. Ces éléments considérés, voyons maintenant comment et pourquoi des « niches de sous-cultures » se forment par et à travers les memes et les discours politiques qu’ils transportent.
Memes, communautés et mouvements de justice sociale
Si le contenu web auquel nous accédons est filtré par des algorithmes et grâce aux données que nous offrons en masse aux sites ou plateformes médiatiques, force est de constater que cela a un impact sur nos interactions en ligne. C’est-à-dire que les bulles de filtres ont pour effet, dans le cas du meme comme pour d’autres phénomènes culturels numériques, d’orienter notre appréhension et notre compréhension de ces objets. Les internautes vont alors s’exposer à un contenu mémétique qui correspond à leur cercle idéologique, et une fois sortis de ce cercle, auront sûrement plus de mal à saisir d’autres types de memes, ou du moins, ne les apprécierons pas de la même manière[18]. Si, par exemple, je suis habituée quotidiennement à du contenu antiraciste et féministe diffusé par des comptes que je suis sur Instagram, une virée sur 4Chan risque de m’ébranler, car le forum est réputé pour ses contenus antiféministes et son utilisation à outrance de « l’humour noir ». Pour illustrer ce phénomène avec des exemples moins radicaux, j’ai recensé quantités de pages (Facebook et Instagram, principalement) qui ont pour visée la création de contenus destinés à des initiés, soit à des internautes friands d’un type de memes particulier. C’est d’ailleurs le sens de la distinction opérée par Jean-François Provencal entre d’une part les gabarits dits « normies », gabarits usés et mainstream qui vont toucher un grand public; et d’autre part, les « memes de sous-cultures nichées[19] ». À l’image de certains films ou œuvres musicales indépendantes qui, au siècle dernier, attiraient exclusivement un public initié, s’opposant par là aux blockbusters et à la musique populaire, les memes numériques se segmentarisent, se spécialisent, et cherchent tantôt à attirer le plus large public possible à l’aide d’une diffusion massive de gabarits souvent postdatés, tantôt à rejoindre des groupes spécifiques et plus critiques de cette pratique.
C’est le cas notamment de groupes Facebook qui publient exclusivement des « antimemes » ou des « metamemes » et réfléchissent de l’intérieur la pratique et le discours mémétiques : à titre d’exemple, le groupe Facebook privé Neurchis d’antimemes, créé en réaction au groupe Neurchis de memes, rassemble près de 68 000 membres. Il se définit comme « LE groupe antimemique joyeux et non-oppressif », et incite les internautes à publier du contenu « anti », « meta », « crossover », ou « tout autre meme inclassable, inhabituel, expérimental ou hasardeux ». Plus encore, le groupe affiche clairement sa position de subculture, puisque la description mentionne que « l’antimeme est un marché de niche, il court moins les internets que son grand frère le meme, alors soyez créatifs ! Ne pas faire beaucoup de likes ne veut pas forcément dire que c’est si nul que ça, c’est peut-être même le contraire : ici mieux vaut peu de likes, mais les bons[20]. » Tout l’enjeu est là : il ne s’agit pas de publier un contenu facilement likable et creux, mais plutôt des pièces de qualité qui subvertissent le genre du meme soit en lui enlevant sa chute humoristique (« antimeme pur »), en détournant des templates pour proposer une chute différente de celle attendue (« reverse meme »), en décrivant littéralement ce qui figure sur le template (« littéral »), en transcrivant littéralement une expression métaphorique connue avec une image (« littébadpun »), en renversant les codes traditionnels du « meme game » pour faire rire (« meme absurde »), en allant à contresens de la réalité (« anti-reel »), et en jouant sur la forme et non sur le fond comme c’est le cas des memes classiques (« meta et crossovers »)[21]. La pratique mémétique prend ici une autre tournure, bien loin de l’aspiration à la viralité qui a pu la caractériser dans ses débuts, et, à l’instar de la littérature, devient métadiscursive et auto-réflexive.
Neurchi d’Antimemes s’inscrit dans la lignée de bien d’autres pages Facebook ou Instagram qui se chargent de publier du contenu spécialisé et original sous le mode du « neurchi de » (les groupes privés Neurchi de memes d’Actualités, Neurchis de memes sur template inadaptés, Neurchi de How I Met Your Mother) ou du « memes pour[22] ». Cette deuxième catégorie de pages est celle qui m’intéresse le plus, dans la mesure où elle présente non seulement du contenu mémétique destiné à un public précis, mais participe aussi à l’affirmation d’identités marginalisées qui se rassemblent au sein d’une communauté en ligne. Pour le dire autrement,
[n]ew participatory digital technologies have facilitated a dramatic shift in minorities’ accessibility to public discourse. In recent decades, virtual public spaces have become significant sites for collective identity formation (void, 2008; Jenkins, 2006); even more so regarding LGBTQ identities (Gross, 1998, 2001). Digital media enable such groups to gather in alternative public spheres, creating narratives that deviate from the dominant-hegemonic line (Goltz, 2013; Gray, 2009a). Participatory media – relatively accessible, mutual, less mediated, and less supervised – has raised the expectation for diversified representation of identities (Jenkins, 2006; Phillips, 2013; Rybas and Gajjala, 2007.)[23]
Selon Shifman et al., le meme numérique devient donc un outil discursif permettant notamment la narration de soi, et c’est pourquoi il apparaît d’autant plus essentiel pour des communautés minorisées, exclues des privilèges de la culture dominante et qui n’ont généralement pas droit à une voix politique publique. Prenant le cas de la communauté LGBTQIA2S+, Shifman et al. analysent le meme « It Gets Better » en tant qu’il constitue un safe place pour les internautes appartenant à cette communauté, leur permettant de témoigner de leur vécu du harcèlement, des violences physiques et sociales, ainsi que de leur vie après ces violences. Plus encore, la reprise mémétique de la vidéo originale « It Gets Better » par des centaines de personnes, illustre le fait qu’un meme part toujours d’un modèle de base, le template, qui va être soit imité (complaisance face à la norme) soit détourné (subversion). Le meme apparaît ici comme un acte performatif qui permet aux personnes qui s’y reconnaissent de déplier leur identité, sans tout le backlash qu’elles subiraient certainement en publiant ce contenu sur un autre support (un réseau social, par exemple).
Le cas des répliques mémétiques de la vidéo « It Gets Better » nous renseigne une fois de plus sur la nécessité pour certains groupes de créer des espaces « autres », « alternatifs », au sein desquels les membres peuvent exprimer leurs identités, mais aussi déployer leurs critiques idéologiques, sociales et politiques. Une simple recherche Instagram m’a permis de recenser plusieurs comptes dits « de niches », mais qui cette fois publient du contenu éminemment politique, pas juste humoristique. Les pages de type « memes pour » se divisent donc grossièrement en deux catégories : d’un côté, celles qui ne sont là que pour relayer des blagues portant sur certaines thématiques; de l’autre, celles qui vont axer leur contenu sur la critique sociopolitique, non sans humour et ironie, mais avec une visée plus sérieuse et iconoclaste. Bien sûr, des pages Instagram comme @best_of_grindr ou @desmemesgais font de l’humour leur pierre angulaire. Mais la démarche même de créer une page destinée avant tout aux membres de la communauté LGBTQIA2S+, dont les référents culturels sont issus et que le contenu macro cible directement, a quelque chose de politique, puisque cela témoigne d’une volonté de créer un espace à soi, où les internautes vont se comprendre entre eux et limiter les micro-agressions et le harcèlement qui viendraient avec une publication plus mainstream de ces contenus. Pareillement, j’ai dénombré plusieurs pages qui se revendiquent cette fois directement d’une obédience politique de gauche et militent pour la justice social, telles que @memes.socialistes.gourmands, @seize_the_memes, @sassysocialistmemes, @memesforequality, ou encore @intersectionalmemes et @antiracism_memes. Cela aura des conséquences sur la forme même des contenus : au lieu des images macros caractéristiques du détournement mémétique, on retrouve davantage, sur certains de ces comptes, de captures d’écran de tweets, ou de reposts d’autres pages Instagram qui n’ont pas toujours des allures de memes classiques, mais empruntent toutefois à ceux-ci leur logique de détournement, de réappropriation et de subversion.
Outre les noms, qui renvoient explicitement au socialisme ou à l’antiracisme, le contenu même se caractérise par son approche critique de tous les biais sexistes, homophobes, racistes, xénophobes et autres des politiques de droite et de la société capitaliste. La critique du capitalisme est d’ailleurs, et sans surprise, particulièrement forte au sein des pages énoncées plus hauts, où les références au communisme et à la figure de Marx fusent, proclamant la fin à venir de ce régime mortifère. D’un meme de Mariah Carey en tenue de Noël, où sa célèbre chanson « All I Want for Christmas Is You » devient « All I Want for Christmas Is La chute du capitalisme »; on passe à des images macros plus radicales qui mettent en scène le visage de Staline avec pour légende « Jesus Christ in the 20th century »; ou encore la figure de Karl Marx en opérateur téléphonique qui explique à la personne à l’autre bout du fil que « Your problem is due to capitalism. Any other questions that I can help with? ». Sur d’autres pages, l’enjeu n’est pas tant l’affiliation à un parti ou à des idéologies politiques, que la revendication de pratiques militantes intersectionnelles et du respect de toutes les identités (de genre, de race, de classe etc.). Par exemple, la page @memesforequality milite pour les droits de l’ensemble de la communauté LGBTQIA2S+, publiant beaucoup de contenu sur les enjeux trans, souvent oubliés des luttes mainstreams. Au moment des grosses manifestations Black Lives Matter l’été dernier, la page relayait également des memes ciblant les personnes noires trans, soulignant fortement l’apport de ces populations aux luttes LGBTQIA2S+ en général, laissé de côté par les mouvements plus blancs et cisgenres.
Cet aperçu global et sommaire des diverses niches numériques, qui se créent autour non seulement de centres d’intérêts, mais aussi d’identités marginalisées, doit maintenant m’amener à une analyse plus poussée d’un cas précis, qui illustre beaucoup des enjeux énoncés jusqu’ici : celui des memes féministes, et de leurs lieux d’émergence et de prolifération. Maintenant que j’ai démontré cet aspect dynamique, participatif, identitaire et politique du meme, je serai plus en mesure de cerner les retombées sociopolitiques de certains memes féministes connus (et qui ont pour la plupart déjà été consacrés et analysés) et moins connus (plus récents et moins viraux), ce qui me permettra de mettre à jour le processus par lequel ces contenus ciblés permettent la mise en place de communauté, à l’aide d’outils numériques qui ne sont que les formes contemporaines d’objets et de mécanismes de la culture populaire.
Interroger les memes féministes comme outils de critique et de changement sociopolitiques
Comme cela a été le cas pour les autres pages mentionnées plus haut, j’ai recensé plusieurs comptes spécialisés dans la publication de contenu féministe, avec parfois une lunette antiraciste et gauchiste témoignant d’une volonté d’être le plus intersectionnel possible dans le matériel publié. Sur Instagram, j’ai entre autres dénombré : @memespourcoolkidsfeministes, @angryasianfeminist, @lobbygouine et @feministmemees. Pour ce qui est de Facebook, il y a plusieurs groupes et pages comme Feminist Memes, Feminist Memes for Radical Women, Feminist Memes Reloaded, Leftist Memes For The Intersectional Feminist ou encore Anarcha-feminist Memes for Leftist Sunbeams. Dans la majorité des cas, ces pages relaient des images macros, des captures d’écran de tweets ou autres publications engagées, et l’humour n’y est pas le procédé de détournement central. Cela étant, ces pratiques actuelles et quotidiennes des memes féministes n’ont pas le potentiel viral, au sens où ils n’incitent pas autant à la réplique, que certains memes plus anciens, aujourd’hui rentrés dans les annales d’Internet et que nous allons observer dès maintenant. Une recherche sur la base de données Know Your Meme, à l’aide des termes « feminist » et « feminism », nous renvoie à pas moins de 245 résultats, au sein desquels j’ai sélectionné quelques exemples.
Parmi les plus connus des memes féministes, il faut mentionner la série d’images macros « Feminist Ryan Gosling », probablement “the ultimate male feminist meme construct[24]. Originaire de Tumblr, comme beaucoup des memes de l’époque, cette série d’images macro fait de l’acteur Ryan Gosling l’archétype du « good guy », soit de cet homme cultivé et conscientisé qui veut toujours s’attirer les faveurs des femmes et se présente pour cela comme un vrai féministe, usant à outrance des référents théoriques qui y sont associés. Autre exemple de meme aujourd’hui classique, le « Privilege Denying Dude », ce cliché de l’homme blanc hétérosexuel ayant un avis sur tout et qui « mansplain » (d’ailleurs un meme en soi) à outrance des personnes mieux placées que lui pour savoir de quoi elles parlent car elles vivent ces oppressions. Au centre de l’image macro, un jeune homme qui se tient les bras croisés et regarde avec suffisance devant lui, l’air de quelqu’un qui vient toujours mettre son grain de sel, archétype avant l’heure de cet homme qui, dès que la question des violences envers les femmes est évoquée, va commenter pour dire que #NotAllMen. Du « Privilege Denying Dude » on passe à la série de memes « Male Tears » qui représente des hommes en train de pleurer, et donne lieu au mouvement « I Sip On Male Tears », où des femmes se prennent en photos en train de boire dans une tasse sur laquelle est inscrite l’expression, avec des légendes conçues pour troller les hommes potentiellement (et très certainement) piqués par les clichés. « Male Tears » est une manière, pour les féministes, de se moquer collectivement des hommes (antiféministes en particulier), en tournant en dérision leur propension à tout ramener à eux et le backlash systématique qu’ils opèrent en ce qui a trait aux luttes et publications féministes. À ce propos, Shifman affirme que :
[…] in some cases memes are used in subversive ways, creating a “polyvocal” discourse in which various ideological standpoints are expressed. As elaborated below, we suggest that one way to measure the extent to which a specific meme has indeed created such a polyvocal discourse is variability: when the multiple versions created by numerous users significantly differ from each other, the potential for polyvocal discourse increases.[25]
Ici, en effet, c’est la plurivocalité qui donne au meme son potentiel subversif, le fait que l’image ou le concept de base soit repris des centaines de fois sous des formes diverses qui ne cessent d’en réactualiser le sens. « Male Tears » et « I Sip On Male Tears » n’ont d’effet sur le public qui les reçoit que parce qu’ils donnent lieu à un phénomène, un véritable événement lors duquel, de réplique en réplique, de réappropriation en réappropriation, le meme quitte la bulle féministe et arrive dans les sphères masculines et masculinistes. Puisque c’est l’union qui, ici, fait la force, les femmes et féministes qui participent au mouvement se protègent à l’avance, collectivement, du backlash qu’elles recevront très probablement pour avoir osé critiquer et se moquer des hommes, en les mettant tous dans le même panier. La plurivocalité est d’autant plus essentielle dans le cas de memes comme « Who Needs Feminism? » qui a pour objet premier de faire entendre une pluralité de voix de personnes qui s’expriment publiquement sur les raisons pour lesquelles elles, individuellement, ont choisi d’être féministes. Tenant des pancartes maisons entre leurs mains, sur lesquelles sont écrits des messages variés et éminemment personnels, elles déclarent, panneau après panneau, meme après meme, ce pourquoi elles ont besoin du féminisme. Contrairement à une image macro qui userait du principe de détournement pour tourner en dérision ou critiquer les hommes et le patriarcat, ce genre de meme fait du personnel le politique puisque c’est le vécu individuel qui donne matière à la prise de position publique et collective. Chaque personne qui participe à « Who Needs Feminism? » inscrit sa personnalité au sein du mouvement (qui est par la suite internationalement repris et encadré par des institutions), en écrivant de ses mains sur une feuille de papier et en dévoilant son visage à tout le monde. Le meme n’a donc plus rien d’anonyme mais, au contraire, il fait des singularités des arguments venant nourrir le collectif et appuyer un discours politique fort et partagé par celles et ceux qui s’identifient au féminisme.
Dans leur étude « Doing feminism in the network: Networked laughter and the ‘Binders Full of Women’ meme », Carrie A. Rentschler et Samantha C. Thrift s’intéressent à la manière dont “feminist memes create online spaces of consciousness raising and community building[26]” en mobilisant la capacité à la réplique comme engagement des subjectivités féministes. Selon ces chercheuses, le meme « Binders Full of Women », très connu aujourd’hui, utilise l’humour comme une arme culturelle critique en diffusant massivement un mode de réponse féministe aux élections de 2012 et aux discours publics misogynes environnants, ce qui a pour effet de créer un public féministe dans des espaces incongrus ou inhabituels. Dérivant d’une prise de position très maladroite du candidat républicain à la présidentielle de 2012, Mitt Romney, « Binder Full of Women » devient très rapidement un meme grâce à Facebook, Tumblr et même Amazon.com, dont les sections « commentaires » seront investis par les féministes pour rire des hommes qui, comme Romney, objectivent les femmes au point d’en parler comme des feuilles pouvant être simplement compilées dans des classeurs. Les réponses immédiates proposées par les féministes sur ces différents réseaux sociaux vont des images macros superposant des textes ironiques sur la tête de Romney, à d’autres plus techniques prenant pour objet de dérision le classeur (« binders ») supposément plein de femmes (« full of women »), en passant par des commentaires clients Amazon qui viennent pasticher le discours d’hommes se réjouissant du fait que “the binder has created order from chaos. In many ways, it helps to restore what I think we all feel deep in our hearts to be the natural order[27].” L’humour ne manque pas dans ces répliques cinglantes qui subvertissent tant le discours misogyne que ses lieux de diffusion (les réseaux sociaux), ce qui témoigne d’une forme d’« ironic activism » au cœur duquel la satire et la contestation viennent détourner des objets sexistes de manière féministe. Pour Rentschler et Thrift, l’exemple de ce meme qui fait un tollé en 2012, montre que les “Internet meme […] can transform the terms of debate about feminism, sexism and misogyny, drawing broader media attention through their mobilization of the derisive laughter that energizes current feminisms […][28]”, puisqu’ils constituent des outils venus perturber les narrations politiques et culturelles dominantes en usant de créativité et d’espièglerie pour transformer la culture populaire en un outil de changement social.
Ce dernier point m’amène à considérer des exemples plus récents de memes féministes, dont le potentiel subversif peut être plus facilement démontré même s’ils ne se caractérisent pas par la même viralité et diffusion. La page @memespourcoolkidfeministes axe son contenu sur la publication de memes qui détournent bien souvent des images issues de films, de vidéos virales ou de discours politiques, pour réagir notamment à l’actualité française et européenne. Ici aussi l’ironie permet la dénonciation et la critique du sexisme sociétal. Dans les deux exemples que je prendrai ici, les cibles principales des critiques sont les hommes. Sur la première image, on peut voir une capture d’écran d’une entrevue du rappeur Vald qui explique « On est moches, on n’est pas drôle, on n’a pas d’argent, on n’intéresse personne ». Au-dessus de l’image, la légende « Les mecs qui pensent qu’être misogynes est un trait de personnalité be like » offre un complément cinglant à cette citation du jeune homme. Elle affirme, à la fois, le fait que les hommes misogynes sont des « bons à rien », et l’ironie d’observer que certains hommes s’y complaisent alors même que cela les rend laids, « pas drôles », pauvres, et inintéressants. Sur le deuxième cliché récupéré sur cette page, on voit une capture d’écran du film Bird Box, sorti en 2018 et immédiatement devenu viral de par son caractère intriguant et les potentialités de détournement qu’offraient sa thématique. Sur cette image, c’est la figure de Mallory avec les yeux bandés qui est reprise, comme c’est le cas de la majorité des memes circulant sur ce film. L’air paniqué, elle tente d’avancer à l’aveuglette avec sa fille sur le dos, et la légende « Hommes féministes quand c’est au tour de leurs potes d’être accusés d’agressions » parle d’elle-même : il s’agit de dénoncer l’hypocrisie des hommes qui se revendiquent féministes mais font tout de même passer le bien de leurs homologues masculins, le « bro code », avant celui de la gente féminine et des victimes d’agressions en général. Comme pour le premier meme de @memespourcoolkidfeministes, la critique du sexisme sociétal passe par la personnification : le détournement des objets culturels vient donner un visage à la misogynie et décrie les phénomènes de complaisance face à la culture du viol, au patriarcat, par les hommes qui préfèrent se mettre des œillères que reconnaître qu’ils y participent à un niveau individuel. Ce faisant, les quelques centaines de milliers d’individus qui suivent la page peuvent reconnaître dans ces memes des personnes de leur entourage ou des phénomènes qu’elles expérimentent au quotidien, ce qui va créer de l’engagement, inciter à commenter, à identifier d’autres personnes ou à partager pour faire circuler le meme à l’intérieur d’un réseau féministe, mais aussi, à l’extérieur, dans un cercle social plus ou moins étendu. Bien que les deux memes analysés ci-dessus n’incitent pas, comme leurs prédécesseurs consacrés, à la réplique et à la diffusion de masse, ils participent tout de même de cette logique de reprise et de détournement de templates connu, à des fins de critique sociopolitique.
En guise de conclusion à cette analyse, j’aimerais donner un dernier exemple de détournement féministe, en analysant brièvement la réappropriation par des féministes d’un meme qui a hautement circulé sur le web. Il s’agit d’un extrait de cartoon associé au fantasme de « debimboification », mais qui est devenu viral avant que l’on connaisse sa provenance, de par le caractère sexiste de la représentation qu’il proposait (qui a tantôt contenté bon nombre d’homme qui l’ont relayé en tant qu’il représentait ce qu’ils recherchaient chez une femme; tantôt piqué au vif les femmes et les féministes qui ont dénoncé la misogynie qui en émanait, avant de se le réapproprier). On y voit une femme blonde qui marche, vêtue d’une robe très courte et de hauts talons, extrêmement maquillée et bronzée, dont l’allure change à mesure qu’elle apprend à lire et se cultive, ce qui est visuellement représenté par plusieurs icônes de la même femme qui ramasse un livre, l’ouvre, le lit, et repart en le prenant sous son bras. Plus l’on progresse dans l’image, plus le corps de la femme se couvre, se blanchit, s’amincit et se dévulgarise. Quelques jours après avoir été posté par l’artiste Sortimid sur DeviantArt, le cliché commence à circuler sur Twitter et se répand telle une traînée de poudre sur les réseaux sociaux, sans se limiter proprement à un cercle idéologique ou à un autre. C’est-à-dire que quiconque, peu importe les pages et les tendances qu’il ou elle suit, les communautés auxquelles il ou elle appartient, a pu être exposé à cette image, qui donnera même lieu à un article sur le quotidien d’informations BuzzFeed[29]. L’article révèle que l’image proviendrait d’une « niche érotique » qui affectionne particulièrement les « bimbo transformation », soit la représentation de personnages banals qui se transforment peu à peu en êtres hypersexualisés et hyperféminisés. Ici, la transformation s’opère à l’envers et par le biais de l’accès au savoir. Bien que l’artiste justifie cette représentation par le fait qu’elle ait été commandée par un particulier pour satisfaire son fantasme personnel, il n’en reste pas moins qu’elle présente de nombreux aspects (si ce n’est tous) problématiques, ce que ne manquent pas de souligner les critiques qui se saisissent immédiatement de l’image. En effet, la représentation est à la fois sexiste et raciste, puisque la femme ne se contente pas de se « débimboifier », mais elle blanchit également, perd les formes voluptueuses, le teint hâlé et les cheveux longs qu’elle avait avant de trouver le livre. La corrélation entre savoir, culture et blanchité est ici évidente, et ne fait que reconduire des stéréotypes millénaires ayant soutenu l’oppression des femmes et des personnes racisées par les institutions et le discours social.
C’est donc une véritable communauté de féministes, autoproclamées ou non, qui se rassemble autour de ce meme pour le critiquer ardemment, ce qui donne notamment lieu à un détournement publié sur la page Facebook Feminist Memes, qui reprend non seulement le cliché pour le modifier, redonnant à toutes les étapes à la femme l’apparence qu’elle avait au début, mais y ajoute aussi une légende sur le mode de l’image macro, qui affirme que : « There is no correlation between physical appearance and literacy; hair color and knowledge; education and breast size. This cartoon depicts harmful stereotypes and is neither informative nor constructive. A woman has full agency over her clothing, haircolor, and choice of leisure activity ». En plus de dénoncer le sexisme de la bande-dessinée, cette publication réaffirme certains principes clefs du féminisme, à savoir que chaque femme dispose de son corps comme bon lui semble, peut s’habiller et s’apprêter comme elle veut, ce qui n’a aucune incidence sur sa manière de se présenter et d’exister en société. Le premier commentaire sous la publication (« I have a fetish too. Banning anti-feminists. J ») fait d’ailleurs directement référence à cette pratique fétichiste de la « bimboification » qui constitue, dans l’histoire, le plus gros problème, car elle établit une corrélation entre certains attributs physiques et l’intellectualisme féminin. Le fait de fantasmer sur une « nerd » qui se transforme en bimbo siliconée une fois qu’elle laisse de côté son livre, ou l’inverse, témoigne de ce que, dans le discours masculiniste, masculin, et public en général, une femme coquette, plantureuse, racisée, et qui se préoccupe de son apparence, ne peut pas être intelligente et curieuse d’apprendre. Les réappropriations, par des communautés féministes, de ce meme, que cela soit purement dans le but de le critiquer ou pour rectifier le tir en le corrigeant (ce qui est doublement le cas dans l’exemple analysé), permettent une fois de plus aux femmes de s’exprimer collectivement sur ces tendances sexistes, racistes et misogynes qui polluent l’Internet et le quotidien. Ici, l’affirmation explicite de valeurs politiques prend le pas sur l’ironie et la satire, car il devient urgent de répondre pour corriger une situation d’injustice flagrante. Et cette réponse s’exerce une fois de plus au niveau individuel, mais surtout communautaire, car c’est le soutien des autres membres du collectif qui en permet la diffusion massive et critique, garante de la subversion que l’on veut opérer face à ce discours hégémonique.
Cette exploration relativement exhaustive de l’univers des memes de sous-cultures m’a conduit à interroger le caractère politique que peuvent revêtir ces objets culturels numériques dans les mains de certaines communautés. Qu’il s’agisse d’une appropriation d’extraits de bande-dessinée par des groupuscules d’extrême droite étasunien, exemple le plus radical de la politisation et de la diffusion hors des frontières de genres de ces contenus culturels; de la réplique mimétique (et mémétique) de vidéos devenues virales; du partage de contenus ciblés sur des pages ou groupes dédiées à des thématiques et des publics particuliers; ou de la réappropriation d’images, de citations et autres en vue de les détourner pour leur donner un sens critique opposé à leur signification initiales; l’enjeu de ces formes contemporaines du détournement situationniste reste toujours, à une échelle primaire, le même. Il s’agit de susciter une émotion auprès d’un public, que ce soit de la tristesse, de la colère, de l’indignation ou des rires, voire d’enclencher un processus d’identification qui fera en sorte que la personne va se reconnaître dans le contenu publié, soit parce qu’il la représente d’une manière ou d’une autre, soit parce qu’il vient la chercher dans ses convictions idéologiques, sociales, politiques. Ce faisant, autour des memes numériques, se forment des communautés, réunies sous l’étendard de leurs identités marginales (de genre, de race, de classe etc.), de leurs convictions politiques (socialisme, féminismes, antiracisme), ou tout simplement de leurs intérêts pour certains types d’humour (métahumour, littéraire, underground, urbain). Cette segmentarisation du phénomène du meme ne nuit pourtant pas à sa viralité, puisque dans bien des cas les templates utilisés préexistent à leur utilisation par ces niches et que la configuration actuelle d’Internet en permet le partage facile et la diffusion massive. Cela étant, comme je l’ai démontré avec le phénomène des bulles de filtres, les internautes se trouvent de plus en plus isolés par leurs centres d’intérêts qui vont influencer le contenu qui leur est présenté quotidiennement. Ceci a certainement pour effet de renforcer ce sentiment d’appartenance à certaines communautés, qui en viennent à constituer de véritables « safe spaces » pour les personnes appartenant à des groupes sociaux minoritaires. Subissant la violence réelle au jour le jour, ces dernières cherchent à se l’épargner en ligne, en se retrouvant auprès de gens qui vivent les mêmes problématiques et le reflètent dans le contenu qu’ils publient. En définitive, l’étude des memes comme créateurs de communautés nous permet d’affirmer, aux côtés d’Edgar Morin, que les industries culturelles comme Hollywood, Netflix, et autres créateurs modernes de contenus télévisuel et audiovisuel, bien loin de répondre à une logique d’uniformisation et d’abrutissement absolu des masses, laissent place à la créativité du public, dans une logique qui est plus de l’ordre de la production-création[30]. Ainsi, les memes, dans leur fonctionnement interne comme externe, reflètent la dimension participative du Web 2.0 voire 3.0, dynamique qui oriente nos interactions quotidiennes et notre rapport aux objets culturels et aux mutations du populaire qu’ils constituent aujourd’hui.
[1] Pascal Ory, « “Culture populaire”, “culture de masse” : une définition préalable », dans Évelyne Cohen, pascale Goetschel, Laurent Martin, et al., Dix ans d’histoire culturelle, Villeurbanne, Presses de l’enssib, 2011, p.289, en ligne, <http://books.openedition.org/pressesenssib/983>, consulté le 13 décembre 2020.
[2] Umberto Éco distingue en effet deux tendances opposées en ce qui a trait au regard porté sur la culture de masse au XXe siècle : il y aurait, d’un côté, les « apocalyptiques », ceux pour qui cette culture massifiée est une tragédie sans nom pour le domaine artistique et politique; et de l’autre, les « intégrés », hautement favorables à celle-ci au point de n’en plus voir aucun effet négatif (Umberto Éco, Apocalittici e integrati: comunicazioni di massa e teorie della cultura di massa, Milano, Bompiani, 1964, 416 p.)
[3] Alice Marwick, “Memes”, Contexts, vol. 12, no. 4, 15 novembre 2013, en ligne, https://doi.org/10.1177/1536504213511210, consulté le 13 décembre 2020.
[4] Umesha Naik et D. Shivalingaiah, “Comparative Study of Web 1.0, Web 2.0 and Web 3.0”, International CALIBER, 2008, p. 499-507.
[5] Dans ce travail, je privilégierai à l’usage français du terme « mème », le mot « meme », en langue originale, ce pour être en accord avec la majorité des sources critiques utilisées qui sont anglophones.
[6] Patrick Davidson, “The Language of Internet Memes” dans The Social Media Reader, Ed. Michael Mandiberg, 2009, p. 122.
[7] Carrie A. Rentschler, Samantha C. Thrift, “Doing feminism in the network: Networked laughter and the ‘Binders Full of Women’ meme”, Feminist Theory, vol. 16, no. 3, p.329.
[8] Limor Shifman, “Memes in a Digital World: Reconciling with a Conceptual Troublemaker”, journal of Computer-Mediated Communication, vol. 18, no. 3, avril 2013, p. 363.
[9] Richard Dawkins, The Selfish Gene, Oxford, Oxford University Presse, 1989, [1976], p.194.
[10] Jean-Michel Berthiaume, « Les mèmes devraient être enseignés dans les cours de littérature », Urbania, 05 avril 2019, en ligne, https://urbania.ca/article/les-memes-devraient-etre-enseignes-dans-les-cours-de-litterature>, consulté le 13 décembre 2020.
[11] Alice Marwick, op. cit., je souligne.
[12] Carrie A. Rentschler et Samantha C. Thrift, op. cit., p.332, je souligne.
[13] Une image macro est une des formes les plus populaires du meme. Elle est définie comme suit par l’encyclopédie Know Your Meme : “captioned images that typically consist of a picture and a witty message or a catchphrase. On discussion forums and imageboards, image macros can be also used to convey feelings or reactions towards another member of the community, similar to its predecessor emoticons. It is one of the most prevalent forms of internet memes”, Know Your Meme, « Image Macros », 2012, en ligne, https://knowyourmeme.com/memes/image-macros, consulté le 15 décembre 2020, je souligne. C’est alors le discours accolé à l’image qui construit le sens, et donc, le meme.
[14] Voir à ce propos Arthur Jones (réalis.), Giorgio Angelini, Aaron Wickenden et Caryn Capotosto (prod.), Feels Good Man, United States of America, Ready Fictions, Wavelength Productions, 2020, en ligne, <https://linktr.ee/feelsgoodmanfilm>, consulté le 13 décembre 2020.
[15] Ce meme figure d’ailleurs dans la liste des symboles haineux de l’Anti-Defamation League, accessible ici : https://www.adl.org/hate-symbols?keys=pepe.
[16] Jean-Philippe Baril Guérard, « Ne sous-estimez pas le pouvoir des mèmes », L’actualité, 10 juillet 2019, en ligne, <https://lactualite.com/societe/ne-sous-estimez-pas-le-pouvoir-des-memes/>, consulté le 13 décembre 2020.
[17] Eli Pariser, The Filter Bubble: What the Internet Is Hiding from You, New York, Penguin Press, 2011, 304 p.
[18] Jean-Philippe Baril Guérard, op. cit.
[19] Jean-François Provencal dans ibid.
[20] Facebook, « Neurchi d’Antimemes. À propos », Facebook, 20 novembre 2016, en ligne, https://www.facebook.com/groups/1835017396744248, consulté le 09 décembre 2020, je souligne.
[21] Wenqi Shu-Quartier, « Message modération », « Neurchi d’Antimemes », Facebook, 15 novembre 2020, en ligne. Considérant que le groupe est privé, il m’est malheureusement impossible de fournir un lien direct du post. Le fait que ce groupe, comme les autres mentionnés ci-haut, soit privé, n’est d’ailleurs pas anodin et assoit cette logique de sous-culture nichée, destinée aux spécialistes, à celles et ceux qui vont activement rechercher ce type de contenu, et non au grand public. L’entrée dans ce type de groupe se fait presque sur le mode de l’initiation : n’entre pas celui ou celle qui ne parvient pas à définir la nature du contenu publié ou qui désire identifier ses connaissances externes au groupe sur les publications. Il faut, au préalable, déjà appartenir à cette sous-culture pour être accepté dans ses lieux clefs.
[22] J’emplois cette expression pour désigner ces pages ou comptes qui publient du contenu spécialisé par thématiques, et ciblent un public avec des centres d’intérêts assez variés, allant de l’astrologie, à la santé mentale, en passant par la culture québécoise ou antillaise, la littérature et l’art, le sexe ou encore la ville de Montréal.
[23] Noam Gal, Limor Shifman et Zohar Kampf, « “It Gets Better”: Internet memes and the construction of collective identity », New Media & Society, vol. 18, no. 8, 2016, p.1700, en ligne, https://doi.org/10.1177/1461444814568784, consulté le 08 décembre 2020, je souligne.
[24] Carrie A. Rentschler et Samantha C. Thrift, op. cit., p.346.
[25] Noam Gal, Limor Shifman et Zohar Kampf, op. cit., p.1701.
[26] Carrie A. Rentschler et Samantha C. Thrift, op. cit., p. 329.
[27] Geoff Read, « A male perspective », Amazon.com, 18 octobre 2012, cite dans Carrie A. Rentschler et Samantha C. Thrift, op. cit., je souligne.
[28] Ibid., p.336.
[29] Rachael Krishna, « This Sexist Cartoon Everyone Is Freaking About Is Actually Fetish Porn », BuzzFeed, 15 février 2017, en ligne, https://www.buzzfeednews.com/article/krishrach/this-sexist-cartoon-everyone-is-freaking-out-about-is-actual, consulté le 16 décembre 2020.
[30] Édgar Morin, « L’industrie culturelle », Communications, no. 1, 1961, p.39.
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Se raconter ensemble dans «Kari» et «Lost Girls»
Selon le bédéiste britannique Alan Moore, la prise de risques fait partie intégrante du processus créatif chez l’artiste: «Take risks. Fear Nothing, especially failure. As a living and progressive process, your writing should constantly be looking for the next high windswept precipice to throw itself over… Don’t worry about going too far. There isn’t a Too Far» (Di Liddo, 2009: 161). Dans cette vision, on ne saurait aller trop loin en abordant l’imaginaire et ses figures traditionnelles. L’œuvre, mais c’est également le cas pour les protagonistes y évoluant, se singularise ainsi, en transgressant les normes qu´impose ou suggère implicitement l’esprit du temps et en permettant de repousser les frontières de l’imaginaire à partir desquelles nous nous définissons.
C’est un enjeu d’autant plus significatif lorsqu’il s’intègre au phénomène de la transfictionnalité. Ce concept, que développe Richard Saint-Gelais à l’intérieur de son ouvrage Fictions transfuges: la transfictionnalité et ses enjeux (2011), explique comment les auteurs peuvent revisiter des œuvres canoniques: il s’agit du «phénomène par lequel au moins deux textes, du même auteur ou non, se rapportent conjointement à une même fiction que ce soit par reprise de personnages, prolongement d’une intrigue préalable ou partage d’univers fictionnel» (Saint-Gelais, 2011: 7). La transfictionnalité caractérise ainsi des œuvres qui vont rouvrir des univers narratifs dont les frontières semblaient fixes.
Ce regard contemporain permet, dans une perspective féministe, de retravailler des œuvres dont les personnages sont majoritairement – voire exclusivement – masculins, mais également d´exhumer, voire de rassembler, des protagonistes féminins «oubliés». Dans une culture qui tend à être saturée par la production de nouvelles œuvres, regrouper des œuvres dans lesquelles se manifestent des personnages féminins est une manière efficace de les garder bien vivants. Les figures, qu’elles soient traditionnellement masculines ou féminines, peuvent également être réactualisées à travers des personnages féminins dans les œuvres de manière à diversifier tant la création actuelle que l’héritage culturel sur lequel elle repose.
En effet, si nos habitudes tendent à invisibiliser cette dynamique, le ratio entre les personnages masculins et féminins dans la fiction est encore complètement inégalitaire et – c’est vraisemblablement une conséquence de ce premier point – des différences relatives au genre subsistent toujours et forment plusieurs tropes tenaces. Le test Bechdel (du nom de la bédéiste états-unienne éponyme) illustre efficacement la disproportion: alors qu’il devrait être aisé de remplir les critères du test[1], le taux de réussite est seulement de 57,5 % en 2015 (Wikipédia). L’effacement de personnages féminins forts derrière le héros diégétiquement élu, incarnant cette figure solaire qui remonte aux premières épopées, est également un trope récurrent qu’on retrouve dans l’ensemble de la culture.
De par ce traitement c´est systématiquement un jeune homme qui occupe la place de héros de l’histoire – la sienne dès lors qu’il triomphe des obstacles et sauve le monde. Ce faisant, la structure narrative, en plus d’être de plus en plus éculée, empêche les personnages féminins de pouvoir atteindre leur pleine visibilité dans l’univers diégétique malgré leur persévérance, étant donné la fonction actantielle du héros. Les personnages féminins, qui ne sont généralement pas placés au premier plan dans une part importante de la fiction canonique, peuvent ainsi être récupérés par des fans et des auteurs consacrés (ou des auteurs consacrés et fans). Ainsi, on peut se plaire à imaginer Hermione comme héroïne de la saga Harry Potter (qu’il faudrait alors rebaptiser) et ainsi renommer chaque tome en fonction de la place indéniable qu’elle occupe dans les récits et leur intrigue, comme le fait l’artiste internaute Floccinaucinihilipilificationa. En effet, la sorcière adresse souvent à son ami à lunettes de précieux conseils qu’il ignore durant la majorité de l’histoire. En fait, le seul véritable danger qu’il y aurait à confier la narration à Hermione serait la possibilité d’atteindre trop rapidement la résolution de l’énigme dans chaque tome. En effet, cela supprimerait du même coup les errances de l’orphelin, ce qui ne me manquerait pas de réduire considérablement le récit. Les titres choisis sont souvent humoristiques: du premier tome, «Hermione se fait deux amis inutiles», au dernier, «Hermione donne à ses enfants les noms les moins laids» (traduction libre). Le nom du deuxième tome expose toute la sagacité de l’héroïne: «Hermione est plus compétente que tout le monde malgré qu’elle soit dans le coma» (http://floccinaucinihilipilificationa.tumblr.com/post/160340936572, traduction libre).
Ainsi, devant cet indéniable manque de diversité d’un large pan de la culture, la bande dessinée indienne Kari (2008) d’Amruta Patil et le comic anglais Lost Girls (1991-92; 2006) d’Alan Moore et de Melinda Gebbie montrent comment leurs personnages, plutôt que de subir l’effacement ou la faible reconnaissance sociale, basent leurs tactiques là-dessus de manière à pouvoir d’abord échapper à leur cadre spatio-temporel pour mieux réapparaitre aux yeux du lecteur en se mettant ensuite en scène dans l’espace de l’œuvre par l’intermédiaire de la fiction dans de véritables tableaux transfictionnels.
Des protagonistes problématiques au pays imaginaire
Les différents personnages sont d’autant plus problématiques qu’ils entrent en conflit avec leur société respective et ses maux spécifiques. Dans Lost Girls, il s’agit du legs de la société victorienne avec sa façade de respectabilité malgré des violences sociales et sexuelles qui vont aboutir à la Première Guerre mondiale. Alan Moore a plusieurs fois déconstruit la société victorienne dans son œuvre – From Hell trace une représentation très élaborée du Londres victorien. Dans Kari, il s’agit de l’uniformité de la dictature de l’image[2] et du machisme toujours bien installé dans la société indienne contemporaine. Vis-à-vis d’une société codifiée au regard paternaliste et donc convaincu de sa bienfaisance et de sa légitimité, la résistance s’articule à travers la subjectivité des héroïnes, qui vont rapidement occuper la marge sociale.
Les images et les fragments textuels transcendent souvent l’uniformité des cases et la structure narrative classique avec son espace pour le texte et pour les images. Dans la bande dessinée, qui consiste en un art de la synthèse où la place des dialogues est généralement limitée, les discours des protagonistes s’étendent dans la marge des planches où ils peuvent davantage se développer, hors de la surveillance du visuel et des personnages masculins qui monopolisent déjà l’espace verbal. Ainsi surgissent les voix narratives des personnages qui résistent à la mise en page classique du médium. De fait, on échappe plusieurs fois au modèle convenu du gaufrier[3] pour produire des tableaux qui remplissent l’entièreté de la page et qui viennent cristalliser la puissance évocatrice de la fiction sur le réel. Les filles démultiplient les métamorphoses diégétiques et formelles en s’inspirant d’autres femmes fortes et en dépassant les représentations archaïques toujours bien vivantes dans leur société. Que ce soit dans les boîtes de nuit indiennes ou dans l’auberge autrichienne idyllique, les femmes peuvent se rassembler dans un lieu-refuge, hors des contraintes de leur cadre spatiotemporel et se redéfinir dans l’épanouissement de leur sexualité et de leur imaginaire. Ces lieux échappent à la rigueur de la société normalisante, visant l’homogénéité. On peut d’ailleurs les analyser comme des safespaces, espace où ceux qui l’occupent peuvent se retrouver et d’échanger sur leurs expériences spécifiques à l’écart de toute toxicité et marginalisation.
Un autre monde doit exister – ou alors il faut l’engendrer – qui s’éloigne de la tyrannie de la tradition de Smog City, insistant sur une certaine vision essentialisante de la femme et des relations à l’intérieur du couple dans une logique hétéronormée. Il faut aussi absolument quitter la violence virile de l’Europe au seuil de la Première Guerre mondiale où le progrès (scientifique, technologique, artistique, social, etc.) est associé à la rationalité et au masculin.
Le concept de paratopie de Maingueneau rend merveilleusement compte des enjeux de la spatialité dans les œuvres: «une localité paradoxale […] qui n’est pas l’absence de tout lieu, mais une difficile négociation entre le lieu et le non-lieu, une localisation parasitaire, qui vit de l’impossibilité même de se stabiliser» (Maingueneau, 2004: 52-53). La représentation des lieux est à la fois précise et ouverte, reposant sur la mise en récit. Si nous pouvons aisément nous situer géographiquement, la narration exprime la subjectivité des héroïnes qui s’inventent un espace vaste de résistance et de possibles transcendant le lieu tangible. Smog City, la grande ville où se déroule le récit de Kari, est un lieu ambigu en soi. Le lecteur reconnait évidemment la grande ville indienne Mumbai, anciennement appelé Bombay, mais il n’en s’agit pas moins d’une ville imaginaire qui permet d’insister (de manière analogue à Gotham City dans les comics de Batman), en se focalisant visuellement, de par les tonalités délavées et le style graphique, sur certaines tensions spécifiques aux enjeux de la société indienne contemporaine, notamment la pollution et l’uniformité sociale.
Le phénomène est encore plus marqué lorsqu’on observe un lieu précis qui est associé à la protagoniste, par exemple le Crystal Palace, son domicile. Deux représentations en sont montrées au lecteur: la première se compose de l’aura féérique et onirique qui entoure le conte éponyme indien (16), tandis que la seconde est réaliste et ordinaire (19). Une longue liste accompagne d’ailleurs l’image de l’appartement de l’héroïne, indiquant tous les accessoires que les cinq colocataires doivent posséder en produisant ce que Barthes nomme un effet de réel. Ce sont de fait souvent les petits détails de la vie quotidienne qui permettent d’ancrer les personnages dans le monde réel et nous permettent de croire en eux. Un plan détaillé de l’appartement montre d’ailleurs non seulement les pièces et les chambres des personnages, mais aussi tous les meubles et les accessoires présents dans le logement. L’ensemble est assurément plus bordélique et hétérogène que l’homogénéité du conte classique où les filles semblent être interchangeables, formant une série (avec toujours sensiblement les mêmes éléments mis à l’avant de manière à ce qu’elles éblouissent le regard d’autrui). Même si l’usage du nom est en partie ironique (tendant à déconstruire la vision traditionnelle du conte), on sent à travers la narration de Kari que son regard parvient à capter un peu de cette lumière présente dans l’imaginaire, ne se laissant pas happer par la fadeur du réel.
L’auberge dans les Alpes autrichiennes offre un cadre idyllique. Le voyage en ce lieu favorise la renaissance et l’épanouissement des personnages meurtris par leur passé avec sa nature enchanteresse pour ces filles étrangères, anglaises ou américaines. Ce lieu se trouve en outre à l’écart des graves agitations politiques: le récit se déroule au seuil des événements qui mènent à la Première Guerre mondiale, avec l’assassinat de l’archiduc d’Autriche en 1914 venant conclure le second tome. L’endroit évoque plutôt l’exotisme et le romantisme à travers plusieurs éléments: le flânage autour de l’auberge, le contact avec la nature, l’Art nouveau omniprésent au sein de l’hôtel, les divertissements candides avec le cerf-volant et l’usage de la langue française de l’aubergiste M. Rougeur – nom s’associant à l’intensité que permet le lieu. En effet, il y a à la fois rupture et affranchissement vis-à-vis d’une société hypocritement puritaine. Dans cette dernière, le corps doit être ou, du moins, paraitre bien caché et maitrisé, sous peine de laisser se libérer des pulsions sexuelles insatiables, d’où la prétendue nécessité (évidement complètement illogique) de baliser, contrôler et dominer le corps féminin. Les trois filles apparemment inconnues, sans histoires, et égarées dans les Alpes, laissent progressivement resurgir leur histoire passée, tandis que leur corps s’affranchit du discours idéologique conservateur et réducteur. Malgré les passages sombres de leur récit, la fiction permet de produire son propre espace où il devient possible de mieux s’accepter à travers ses souvenirs et son corps en se réconciliant avec son propre passé.
(In)visibilité et résistance des filles perdues
Les différentes femmes refusent de correspondre à un rôle fixe tant d’un point de vue social que sexuel, l’hétéronormativité s’opposant à la pansexualité. Les deux œuvres présentent des héroïnes ayant une sexualité qui échappe progressivement à la logique binaire, ces dernières en viennent naturellement à explorer leur sexualité de manière à définir pleinement leur identité. Ce qu’exprime Kari s’applique également aux trois héroïnes de Lost Girls: «Tour à tour, les filles me maternent et me draguent ouvertement. Ne vous méprenez pas: la femme hétéro, c’est un mythe» (58). La sexualité permet d’illustrer tant les constructions sociales que le développement de visions du monde où deviennent fondamentales la flexibilité et l’ouverture à une myriade de possibles.
La visibilité et l’invisibilité des personnages et des communautés deviennent un enjeu significatif à mesure que se développe un sentiment de sororité, heureuse contrepartie au boys’ club[4]. En tant que lecteur, nous ne pouvons qu’observer l’errance des héroïnes qui, en s’affranchissant des dictats de leur société, échappent aux événements déterminants de leur monde diégétique. Ceux qui détiennent traditionnellement le pouvoir, les militaires ou les barbus, peuvent surgir bruyamment n’importe quand et ramener l’attention sur eux et leur autorité virile, que ce soit par l’éclat d’un rire gras et convaincu de son importance ou par le tir du canon d’une arme à feu.
Les yeux de Kari, bien visibles à cause de l’utilisation du khôl, qui accentue ses expressions, se contentent le plus souvent d’observer son environnement et les gens le peuplant. Ses écrits narrent efficacement leurs singularités en insistant sur ses réactions. Elle-même passe pourtant généralement inaperçue, sauf à l’égard de ses proches, comme si la multitude de figures qu’incarne Kari dépasse le commun des mortels. Sans être exhaustif, on compte celles de l’ange déchu et de la démone, de la survivante, de la superhéroïne, à travers laquelle la protagoniste se compare à Trinity du film Matrix (1999), du passeur, de l’androgyne et de l’anarchiste.
Les jeunes filles qui se rendent à l’agence de publicité où Kari travaille comme stagiaire tentent de rayonner sur les photographies et de se métamorphoser pleinement par rapport à leur quotidien dur et morne. Alors que la plupart des planches sont en noir et blanc, les photographies, elles, sont en couleur (65). Avoir la chevelure idéale doit permettre d’atteindre une vie meilleure (dans l’imaginaire capitaliste). Kari préfère nettement le spectacle des fruits qu’elle n’a pas les moyens de se payer et avec laquelle elle peut momentanément jouer en les manipulant (66). Ceux-ci représentent des natures mortes que se plait à subvertir la protagoniste en les déplaçant, tandis que le terme artistique vient également qualifier les jeunes modèles féminins dont on capture l’éclat avant de les rejeter dans ce lieu précaire qu’est Smog City. Lost Girls insistent encore davantage sur le spectre du visible. Deux exemples l’illustrent: premièrement, le récit commence et se termine par la narration du miroir d’Alice (le lecteur voit seulement ce qui se réfléchit dans sa surface durant ces deux chapitres), indiquant d’emblée le dialogisme qu’entretiennent les visions des personnages et le miroitement au cœur de l’œuvre; deuxièmement, la première séquence présentant Wendy se conclut en affichant des ombres en arrière-plan qui montrent ses désirs refoulés dans cette société victorienne et donne des indices au lecteur pour comprendre qui est réellement la jeune femme (chap. 3, 7-8).
Le titre de l’œuvre, Les filles perdues, réfère d’ailleurs aux garçons perdus de Peter Pan, enfants de l’imaginaire qui n’appartiennent plus aux règles de la société de leur temps. Il faut un temps au lecteur pour reconnaitre les trois filles: Alice de l’œuvre éponyme (1865), Wendy de Peter Pan (1911) et Dorothy du Magicien d’Oz (1900). Ces trois grands personnages féminins de la culture populaire ont vieilli en proportion du moment où leur récit a été créé. Alice est ainsi la plus âgée. Elles ont également changé depuis leur création autant par rapport au temps diégétique que par rapport à la manière dont Moore relit ces classiques. Chaque héroïne a d’ailleurs un chapitre qui l’introduit avec un élément iconique. Nous avons évoqué le miroir pour Alice, qui lui a permis de se réconcilier avec elle-même en acceptant le double visuel que l’objet lui montre. Pour Wendy, il s’agit de la mise en scène assez révélatrice de son ombre, qui montre comment son imaginaire et désir sexuel[JM1] [aL2] se confronte à la réalité décevante dans laquelle son mari refoulé demeure infantilisant et conservateur jusqu’à ce qu’éclate sa propre homosexualité. On reconnait finalement Dorothy à ses souliers iconiques, qui sont d’ailleurs exposés au National Museum of American History à Washington. Les personnages sont appelés à tour de rôle à conter leur histoire (un épisode à la fois) dans un cercle qui acquiert rapidement une dimension mythique où l’érotisme de la fiction contamine le(ur) réel.
Plus solitaire, Kari rencontre Angel et développe une réelle affection pour cette femme plus vieille sur le seuil de la mort, qui aurait été sa supérieure si elle n’avait dû se retirer pour des raisons médicales. Les deux personnages se ressemblent, refusant les compromis et les feintes politesses. Kari l’accompagne durant son cancer du sein et promet de remplir le rôle de passeur à la manière de Charon sur sa barque lorsque le moment sera venu. Le corps de l’héroïne cache d’ailleurs une trace, une marque, celle des ailes d’un ange déchu, tatouée dans son dos, qui reste généralement invisible. En échange de ce signe de confiance, Angel lui montre ses prothèses mammaires qu’il lui faut porter à la suite de son cancer. Comme les trois héroïnes de contes qui vont se dénuder au sens propre comme au figuré pour dévoiler qui elles sont, Kari se met à nu plusieurs fois pour s’observer et réussir à s’accepter, en évoquant notamment son ancienne relation amoureuse avec Ruth, dont elle considère alors l’apparence idéale (puisque respectant parfaitement les règles de la féminité), qui est aussi éloignée que possible de la sienne.
Avant de présenter son spot publicitaire chevelure féérique, qui a remporté le prix le plus prestigieux en publicité, elle décide finalement de s’offrir une coupe de cheveux symbolique en hommage à Angel, lui donnant une apparence androgyne à l’opposée du modèle vanté dans la publicité (ou de Ruth). Comme elle l’explique, elle aurait pu opter, au moment où elle doit justifier son choix, pour une fiction en prétendant avoir besoin de cette coupe pour rejoindre l’armée ou pour un quelconque rôle dans un film, elle choisit cependant d’insister et de maintenir la vérité malgré l’incertitude du coiffeur voulant maintenir les différences genrées (106-107).
Revisiter les classiques: l’autofiction sous forme de tableau
À travers les récits, on passe de la métamorphose du corps des protagonistes à la transformation du corps des œuvres. Plusieurs tableaux représentant des objets culturelles s’intègrent à la narration des deux bandes dessinées. Il importe à ce propos d’analyser comment les œuvres originales sont revisitées (et comment l’image est modifiée à l’intérieur du nouveau récit). Le peintre Avigdor Arikha, dans Le regard et la peinture (2010), explique qu’un tableau inclut toujours deux éléments, la peinture et l’image: «La peinture est visible en dehors de la signification. L’image n’est visible que par la signification. La peinture révèle. L’image rappelle» (Arikha, 2010: 259).
Autant en littérature qu’en art visuel, les artistes consacrés sont très majoritairement des hommes, surtout lorsqu’on mentionne des classiques, des œuvres intemporelles. Par exemple, Kari reprend, à titre d’hommage, Les deux Frida (1939) de Kahlo, ou, en se les réappropriant, La Cène (1495-98) de da Vinci et Christina’s World (1948) d’Andrew Wyeth, tandis Lost Girls réactualise des classiques littéraires, écrits uniquement par des hommes: Les Aventures d’Alice au pays des merveilles de Lewis Carroll, Le Magicien d’Oz de Lyman Frank Baum et Peter Pan de J. M. Barrie.
Dans cette nouvelle version de La Cène, à la place du Christ et de ses douze disciples masculins, nous avons Kari et ses deux colocataires féminins du Crystal palace (58-59). Kari s’éloigne du centre de la table (vide de nourriture), tandis que Billo est naturellement placée au centre. Les personnages féminins sont d’abord positionnés en fonction de leur valeur relative selon une conception classique de la féminité (être belle, douce et se trouver un mari nous rappelle le discours de la mère). La plus belle, «d’une beauté un peu torturée» (22), est au centre et devient ce Christ qui fume. Le Christ devient une femme qui a faussement pensé s’émanciper par quelques extravagances occidentales avant de rentrer dans le rang et de se caser. Delna, doublure de mains et de pieds dans la publicité, prend la deuxième place en partant du centre. Dans cette vision archaïque de la femme, Kari ne peut être que Judas. Son allure trahit les siens, en plus de son orientation sexuelle ambiguë. Dans la deuxième planche, Kari est placé en première position comme femme assurément moderne, et Billo, en dernière. La première refuse d’ailleurs de prendre tout à fait la pose attendue tandis que la seconde n’a pas compris que le contexte a changé et que la position qu’elle répète ainsi n’est à présent plus adéquate (elle ne s’adresse à aucun personnage de la manière dont elle est placée). Avec Les Deux Frida, qui ouvre l’œuvre, nous avons l’amour initial et impossible entre Ruth et Kari (Ruth prend un mari, comme le lui rappelle sa mère, qui souhaite la même chose pour sa fille). Christina’s World (6) présente la survivance de Kari après son deuil amoureux de Ruth et le début de son errance identitaire. On retrouve aussi le fameux plan du film American Beauty (1999) montrant la jeune femme blonde couchée sur un lit de roses, qui devient le plan final du spot publicitaire de chevelure féérique (qui est mis en contexte à l’aide du conte de La Belle au bois dormant et l’inévitable piqûre de l’aiguille). Le recyclage culturel que contient la publicité semble devoir critiquer implicitement la dictature de l’image, cette souffrance acceptée pour être la plus belle… La réutilisation de tableaux célèbres permet d’inscrire la corporéité des femmes dans l’Art, rappelant leur absence passée et révélant leur actuelle réalité (pour reprendre le vocabulaire d’Arikha).
Retournons à nos contes : ce qu’il faut comprendre à propos d’Alice, de Dorothy et de Wendy, c’est qu’elles n’ont pas réellement vécu les aventures extraordinaires qui leur sont associées dans Lost Girls. C’est plutôt à travers la remémoration et la narration de leurs expériences aux deux autres «filles» que va se cristalliser la multitude de rencontres sexuelles réalistes dans le récit. Ces dernières deviennent alors mythiques et produisent les scènes fantastiques que nous connaissons (consistant en des métaphores qui illustrent la puissance évocatrice de la fiction). L’initiation sexuelle de Dorothy survient lorsqu’elle se masturbe pour la première fois, ses doigts réalisant comme un mouvement de tornade en elle qui la transporte bien loin (chap. 7, 6), tandis que Wendy se sent en train de s’envoler lorsqu’elle s’envoie en l’air avec un jeune garçon nommé Peter qui l’initie à la sexualité (chap. 8, 7). Pour chaque héroïne, l’aventure continue et raconte les différents épisodes du conte classique. Une splash page vient toujours métamorphoser la narration qui, sinon, serait parfaitement réaliste et la sublimer dans l’imaginaire. Dans Comics as Performance, Fiction as Scalpel, Annalisa Di Liddo analyse cette page-synthèse: «suggesting both the eternal power of imagination and the suspension of time perceived in the intense moment of the orgasm» (Di Liddo, 2009: 149). La planche illustrant le fameux crocodile de Peter Pan, métaphore du temps qui passe, est particulièrement réussi, le prédateur terrifiant le capitaine crochet (un adulte proxénète abusant des enfants dans Lost Girls) devenant, dans la bande dessinée, une vulve avec des dents qui symbolise la revanche sur le temps passé avec le phallus comme représentation du pouvoir (chap. 27, 6).
Le travail de Lost Girls (et de Kari) évoque une autre œuvre d’Alan Moore: Promethea (1999-2005), qui représente une gigantesque odyssée et réflexion sur le territoire de l’imaginaire et de ses résonnances possibles et innombrables. On retrouve la volonté de rassembler tous les mythes et les influences artistiques en les affranchissant de toute autorité littéraire dans une logique de transfictionnalité et en leur restituant toute leur hétérogénéité. Ce sont les différentes générations de Promethea qui diffusent le pouvoir de l’imagination et partagent à l’humanité le feu sacré qui pourra toujours nous éclairer.
Kari et Lost Girls présentent le récit d’héroïnes qui se réinventent continuellement et qui parviennent à investir une multitude de lieux de la fiction et de l’imaginaire. En venant s’alimenter de matériaux préexistants (les peintures, les œuvres littéraires), les bédéistes peuvent à la fois rassembler des voix féminines «perdues» et les réinvestir en montrant toute l’atemporalité de leur figure. Mon précédent article dans ce dossier sur l’ingouvernabilité s’est intéressé à la cyborg Gally dans Gunnm (1990-95) et à l’immortelle Wilhelmina Murray et à la fille pirate du légendaire capitaine Nemo dans The League of Extraordinary Gentlemen (1999-2019), à travers leur confrontation active vis-à-vis des aberrations de leur société. De façon assez différente, les quatre protagonistes de cette analyse n’hésitent pas à disparaître face à la violence et la bêtise de leur société, ce qui leur permet à la manière de la luciole de Didi-Huberman de réapparaître, au moment adéquat, lorsque ces survivantes le choisissent, plus fortes et surtout unies.
Notes
[1] La réussite du test se fonde sur trois conditions simples. (1) Est-ce que l’œuvre possède deux personnages féminins nommés ? (2) Est-ce que ces personnages se parlent au moins une fois dans toute la durée de l’œuvre ? (3) Est-ce que ces personnages parlent d’autres personnages masculins durant leurs échanges ? On pourra toujours trouver des œuvres intéressantes, voire féministes, qui ne remplissent pas les conditions et qui mettent pourtant en scène un ou plusieurs personnages féminins. Un film comme Gravity (2013) d’Alfonso Cuarón met principalement en scène un unique personnage féminin. Il n’en demeure pas moins que la presque totalité de la production actuelle propose des films dans lesquels les personnages masculins réussissent sans peine à satisfaire les trois conditions. Il s’agit donc d’un enjeu de représentativité auquel toutes les œuvres devraient naturellement vouloir tendre, statistiquement la moitié de la population étant composée de femmes. On évite ainsi plusieurs problèmes qui en résultent (pour ne nommer que lui, le syndrome de la stroumpfette, qui isole un unique personnage féminin dans un monde sinon essentiellement masculin (c’est le cas de plusieurs grandes sagas, par exemple Star Wars)).
[2] Cette expression est empruntée à la regrettée écrivaine Nelly Arcan. On la retrouve dans son roman Folle (2004) à travers la question du reflet (du miroir, de la fiction, des contes) et de la lumière (totalitaire, médiatique, debordienne).
[3] Dans le vocabulaire de la bande dessinée, le gaufrier désigne une mise en page classique constituée de trois ou quatre lignes de trois ou quatre cases. Cette mise en page se répète sur chaque planche. Il peut toutefois y avoir de légers changements (par exemple, la fusion de deux cases pour en former une plus grande).
[4] Martine Delvaux, dans Les filles en séries (2013), définissait déjà le concept de boys’ club: «l’identité du masculin ne dépend pas du club dont il fait partie. Le boys’ club vient après la masculinité, et il vient la renforcer. Les hommes s’agencent entre eux, mettent en commun des identités déjà constituées. Le boys’ club n’est pas une cause dont l’identité masculine serait un effet; c’est, plutôt, le résultat d’une identité» (19). Elle a par la suite publié l’essai Le boys club (2019).
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Une héroïne atypique qui défie le sort
Prenant place dans une Amérique du Nord post-apocalyptique où des adolescent-e-s sont tiré-e-s au sort pour s’affronter jusqu’à la mort dans un tournoi télévisé, la trilogie Hunger Games (2008-2010) de Suzanne Collins a eu l’effet d’une bombe dans le paysage littéraire mondial. La série s’est vendue à plus de 300 000 exemplaires au Québec seulement (Bornais, 2013), un succès relancé par chacune de ses adaptations cinématographiques et qui n’est pas sans rappeler les sagas Harry Potter (J. K. Rowling, 1997-2007) ou Twilight (Stephenie Meyer, 2005-2008) qui l’ont précédée. À mi-chemin entre l’œuvre ouverte et l’oeuvre fermée, Hunger Games fait partie de ces récits qui renouvellent le scénario-motif des productions de grande consommation. La franchise rejoint ainsi « les succès les plus importants et les moins prévisibles du marché du livre » tels que caractérisés par les chercheurs en littérature populaire Jacques Lemieux et Denis Saint-Jacques (260-261), notamment grâce à sa protagoniste atypique. Figure phare d’une lignée d’héroïnes « jeunes et ingouvernables » (Demeule, 2016) qui ont pris d’assaut la culture populaire depuis le tournant du 21e siècle, Katniss Everdeen se caractérise par sa facture réaliste et non stéréotypée ainsi que son parcours narratif ambivalent. Son analyse permet de mieux comprendre la résonnance de la série chez le lectorat contemporain, car « [d]’une certaine façon, toute histoire est histoire des personnages.» (Reuter: 44) La trilogie de Collins pourrait être considérée comme un best-seller féminin, dans la mesure où elle répond d’entrée de jeu aux critères de « l’origine auctoriale féminine» et de «la mise en scène de protagonistes féminines» établis par Gaëlle Jeannesson (19) dans son mémoire de maîtrise sur le sujet. Toutefois, la catégorisation n’est plus aussi nette lorsque l’on considère le troisième et dernier élément: « le lectorat féminin, le fait que le livre est lu par un public de femmes» (19) ou de filles. Car s’il est vrai qu’une majorité des entrées sur les forums virtuels portant sur la série proviennent de lectrices (Hartmann, 2012), il n’en demeure pas moins que « [t]he quick pace, strong characters and blood sport […] helped attract a robust male readership», comme l’ont fait remarquer Rachel Dodes et John Jurgensen (2012) dans le Wall Street Journal à la sortie du premier film. Par conséquent, nous tiendrons compte du rapport que Hunger Games, en particulier le premier tome homonyme, entretient à la fois avec le corpus des best-sellers «généraux» et ceux considérés comme spécifiquement «féminins».
Ni surhomme, ni superwoman
Le portrait sémantique de Katniss est propre aux protagonistes des romans de grande consommation contemporains en raison du réalisme qui l’éloigne de la figure rhétorique du surhomme. En effet, ce type de personnage canonique est construit de façon manichéenne à partir de stéréotypes et de lieux communs. Défini par Umberto Eco à partir des héros feuilletonesques, le surhomme se présente comme « un personnage aux qualités exceptionnelles qui dévoile les injustices du monde et tente de les réparer par des actes de justice privé […], mais il n’en devient pas pour autant un prophète de la lutte des classes […] et n’aspire donc pas à la subversion de l’ordre social.» (121) De manière similaire, le mythe de la superwoman observé par la chercheuse féministe Resa L. Dudovitz « shows readers that women can accede to positions of greater power without radically changing the larger social order.» (14)
Au contraire, l’héroïne de Hunger Games deviendra le symbole de la révolte contre la tyrannie du Capitole, le gouvernement central de la nation de Panem. Comme l’ont observé Denis Saint-Jacques et ses collègues dans leur étude des best-sellers québécois, « le protagoniste individuel, rarement isolé, dispose habituellement d’adjuvants qui lui donnent le statut d’un leader» (234-235); il intervient «à la fois en dehors du commun et [comme] représentant d’une communauté.» (235) Katniss s’est d’abord démarquée en se portant volontaire pour remplacer sa sœur qui avait été désignée comme « tribut» féminin aux Jeux de la faim, un acte de bravoure rarement vu auparavant. La protagoniste remarque: «je ne pensais pas compter dans le district Douze. Mais il s’est produit un changement quand je me suis avancée pour prendre la place de Prim, et on dirait désormais que je suis devenue quelqu’un de précieux» (HG: 30[1]); la foule lui adresse alors «[u]n geste de remerciement, d’admiration, d’adieu à ceux que l’on aime.» (HG: 30) Katniss peut ensuite compter sur l’aide de Peeta Mellark, le tribut masculin de son district, ainsi que de leurs «coachs» Haymitch Abernathy et Effie Trinket, en plus de toute l’équipe qui contribue à la préparation pour les Jeux. Une fois dans l’arène, cependant, un-e seul-e pourra survivre et c’est sur Katniss que se concentrent tous les espoirs – même ceux de la mère de Peeta (« C’est une survivante, celle-là», HG: 96).
À la suite d’une modification des règles des Jeux, les deux tributs du district Douze s’allient pour gagner ensemble. Si le surhomme « n’obéi[t] jamais qu’à sa propre vocation » (Eco: 113), Katniss a déjà sauvé sa sœur d’une mort certaine et élabore maintenant sa stratégie en tenant compte de la survie de Peeta. C’est ainsi qu’à la fin du tournoi elle réussit à « forcer la main » des Juges et à «les tourne[r] en ridicule» (HG: 365) en bluffant une double tentative de suicide, ce qui déclenche la colère du Capitole de même qu’une insurrection à travers Panem. La protagoniste entame alors «la partie la plus dangereuse des Hunger Games » (HG: 367), qui consiste à faire croire au public – et surtout au président Snow – que son acte de rébellion n’était dû qu’à sa « passion éperdue » (HG: 371) pour son coéquipier. La peur de Katniss face aux répercussions de sa victoire subversive (« tous ceux que j’aime et que je connais […] pourraient en pâtir », HG: 366) et son incompréhension de ses propres sentiments par rapport à Peeta (« C’est trop compliqué », HG: 366) participent d’ailleurs de son humanisation en comparaison avec le surhomme «robotisé» et manichéen. L’héroïne est problématique en ce sens qu’elle est marquée par une ambivalence et des remises en question (Lukács, 1989), témoignant de son évolution au fil de la série. Par conséquent, comme l’explique Jennifer Lynn Barnes dans une anthologie critique dédiée à la trilogie, «Katniss isn’t the kind of hero we’re used to seeing in fiction. She reacts more than she acts, she doesn’t want to be a leader, and […] [s]he limps across the finish line when we’re used to seeing heroes racing; she eases into a quiet, steady love instead of falling fast and hard» (17). Bref, la non-extraordinaireté de la protagoniste la place dans une classe à part.
Non seulement Katniss se démarque des clichés paralittéraires en ce qui a trait aux personnages canoniques, mais elle brouille également les stéréotypes de genre. Les notations indicielles contribuent dès les premières pages à l’instituer comme la pourvoyeuse de sa famille – un rôle traditionnellement masculin – depuis le décès de son père. Alors âgée de douze ans, la jeune fille a commencé à chasser en compagnie de son partenaire Gale afin de nourrir « les enfants», c’est-à-dire leurs frères et sœurs, «[auxquels] on peut ajouter nos mères, aussi, car comment se débrouilleraient-elles sans nous? Qui nourrirait toutes ces bouches affamées? » (HG: 15). Leurs expéditions sont particulièrement dangereuses, puisque « pénétrer dans les bois est illégal et que le braconnage est puni de la façon la plus sévère » (HG: 11). Katniss reprend dans un contexte extrême les attributs des protagonistes de best-seller féminin « d’abord caractérisées par leur liberté, leur confiance en elles, leur esprit d’indépendance et d’initiative » (Jeannesson: 5). Ce portrait qualificatif se retrouve d’autant plus exacerbé par sa participation aux Jeux de la faim et à la rébellion qui s’en suit.
Comme les héroïnes analysées par Jeannesson, Katniss s’est vu imposer le rôle de «la petite fille modèle » lorsqu’elle était enfant, faisant en sorte qu’elle « s’emploie […] ensuite à tenter de de répondre aux attentes […], de devenir autant que possible docile, soumise, pieuse et obéissante » (46). En effet, celle qui sera plus tard surnommée la « fille du feu » (HG: 73) raconte:
Quand j’étais plus petite, je terrorisais ma mère par mes propos sur le district Douze, sur les gens qui dirigent nos vies de puis le Capitole […]. J’ai fini par comprendre que cela ne nous attirerait que des ennuis. J’ai appris à tenir ma langue, à montrer en permanence un masque d’indifférence afin que personne ne puisse jamais deviner mes pensées. (HG: 12)
Bien qu’il soit avant tout motivé par le cadre référentiel de la dictature répressive, ce conditionnement reflète les valeurs symboliques associées aux femmes dans la société comme dans la littérature. La sociologue Nathalie Heinich, dans son ouvrage États de femmes: l’identité féminine dans la fiction occidentale, note que « [l]a passivité sied aux filles: c’est même un trait identitaire, un paramètre constitutif de la féminité en tant qu’elle se différencie de la virilité, l’un des supports fondamentaux de l’asymétrie [entre les sexes] » (53). Cependant, contrairement au cas des best-sellers féminins dont les personnages « renonce[nt] à [leur] propre violence, à [leur] indépendance, à elle[s]-même[s]» (Jeannesson: 46), Katniss ne présente qu’une obéissance de surface et continue de transgresser les codes imposés.
Son ingouvernabilité, par «sa témérité, son caractère fort et son esprit indépendant, voire farouche » (Demeule, 2016), l’inscrit dès lors parmi les héroïnes que Sherrie A. Inness (2004: 7) décrit comme «tough», c’est-à-dire des personnages féminins qui
do not graciously accept their places in society. […] [P]opular culture’s tough women […] offer insights into how women are fighting to escape conventional gender role expectations that, in the past, have kept them from being aggressive, whether in real life or the media.
Pendant les Jeux, Katniss se montre une guerrière redoutable, capable de déjouer, combattre et même tuer – en situation de légitime défense, devons-nous préciser – les adversaires qui la menacent. Elle se distancie néanmoins de la sérialité des tough women, car sa présentation «as impossible or nearly impossible to defeat» (Inness, 1998: 8) est discutable: sans l’aide de Peeta qui «a trompé les carrières à [son] sujet, monté la garde toute la nuit […], affronté Cato pour [lui] permettre de fuir» (HG: 371), ou encore de Thresh[2] qui abat le tribut dont elle est à la merci et lui laisse la vie sauve (HG: 294-296), Katniss n’aurait peut-être pas remporté la victoire. Loin de signifier qu’elle n’a pas « the stamina to endure when physically weaker women might fail» ni «the tight emotional and physical control that has been traditionally associated with men, not women», pour reprendre les critères établis par Inness (1998: 13), ces moments de relative impuissance contribuent à son portrait réaliste et non rhétorique.
De cette façon, « [p]arce qu’elle dégage à la fois une force brute, et en même temps témoigne d’une confiance en soi assez précaire, d’une vulnérabilité loin de la super-héroïne classique, les lectrices […] peuvent s’identifier à Katniss et poursuivre une quête identitaire constructive » à ses côtés, comme le remarque la chercheuse en littérature Fanie Demeule (2016) dans son article phare sur la figure de la femme ingouvernable. Il s’agit d’un espace liminal à partir duquel «the female protagonists of contemporary young adult dystopias […] seek to understand their places in the world, to claim their identities, and to live their lives on their own terms», et ce, tout en contribuant à rendre «their societies more egalitarian, more progressive, and, ultimately, more free » (Day, Green-Barteet et Montz: 3). La présentation sémantique de Katniss est alors à mettre en relation avec sa trajectoire narrative, qui rejoint «la conquête de l’autonomie» (Saint-Jacques et al.: 238) des romans de grande consommation.
Le parcours d’une survivante
Oscillant entre la répétition et l’innovation, chaque volet de la trilogie Hunger Games s’articule autour du « scénario motif» (Saint-Jacques, 1994: 225) qui constitue la trame de fond de la majorité des best-sellers. Celui-ci comporte sept motifs:
- Un personnage vit dans une situation d’équilibre euphorique.
- Apparaissent des difficultés graves mettant en jeu sa survie ou sa liberté.
- Le protagoniste résiste à l’adversité et se prépare avec détermination à renverser la situation […].
- Il subit un échec d’ordre affectif.
- Il parvient au succès.
- Il connaît un rétablissement d’ordre affectif.
- Il prend la parole pour narrer sa propre aventure. (228)
Il convient de noter que « seuls les quatre motifs centraux (2 à 5) sont nécessaires à la réalisation du modèle; ils forment en pratique un schème stable que les autres motifs complètent ou non» (Saint-Jacques et al.: 228), ce qui permet aux productions de conserver un caractère inédit. Dans l’œuvre analysée, Katniss connaît une situation initiale précaire mais tout de même stable, jusqu’à ce que sa vie bascule le jour de la Moisson des Jeux, où sa survie sera évidemment en péril. La lutte pour la victoire « polarise toutes ses énergies » (Saint-Jacques et al.: 226), puis elle triomphe grâce à son intelligence et à sa détermination. Dans l’intervalle, l’héroïne connaît une peine affective causée par le meurtre de son alliée Rue, ce qui la pousse à commettre un premier acte ouvertement subversif à l’encontre du système: elle rend hommage à la jeune fille et à leur humanité commune en recouvrant sa dépouille de fleurs, afin de « défier le Capitole, le faire se sentir coupable, lui montrer que, quoi qu’il nous fasse ou nous oblige à faire, il reste en chacun de nous une part qui lui échappe.» (HG: 242) Katniss ne se remettra jamais complètement de cette perte; au contraire, les morts qu’elle pleure ne feront que s’accumuler au fil des tomes. Comme le souligne Barnes, «[s]he survives – and that leaves her doing the hardest thing in the world: living in it once so many of the ones that she loves are gone.» (25) Le motif de l’échec affectif indique alors que «la réussite du héros [ou de l’héroïne] est à ce prix » (Saint-Jacques et al.: 229). Signe de ses nombreux deuils, Katniss rédige à la fin du dernier tome « [u]n ouvrage dans lequel consigner tout ce qu’on ne peut pas confier aveuglément à la mémoire[,] […] tous les détails qu’il serait criminel d’oublier» (Collins, 2011: 412), afin de conserver le souvenir des disparu‑e-s.
Mais les émotions associées au deuil ne sont pas les seules à occuper le cœur de Katniss: le dilemme « Peeta ou Gale » prend une place grandissante à mesure que la série avance, bien que celle-ci ne puisse en aucun cas y être réduite. Simplement, Hunger Games n’échappe pas à la tendance des « récits fortement marqués comme féminins […] [à] mett[re] en jeu une forte charge de sentiment amoureux » (Saint-Jacques et al.: 238). Cela dit, dans les best-sellers de/pour femmes, « le récit fondamental de succès subordonne structurellement l’ordre affectif à celui de la réussite sociale personnelle de survie […] comme dans les oeuvres à héros masculins » (238). Le cas à l’étude, où des vies sont menacées au-delà du triangle amoureux, prouve que la « notion de survie, mais aussi (et surtout) la façon particulière dont elle est modalisée est beaucoup plus pertinente pour aborder les best-sellers féminins » (Jeannesson: 37). C’est là que les qualités « tough » de Katniss interviennent, puisque « [l]es héroïnes [de ces productions] ne se limitent pas à vivre des expériences (amoureuses, personnelles) hors de l’ordinaire. Elles surmontent les difficultés qui se présentent au lieu d’être détruites par elles comme le seraient des héroïnes d’œuvres canoniques » (Jeannesson: 85). Il n’y a pas à dire, la fille du feu devenue (co)vainqueresse des 74e Jeux de la faim, puis meneuse de la révolte, représente bien plus qu’une « oie blanche égarée par l’amour» (HG: 366).
Dans Hunger Games comme dans les best-sellers féminins, l’intrigue romantique devient « le chaînon subordonné d’un ensemble plus grand» (Saint-Jacques et al.: 239), puisque «[l]e monde que l’ensemble de ces romans mettent en scène n’a rien d’idyllique ; la recherche du bonheur y obtient des succès tout relatifs quand ce n’est un échec définitif.» (Saint-Jacques, Des Rivières et Savoie: 122) L’épilogue de la trilogie laisse un goût doux-amer: Katniss et Peeta ont fondé une famille et, si certaines analyses y voient une idéologie de consolation toute patriarcale et hétéronormative[3], il s’agit néanmoins d’une fin ouverte dont l’«état d’équilibre […] reste fragile, sujet à bouleversements.» (Jeannesson: 94) Vingt ans après la chute du Capitole, l’héroïne reste traumatisée:
Mes enfants, qui ne savent pas qu’ils jouent sur un cimetière. Peeta dit que tout ira bien. […] Mais un jour, il faudra bien leur parler de mes cauchemars. D’où ils me viennent. Pourquoi ils ne s’effaceront jamais complètement. Je leur apprendrai comment je survis. Je leur dirai que certains matins, je n’ose plus me réjouir de rien de peur qu’on me l’enlève. (Collins, 2011: 416)
Comme le souligne Leah Wilson dans l’introduction à son anthologie, «[t]he world is better than it was, but there are hints that this improvement is only temporary – that the kind of inhumanity we saw in the districts under Capitol rule is the true status quo, and that the current peace is ephemeral, precious» (vii). L’histoire amène le lecteur ou la lectrice à réfléchir, à se poser des questions sur sa propre situation: « At least we’re thinking about politics, and the future », résume une adolescente interviewée par la journaliste Amanda Craig (2012). Précisément, le genre de la dystopie propose «la description d’un monde futur qui a mal tourné à partir de l’exacerbation nocive d’un trait de notre société », selon la définition de Gérard Klein (204) dans le Dictionnaire des utopies. Par sa métaphore épistémologique alliant totalitarisme et société du spectacle, la trilogie de Collins met en cause les idéologies contemporaines[4].
En définitive, la quête de Katniss lui « apporte enseignements et acquis, mais sans déboucher sur une solution figée et définitive.» (Jeannesson: 90) La protagoniste réussit à se reconstruire peu à peu en dépit de ses blessures tant physiques que psychologiques, rejoignant le type d’héroïne best-seller « qui survit, […] qui grandit, qui fait courageusement son chemin et apprend à s’entourer de ceux qui lui font du bien.» (Savoie: 33) Après le feu de la rébellion, Katniss ne cherche qu’à mener une vie tranquille. Contrairement à ce à quoi l’on pourrait s’attendre, «she hasn’t come into her own or risen like a phoenix from the ashes for some triumphant moment that give us a sense of satisfaction with how far our protagonist has come » (Barnes: 17). En cela, elle conserve son caractère ambivalent et atypique, réaliste plutôt que canonique. Hunger Games se réapproprie le scénario motif des productions de grande consommation pour l’adapter au genre de la dystopie sous le signe de l’empowerment féminin et de la justice sociale. En tant que « sujet individuel agissant », la célèbre archère du district Douze « prend la tête de son groupe social d’appartenance, […] refuse le passé et le présent au nom d’un avenir à construire, se déplace à travers le monde et organise toute son action pour la transformation de ses conditions d’existence » (Saint-Jacques et al.: 256). À la fois présentée comme « tough » et humanisée, l’héroïne s’inscrit dans la vague contemporaine des jeunes protagonistes féminines qui « may also be understood as representations of contradictions, of strength and weakness, of resistance and acquiescence, and, perhaps especially, of hope and despair.» (Day, Green-Barteet et Montz: 4) Considérant le cynisme et l’individualisme qui gangrènent actuellement les générations adultes, il ne faut pas s’étonner qu’un groupe d’adolescent-e-s mène la révolution contre la corruption et la violence dans la vraie vie aussi[5].
Notes
[1] Par souci de concision, le sigle HG est employé tout au long de cet article pour désigner le premier tome de la trilogie Hunger Games (Collins, 2009).
[2] À noter que les deux tributs «protecteurs» sont de sexe masculin. Si les héroïnes tough «do not need men to rescue them from peril» (Inness, 2004: 7), ce n’est pas le cas de Katniss ici.
[3] Cf. Broad (2013), Linstrom (2014) et Thaller (2016). Au contraire, June Pulliam, à partir des théories de Michel Foucault sur le pouvoir, argumente qu’au lieu de succomber avec résignation au schème du mariage et de la maternité, le choix de Katniss «might be the result of deeper and often invisible forces that have been molding [her] all her life. » (171) Exploitée et aliénée par le Capitole dès l’enfance, la protagoniste n’aurait pas les moyens de savoir si elle aime réellement Peeta ou si elle a plutôt intériorisé certaines normes qui contribuent à son oppression. Elle aurait donc choisi la meilleure option en fonction de ce qu’elle pense ressentir, ce que l’on peut difficilement lui reprocher.
[4] Cf. Dominguez Leiva (2012).
[5] Cf. Taylor (2018) sur les liens entre la trilogie Hunger Games et les jeunes Américain-e-s militant pour le contrôle des armes à feu aux États-Unis. D’un point de vue plus général, le mouvement étudiant pour la justice climatique soulève un constat similaire quant à l’engagement des adolescent-e-s et jeunes adultes pour « réveiller » leurs aîné-e-s, comme en témoigne au Québec un récent article de L’actualité à propos de cette «génération au front» (Boule, 2019).
